Comic

Comic

Diese Erzählform vereint das Beste beider Kunstwelten: Wort und Bild. Was man davon lesen und was man besser meiden soll, steht hier.

03. Aug. 2020
von andreasplatthaus
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His Marxist Majesty Is not Amused

Gibt es in diesem Jahr voller runder Jahrestage prominenter alter weißer Männer einen Hegel-, einen Hölderlin- oder einen Celan-Comic? Bildslang meines Wissens nach nicht, aber ein anderer Jubilar hat mehr Glück gehabt: Friedrich Engels, seines Zeichens „Unternehmer & Revolutionär“ (so der Untertitel) und geboren 1820, also vor zweihundert Jahren, in Barmen. Für die weniger Geschichtskundigen unter uns: Diese bergische Stadt gibt es nicht mehr, weil sie 1929 mit dem benachbarten Elberfeld vereinigt und die neue Doppelgemeinde ein Jahr später in Wuppertal umbenannt wurde. Daran dürfte Engels, der berühmteste Sohn der Stadt, nicht ganz unschuldig gewesen sein, denn 1839 hatte er als blutjunger Journalist für eine Monatszeitschrift zwei „Briefe aus dem Wuppertal“ geschrieben, deren erster so begann: „Bekanntlich begreift man unter diesem bei den Freunden des Lichtes sehr verrufenen Namen die beiden Städte Elberfeld und Barmen, die das Tal in einer Länge von fast drei Stunden einnehmen.“

In Wuppertal residiert heute der Comic-Kleinverlag Edition 52, der sich das Jubiläum nicht entgehen lassen wollte, wenn sich auch die Feiern zu Ehren des Mitbegründers der kommunistischen Theorie außerhalb der Stadt in Grenzen halten. Und so muss man hoffen, dass der eher kleinformatige Schwarzweißband  zumindest dort Verbreitung findet, denn leider wurde die Chance vertan, dem durchaus weltweit noch bekannten Friedrich Engels eine attraktiv aufgemachte Comicbiographie zu widmen. Schon die Titelzeichnung zeigt nicht das emblematisch gewordene Vollbartantlitz des älteren Engels, wie man es von tausend Bannern kennt, sondern einen bebrillten, langhaarigen Jungspund, der aussieht wie ein Typenmodell für die Asservatenkammer des neunzehnten Jahrhunderts. Entindividualisiert. Gut, dass wenigstens der Name „Engels“ groß aufgedruckt wurde.

Im Inneren sieht der Band nicht wesentlich besser aus, nämlich so: https://edition52.de/wp-content/uploads/Engels-GN_-Leseprobe__1.pdf. Das ist eine Szene aus dem Jahr 1849, als auch in Elberfeld Revolution herrschte. Zugleich saß Engels mit dem Redaktionskollegen Karl Marx im nicht allzu fernen Köln und heizte nicht nur den Aufstand mit Artikeln an, sondern brach auch selbst ins heimatliche Wuppertal auf, wo man gegen ihn aber sofort ein Aufenthaltsverbot verhängte. Alsbald wurden er und Marx dann auch in Deutschland nicht mehr geduldet, und beide beschlossen ihr Leben schließlich in England. Das kannte Engels gut, denn 1843 war er als Unternehmersohn nach Manchester geschickt worden, um sich dort in der Firmenführung zu bewähren. Was er dabei an sozialem Elend gesehen hatte, machte ihn erst zum Revolutionär.

Ähnlich sprunghaft wie dieses kurze Resümee seines Lebens ist auch dessen Behandlung im Comic „Engels“. Die Zeiten ändern sich permanent, und die assoziative Klammer über Jahrzehnte hinweg ist bisweilen arg gesucht. Der Zeichner Christoph Heuer, der zusammen mit dem Journalisten Fabian W. W. Mauruschat auch das Szenario geschrieben hat, setzt leider viel mehr auf Wort- als auf Bildverbindungen. Der alte Engels ist es bei ihm, der sich zu mehreren Anlässen an seine jungen Jahre erinnert und damit die jeweiligen Episoden auslöst. Dieser Kunstgriff ist vertraut und leider langweilig. Warum wird einem Umdenker wie Engels nicht etwas mehr eigenes Gehirnschmalz gewidmet, auf dass der ihn ehrende Comic selbst ein wenig revolutionär daherkäme?

Alles ist sehr didaktisch gedacht, und das Quellenverzeichnis für die Darstellung füllt vier ganze Seiten. Dass mit Georg Fülberth ein Engels-Biograph darunter vertreten ist, der orthodoxer Marxist ist, darf man als Segen bezeichnen, denn seine Arbeit bemüht sich wenigstens noch um eine Standortbestimmung im Sinne des historischen Materialismus, während die intellektuellen Salonlinken à la Slavoj Zizek nur noch Zerrbilder des Porträtierten abliefern. Gut, deren Lektüre haben sich Heuer und Mauraschat gespart, aber dass dann Raoul Pecks Spielfilm „Der junge Marx“ als Inspiration auftaucht, enttäuscht wieder. Der Kampf ums Nachleben von Engels hätte eine schöne Coda abgegeben, doch stattdessen bemüht sich ein Epilog verzweifelt um eine Aktualisierung und lässt zuschlechterletzt Engels als Hipster namens Fred auf einer Demonstration unserer Tage auftreten. His Marxist Majesty wouldn’t be amused.

Im Literaturverzeichnis findet sich auch das erklärte Comic-Vorbild für „Engels“: Alan Moore und Eddie Campbells „From Hell“, die akribisch recherchierte Phantasmagorie über Jack the Ripper. Ähnliche Zeit, teilweise gleicher Schauplatz (London), verwandtes politisches Anliegen. Aber welch ein Unterschied zwischen Campbells im Stil der Graphik des neunzehnten Jahrhunderts angenäherten eleganten Schwarzweißzeichnungen und den leider recht plumpen, vor allem in den Körperproportionen buchstäblich ungelenken Tuschezeichnungen von Heuer. Da wünschte man sich, das Vorbild wäre unerwähnt geblieben. Und für eine bessere Engels-Comicbiographie ist auch noch Platz.

03. Aug. 2020
von andreasplatthaus
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27. Jul. 2020
von andreasplatthaus
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Seltsam geht es zu in Oddleigh

Tor Freeman war mir kein Begriff, bis vor einem Jahr die zweite Ausgabe des Kindercomicmagazins „Polle“ herauskam, die eine Kurzgeschichte der britischen Zeichnerin enthielt: „Der Fluch von Lorringham“. Die war so witzig und zugleich ungewöhnlich, dass ich gerne mehr gelesen hätte (https://blogs.faz.net/comic/2019/10/07/tolle-polle-die-zweite-1446/), und nun hat der Reprodukt-Verlag mir den Gefallen getan und einen ganzen Band von ihr ins Deutsche übersetzt, in dem sich auch die wunderbare Kurzgeschichte wiederfindet, aber dazu noch vier weiter, die alle gemeinsame Abenteuer der Chefinspektorin Jessie und des ihr untergebenen Sergeanten Sid zum Gegenstand haben. Nach dem Ort, i dem diese beiden Polizisten stationiert sind, heißt der Comic: „Willkommen in Oddleigh“.

Der Name mit der charakteristischen Ortsendung „-leigh“ lässt phonetisch „oddly“ anklingen – seltsam, eigenartig. So geht es in der Tat in ganz Oddleigh zu, nicht nur im dort gelegenen Herrenhaus Lorringham, wo Jessie und Sid einen gruseligen Spuk zu überwinden haben. Andere Episoden drehen sich um das Auftauchen des eigentlich ausgestorbenen Pterodaktylus als leicht wiederzubelebendes Fossil in den Kreideklippen von Oddleigh, um einen obskuren von Schmetterlingen betriebenen Verwandlungskult oder um einen muttergeschädigten Zahnarzt. Die große Kunst von Tor Freeman aber liegt nicht im schieren Aberwitz ihrer Tierfiguren, sondern im Anspielungsreichtum dieser Geschichten für Kinder, an denen deshalb Erwachsene allemal auch ihren Spaß finden.

Der Dentist etwa – ein klassisches Objekt freudianischer Analyse. Die Raupen – Sinnbilder religiöser Verblendung. Der Flugsaurier – Stellvertreter für die Integration von Migranten. Und doch muss man all diese Bezüge zur Wirklichkeit nicht wahrnehmen, um Tor Freemans Comics zu schätzen. Da sie auch noch äußerst liebevoll gezeichnet sind, wäre schon der Niedlichkeitsfaktor ausreichend dafür (zu überprüfen anhand der Leseprobe: https://www.reprodukt.com/Produkt/comics/willkommen-in-oddleigh/).

Dadurch kaschiert Freeman die hinter den harmlos anmutenden Geschehnissen mittransportierten ernsten Themen wie Lieblosigkeit, Einsamkeit oder Fanatismus. Oder Neid wie in der noch nicht angesprochenen Episode „Die Leibwächter“, in der eine Familie von berühmten Popsängern (man möge hier je nach Belieben die Kelly Family oder die Jackson 5 als Vorbild vermuten) bedroht wird. Das ist die einzige wirklich Kriminalgeschichte im Band mit den beiden Polizisten als Hauptfiguren, und auch da gelingt es Freeman, eine psychologische Tiefe ins scheinbar oberflächlich-kindliche Erzählen einzubauen, dass man staunt. Schon allein, wie sie eine beginnende Liebe zwischen Inspektorin Jessie und dem bedrohten Lead-Sänger zu inszenieren versteht, ist ein kleines Meisterstück. Man könnte hier noch viel mehr sagen über diesen wunderschönen Comic, aber die durch Verzicht darauf eingesparte Zeit sollte man nutzen, um sofort loszulesen.

 

27. Jul. 2020
von andreasplatthaus
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20. Jul. 2020
von andreasplatthaus
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Wie kommt der Fisch in die Fish & Chips?

Monate lang hat mir der unmittelbare Zugriff auf den französischen Comicmarkt gefehlt, denn in den Buchhandlungen von Paris, Brüssel oder Straßburg fällt mir die Auswahl leichter als beim einschlägigen Internetforum bd.net oder dem französischen Zweig von Amazon. Zumal Letzterer die Auslieferung von Büchern während der Hochzeit der Corona-Pandemie ohnehin hintan stellte und der französische Staat bizarrerweise bd.net verboten hatte, Bücher auszuliefern. Das erste Halbjahr der französischsprachigen Comicproduktion ging also fast komplett an mit vorbei.

Nun war ich wieder in Paris und konnte leider nicht feststellen, dass ich viel versäumt hätte. Noch nie bin ich mit so wenigen neuen Comics aus Frankreich zurückgekommen – auch wenn man bedenken muss, dass kurz vor den Sommerferien ohnehin kein dortiger Verlag mehr neue Bücher auf den Markt bringt. Man wartet auf die rentrée im September, die intensivste Phase des französischen Buchhandels, die dann bis Januar anhält, wenn vor dem Comicfestival von Angoulême noch einmal massenweise Neuerscheinungen herauskommen.  Danach folgt das schwächere Halbjahr, und 2020 war es offenbar besonders schwach.

Ich wäre somit enttäuscht zurückgefahren, wenn ich nicht vor der Abfahrt meines Zuges an der Gare de l’Est meinen obligatorischen Abschiedsbesuch im dortigen Bahnhofskiosk gemacht hätte. Und das Angebot an aktuellen Magazinen machte alles wett. Drei Stück nahm ich mit, und jedes belegt, welchen Stellenwert Comics in unserem Nachbarland besitzen, denn zu keinem davon gibt es auch nur annähernd etwas Ähnliches in Deutschland. Die drei Magazine sind: erstens die jüngste Ausgabe des vor drei Jahren begründeten Vierteljahreszeitschrift „Les arts dessinés“ (Heft 11, diesmal mit langen Bild- und Textstrecken zum amerikanischen Zeichner Charles Burns, der aber in den letzten Jahren wie kaum ein anderer das ästhetische Erbe von Hergé angetreten hat, und zu den beiden großen Toten des französischen Comics im abgelaufenen Jahr: Albert Uderzo und Claire Bretécher). Zweitens die dritte Ausgabe von „HistoriaBD, einer noch unregelmäßig erscheinenden Reihe, die Comic-Klassiker in ihre jeweilige Handlungszeit einbettet und auf deren Realitätsgehalt überprüft (das erste Heft widmete sich „Asterix“, das zweite „Lucky Luke“, das dritte nun André Franquins „Spirou“-Alben und den „trente glorieuses“, wie man in Frankreich die Jahre von 1945 bis 1975, also die Zeitspanne vom Sieg im Zweiten Weltkrieg bis nach der ersten Ölkrise nennt). Und drittens schließlich die jüngste Ausgabe von „XXI“, immerhin schon die einundfünfzigste dieser Heftreihe. Um sie soll es in diesem Blog gehen.

Oder besser gesagt: nur um 26 Seiten daraus. „XXI“ ist eine Vierteljahreszeitschrift für Reportagen zu politischen Themen, die jeweils stark illustrativ aufgearbeitet werden – sei es mittels Fotografie, Infographik oder Zeichnungen. Von Beginn setzte das Magazin dabei auch auf Comics, und so lohnt der Blick hinein immer wieder. Zum Beispiel war es „XXI“, das den Begründer des Reportagecomics, den Amerikaner Joe Sacco, vor ein paar Jahren beauftragte, zu den Volksgruppen im nordwestlichen Kanada zu reisen, und daraus entstand sein vor wenigen Wochen auch auf Deutsch bei der Edition Moderne erschienener Bericht „Wir gehören dem Land“, ein neuer Meilenstein des Genres. Für die diesjährige Sommerausgabe von „XXI“ hat nun einmal die französische Sachcomicautorin Marie Dubois einen sechsseitigen graphischen Essay über den Konflikt zwischen Mutterschaft und Berufskarriere gezeichnet (ein Vorgeschmack auf ihren ebenfalls in Zusammenarbeit mit dem Magazin entstehenden Sachcomic über Unfruchtbarkeit). Doch die wirkliche Sensation im Heft ist die Arbeit eines von mir seit langem bewunderten Comicreporters: des in London lebenden deutschen Zeichners Olivier Kugler. Wobei „XXI“ ihn als Olivier Kruger ausweist und die Mitarbeit seines englischen Freundes Andrew Humphries an der Geschichte gleich ganz unterschlägt. Bei den Angaben zu den eigenen Mitarbeitern könnte die Akkuratesse also noch etwas größer sein.

Von Kugler ist man Weltreisen gewöhnt, wie etwa aus dem Band „Dem Krieg entronnen“, der mich vor drei Jahren beeindruckt hat (nachzulesen unter https://blogs.faz.net/comic/2017/10/16/fotorealismus-auf-zweierlei-weise-1109/). Diesmal aber ist er – auch bedingt durch die Geburt seines Sohnes – nur kurz vor die Tür gegangen, nach Clapham, einem Stadtteil im südlichen London, wo er Benny’s Traditional Fish & Chips besucht hat, ein hochgelobtes Lokal für das britische National-Fast-Food. An einem Vormittag im Sommer 2018 haben Kugler und Humphreys den Ladeninhaber Ben Stylianou, 1961 in London geborener Sohn eines zyprischen Einwandererpaars und seit 1975 im Familienlokal hinter der Verkaufstheke tätig, beim Aufschließen seines Ladens und dann durch den Tag begleitet. Scheinbar ist daraus ein banaler Bericht vom Alltag eines Frittenbudenbetreibers entstanden, aber daraus wird schon bald viel mehr: erst ein kleines Familienporträt der Stylianous, dann eine schon deutlich größere Sozialstudie des sich gentrifizierenden Claphams und schließlich eine aufwendige Recherche auf den Spuren des Fischs, den Ben Stylianou verwendet.

Das ist verblüffend, denn der Beginn der wie gesagt sechsundzwanzigseitigen Reportage im typischen Kugler-Stil aus ineinander fließenden Personen- und Umgebungsdarstellungen (leider kann man auf der Homepage von „XXI“ nur die erste Doppelseite einsehen: https://www.4revues.fr/xxi/252-51ete-2020.html) bietet keinen Hinweis, dass man das Ecklokal in der North Street bei der Lektüre jemals verlassen würde. Kugler plaudert mit Ben Stylianou, seinen Angehörigen und Kunden, begeht mit ihm die Räumlichkeiten des Fish-&-Chips-Ladens, und plötzlich erwähnt der Gastronom, dass er seinen Kabeljau aus Island beziehe, zeigt die Tiefkühlpackung vor, und auf der nächsten Seite sind wir mit Kugler schon auf den Faröer-Inseln. Denn wie er und Humphries herausgefunden haben, stammt das Schiff, dass den Kabeljau fängt und gleich an Bord verarbeitet und einfriert, von dort.

Wer jetzt wiederum glaubt, es folgte eine Enthüllungsgeschichte über die ominöse Herkunft des Fisches, sieht sich abermals getäuscht. Ben Stylianou hat nur die Faröer-Inseln mit Island verwechselt (Hauptsache, weit im Norden), und auf dem Schiff wird saubere Arbeit geleistet. Kugler besucht es bei seiner Heimkehr nach einem zehnwöchigen Fischzug durch die Barentssee und unterhält sich mit Besatzung, Kapitän, Eignern und Dienstleistern an Land, bis er auf gerade einmal zwölf Comicseiten die ganze Fischproduktions- und -absatzkette zusammengebracht hat, vom Eismeer über die Faröer bis nach England. Man lernt unglaublich viel über einen verrufenen Erwerbszweig (Stichwort: Überfischung der Meere), zu dem hier aber ganz sachlich recherchiert wird. Nach Lektüre von Kuglers Comicreportage weiß man, dass zumindest für den Kabeljau der Klimawandel eine weitaus größere Bedrohung darstellt als der Fischfang.

Dann sind wir wieder in London, in Benny’s Traditional Fish & Chips, den wir auf den ersten sechs Seiten liebgewonnen haben und nach nun noch acht weiteren Seiten noch viel mehr schätzen, doch am Ende vermeldet Kugler, dass Ben Stylianou sein Lokal mittlerweile geschlossen hat. Angeblich, so heißt es im Comic, am 6. Juni 2018, aber das hätte zeitlich vor dem Beginn der Reportage gelegen, also hat da der Berichterstatter geschludert und das Lektorat von „XXI“ geschlafen, zumal es in London im Juni nicht schon abends um halb neun so stockdunkel ist, wie Kugler es zeichnet, als Ben seinen Laden zum letzten Mal abschließt. Schade, dass ein so offensichtlicher Fehler ganz am Ende durchgerutscht ist.

Aber er tut inhaltlich nichts zur Sache, und danach kommt zur Versöhnung ein kleines Schmankerl, denn Kugler ist ein paar Monate nach dem letzten Geschäftstag in die North Street zurückgekehrt, um nachzusehen, wer dann ins Ladenlokal eingezogen ist (ein Fitnessanbieter), und noch einmal mit Ben Stylianou zu sprechen, der sich mit dem offenbar fürstlichen Verkaufserlös fürs Haus zur Ruhe gesetzt hat. Und nun eine alte Liebe intensivieren will: die Schauspielerei. Da erfährt man, dass der Fish-&-Chips-Verkäufer schon 2016 in einem „Jason Bourne“-Film mitgespielt hat: als griechischer Lastwagenfahrer, und die Internet Movie Data Base bestätigt diese Angabe. Nun hat der bislang verhinderte Schauspieler sich sogar einen Agenten genommen, und so mag Ben aus dem Fritten- ins Filmgeschäft wechseln. Erstaunlich, welche Geschichten das Leben so schreibt! Und erfreulich, dass es Menschen wie Olivier Kugler gibt, die sie so grandios aufzuzeichnen wissen. Und dass dann ein Magazin wie „XXI“ das Ganze druckt: halbalbenlang für sechzehn Euro. Nicht billig, aber über die anderen 170 Seiten der Nummer 51 des Heftes habe ich ja noch kaum gesprochen. Auch wenn es dabei außer Dubois’ Essay keinen weiteren Comic gibt, sind die nämlich auch aller Aufmerksamkeit wert. Aber nichts überrascht so sehr wie Kuglers und Humphries’ Reportage mit dem Titel „Le fish and chips n’a plus la frite“ – Fish & Chips sind nicht mehr gut drauf. Wir dagegen sind es nach der Lektüre umso mehr.

20. Jul. 2020
von andreasplatthaus
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13. Jul. 2020
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Ein Krake will die Bombe

Nachdem ich an dieser Stelle vor drei Jahren zum ersten Mal über Oyvind Torseter geschrieben hatte (https://blogs.faz.net/comic/2017/03/07/maerchenhaft-irritieren-986/), las ich lange nichts mehr von ihm , hörte aber immer wieder viel Gutes über seine weiteren Comics. Und nun ist auf Deutsch „Ein Mann für alle Fälle“ erschienen, eine Geschichte, die mich beim Aufblättern sofort in ihren Bann zog, weil darin Bilderbuch- und Comicästhetik produktiv gemischt werden. Ein ständiger Wechsel zwischen ganz- oder doppelseitigen Bildern und Panel-Blöcken von jeweils vier pro Seite sorgt für eine spannungsfördernde Dramaturgie, weil in den großen Darstellungen zahllose Details untergebracht werden, während die kleinteiligen Bildsequenzen meist nur die Figuren vor leere Hintergründe stellen, mit dieser Fokussierung aber das von ihm meisterhaft beherrschte minimalistische Mienenspiel à la Tove Janssons „Mumins“ erst richtig zur Geltung kommen lassen. Torseter weiß aber nicht nur, was die Comic- und Bilderbuchtradition so alles hergibt, er hat auch die großen Cartoonisten wie Tomi Ungerer, Ronald Searle oder Sempé genau studiert und führt deren scharf-feinen Strich in die Hintergründe seiner größeren Bilder ein. „Ein Mann für alle Fälle“ wird so zur allfälligen Hommage.

Wer sich eine konkrete Vorstellung davon machen will, wie das aussieht, wird vom deutschen Gerstenberg-Verlag wieder mal nur mit dem Titelbild abgespeist: https://www.gerstenberg-verlag.de/fileadmin/media/cover_lightbox/9783836960588.jpg. Aber der der norwegische Originalverlag des dort 2018 erschienenen Comics bietet eine ordentliche Leseprobe an, die aber selbstverständlich den norwegischen Text enthält: https://issuu.com/cappelendamm/docs/sider_fra_original_ferdig_bok_-_skj_2fb6e0d9bcee99?e=0/65928173. Da sieht man auch den subtilen Einsatz von Zusatzfarben, den Torseter hier pflegt, und man kann auf einem Bild schon eine Figur ausmachen, die später die Rolle des Bösewichts spielen wird. Ich werde mich aber hüten zu verraten, welche es ist.

Wobei das eigentlich egal wäre, denn die meiste Zeit tritt sie eh als nahezu gesichtsidentischer Doppelgänger von Hans auf, des Ich-Erzählers in diesem Comic, der sich als „Mann für alle Fälle“ im Präsidentenpalast verdingt. Der Präsident regiert einen Staat mit augenscheinlich sehr divers zusammengesetzter Bevölkerung, der über Atombomben verfügt und in Systemkonkurrenz mit einem Land steht, über das eine rote Krake herrscht (dieses Symbol der Bedrohung kennen wir schon aus Torveters „Der siebente Bruder“). Den Präsidenten selbst zeichnet er als Elefant, und man darf wohl annehmen, dass damit etwas über dessen Charakter ausgesagt werden soll – weniger eines guten Gedächtnisses wegen als eines trampel-/trumphaften Verhaltens. Man wagt wohl nicht viel, wenn man sagt: Der namenlose Staat im Comic steht für die Vereinigten Staaten.

Wobei auch das egal ist, denn hier wird keine Politsatire betrieben, sondern die Geschichte einer gestohlenen Identität erzählt. Hans wird eines Tages von seinem Doppelgänger auf der Straße erwartet und kann diesem angesichts seines unwiderstehlichen Lächelns (das Einzige, was die beiden unterscheidet) nicht abschlagen, ihm alles auszuhändigen, was er bei sich trägt. Ausgestattet mit Hans‘ Kleidung und Wohnungsschlüssel nimmt der dreiste Doppelgänger nun dessen Platz ein, und alle Proteste von Hans bei der Polizei fruchten nichts, weil da ja jemand sein Leben lebt, der genauso aussieht wie er und dabei noch freundlicher lächelt.

Auch den Job im Präsidentenplast nimmt der Hochstapler ein, und alsbald vertraut der Hans gegenüber vertrauensselige Staatschef ihm den Atomkoffer an, so dass nun die ganze militärische Gewalt des Landes in den Händen eines Schurken liegt. Dass der den Koffer nicht wie beabsichtigt an den feindlichen Krakenstaat verkaufen kann, ist nur der Tatsache zu verdanken, dass Hans in seiner Verzweiflung die Detektivin Fräulein Cadmium engagiert, die den Doppelgänger doch noch auffliegen lässt.

Was hochdramatisch klingt, wird von Torseter kindgerecht erzählt: mittels seiner abwechslungsreichen Bilder und eines lapidaren Tons, der mehr mit Untertiteln arbeitet als mit Sprechblasen. Die Geschichte nimmt zahlreiche Topoi der Schwarzen Serie auf: Hans trägt Trenchcoat wie Humphrey Bogart, und Fräulein Cadmium wiederum ist als Ermittlerin ein Typ im Geiste von Philip Marlowe. Das macht immens viel Freude, gerade weil das alles so unaufgeregt daherkommt. Selbst wenn es am Ende einen Showdown gibt, der auch in einen James-Bond-Film passen könnte. Und zuvor folgt das Geschehen dem Muster der Filmreihe um Jason Bourne:

So jedenfalls kann man Kinder den Themen der Weltpolitik aussetzen – als lustige Verfolgungsjagd in einer Phantasiewelt, die aber Anknüpfungspunkte zur Realität en masse bietet. Bis zur nächsten Lektüre eines Torseter-Buchs werde ich nicht drei Jahre verstreichen lassen.

13. Jul. 2020
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09. Jul. 2020
von andreasplatthaus
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Neonrosagrün ist diese Zukunft – und tiefschwarz

Diesen Comic hatte ich schon einmal gesehen. Nein, nicht weil er aussieht, als hätte Moebius ein Szenario von Lewis Trondheim umgesetzt (und Trondheim dann doch auch noch selbst zeichnerisch ein bisschen Hand angelegt, etwa bei den Totenschädeln am Wegrand). Sondern weil ich ihn  tatsächlich in einem früheren Stadium schon teilweise gelesen hatte, aber da er mich damals anonymisiert erreichte, wäre ich nie darauf gekommen, dass er von einem der größten Talente der deutschsprachigen Comicwelt stammt: von Lukas Kummer.

Das könnte jetzt alles so klingen, als hielte ich nichts von „Prinz Gigahertz“, dem jüngsten Comic Kummers. Das Gegenteil ist der Fall: Es ist das bislang beste Werk des 1988 geborenen Österreichers, der in Kassel das Comiczeichnen studierte und heute noch dort lebt, ein Lustbuch der persönlichsten Art, in dem seine Vorlieben und Stärken überdeutlich werden. Und wenn ich es das bislang Stärkste von Kummer nenne, dann übertrifft es also auch dessen gefeierte Adaption der autobiographischen Bücher von Thomas Bernhard, deren erste beiden Teile, „Die Ursache“ und „Der Keller“, erst kürzlich beim Residenz-Verlag erschienen sind: höchste Ehre, dort die ersten Comics publizieren zu dürfen, und hohe Kunst, wie Kummer da an Bernhard herangeht. Aber daneben auch noch etwas wie „Prinz Gigahertz“ zu zeichnen – Chapeau! Denn damit hat Kummer ganz offensichtlich den Druck der Erwartungen an seine Bernhard-Comics kompensiert.

Weiter weg von seinen Schwarzweißbildern von Bernhards weltzweifelnder und -verzweifelter Nabelschau geht es nämlich kaum. Das beginnt mit den schreienden Farben; schon das Titelbild ist neonrosagrün und weckt optisch Erwartungen an einen Science-Fiction. Irgendwie ist der Comic das auch, denn er spielt in einer unbestimmten, aber ganz gewiss noch weit weg liegenden Zukunft, in der es zu Überschneidungen zweier Paralleluniversen kommt: eines archaisch-mittelalterlichen und eines dekadent-futuristischen. Ein Grenzgänger zwischen beiden Welten ist ein wehrhafter Ritter, über den der Titel des Comics etwas andeutet, was die Geschichte selbst erst ganz zum Schluss verrät – und dieses Blog gar nicht.

Schön geht es nicht zu in der Mittelalter-Welt, die den Hauptschauplatz stellt. Der Protagonist, der gar nicht Gigahertz heißt, sondern Billy, ist nach einem dreißig Jahren währenden persönlichen Blackout wieder erwacht, äußerlich gänzlich unverändert und leider immer noch von einem mordgierigen Roboterdämon verfolgt, der eine Spur des Gemetzels hinter sich lässt, die Kummer mit erkennbarer Freude an Drastik ins Bild setzt. Aber keine Sorge: So gewalttätig das Geschehen ist, bleibt die Darstellung doch immer im spielerischen Modus von Fantasy, und das Phantastische wirkt eben nie realistisch bei Kummer. Zumal er auf Lautmalereien komplett verzichtet, und das ist bei manchen Szenen ein Segen. Man mag sich gar nicht vorstellen, wie klingt, was der Roboterdämon da anrichtet.

Dass Kummer auch weiß, wie man sich mit graphischem Grauen in die Erinnerung seiner Leser eingräbt, hat 2015 sein Debüt „Die Verwerfung“ gezeigt: eine extrem grausame Episode aus dem Dreißigjährigen Krieg, damals erschienen beim kleinen, aber für die jüngere deutsche Comicgeschichte unentbehrlichen Stuttgarter Zwerchfell-Verlag. Dorthin ist Kummer mit seinem „Prinz Gigahertz“ zurückgekehrt, obwohl sich auch größere Häuser die Finger nach dem Band hätten lecken können: Reprodukt etwa der erzählerischen Nähe zum überschäumenden Zynismus von Lewis Trondheim wegen. Oder Carlsen wegen der klaren Farb- und Formensprache, die ans Edena-Projekt von Moebius anknüpft (um die Anfangsbehauptung dieses Textes noch etwas zu untermauern). Aber der wichtigste Einfluss ist einer, der gar nicht aus der Comictradition stammt, sondern aus der Animation: Kummer zeichnet Dekors im Stil von Eyvind Earle, dem legendären Konzeptgestalter des Disney-Studios der fünfziger Jahre. Wenn man sich die – klugerweise sämtlich sprechblasenfrei gewählten – Probeseiten aus „Prinz Gigahertz“ auf der Verlagsseite https://zwerchfellverlag.de/prinz-gigahertz/ ansieht, dann könnten die auch aus den Entwürfen Earles für den „Dornröschen“-Trickfilm von 1959 stammen.

Aber Nostalgie ist Kummers Sache nicht, Dystopie schon weitaus mehr. Und Diachronie, denn die Handlung springt munter zwischen den Zeiten, wenn Kummer die Erinnerungen von Billy an die Ereignisse von vor dreißig Jahren ansatzlos ins aktuelle Geschehen einfließen lässt. Da konstruiert man als Leser eifrig mit und merkt erst spät, dass der Autor die ganze Zeit munter dekonstruiert hat. Wenig ist, wie es scheint, in „Prinz Gigahertz. Mit einer Ausnahme: Lukas Kummer scheint auf dem besten Weg, zu einem der prägenden Comic-Künstler seiner Generation zu werden.

 

09. Jul. 2020
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05. Jul. 2020
von andreasplatthaus
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Grundunheimlichkeit

 Es ist noch nicht lange her, da habe ich in diesem Blog anlässlich Jéremy Perrodeaus Science-Fiction-Comic „Dämmerung“ aufgestöhnt: Nicht schon wieder Nouvelle Ligne Claire! Und wurde dann doch überzeugt von dem, was ich las. Comics erhalten ihre Bedeutung mehr durch die Geschichte als durch die Graphik. Letztere wird nur deshalb meist in den Mittelpunkt der Bewertung gestellt, weil sie uns schneller zum Kauf verlocken kann: Ein Blick genügt, und das Urteil über optisches Gefallen oder Missfallen ist gefällt. Um zu entscheiden, ob mich eine Geschichte überzeugt, muss ich sie erst gelesen haben.

Als mir „Die Insel der Verschollenen“ von Max de Radiguès vor die Augen kann, gab es wieder einen Stoßseufzer, nur diesmal um ein Wort kürzer: Nicht schon wieder Ligne Claire! Denn nouvelle ist an der Graphik des 1982 geborenen Belgiers gar nichts. Die beiden Hauptfiguren, die jugendlichen Zwillingsgeschwister Stig und Tilde, haben Pünktchen als Augen, Häkchen als Nasen, Striche als Nasen – alles wie bei Hergé in seiner Kinder-Abenteuerserie „Jo, Jette und Jocko“, auch die blassen Farben, und was denn doch davon kündet, dass die Serie von Max de Radiguès in der Jetztzeit entstanden ist, also etwa die bewusst nachlässige Staksigkeit seiner Figuren, das kennen wir etwa von Mawil (Leseprobe unter https://www.reprodukt.com/Produkt/serien/stig-tilde-insel-der-verschollenen/). Nichts Neues in diesem Comic, gar nichts.

Graphisch nichts Neues. Inhaltlich schon. Denn als ich mich widerwillig an die Lektüre machte – immerhin ist der Comic in deutscher Übersetzung bei Reprodukt erschienen, und die wissen im Regelfall, was sie tun –, war ich angetan. Für die sechzig recht dialogarmen Seiten braucht man keine halbe Stunde, der Band richtet sich erkennbar an ein junges Publikum, ist denn auch im Kinderprogramm von Reprodukt erschienen, aber sein Thema ist durchaus auch etwas für Ältere: Stig und Tilde, von deren Erlebnissen es im französischsprachigen Original übrigens schon drei Alben gibt (und De Radriguès hat mit „Simon & Louise“ noch eine weitere recht ähnliche Jugendserie gezeichnet), sind vierzehn Jahre alt geworden und sollen deshalb ihren „Kulku“ absolvieren, einen rituellen einmonatigen Aufenthalt auf einer der vielen abgelegenen Inseln in einem großen See, bei dem sie auf sich allein gestellt sind – also eine Initiation ins Erwachsensein. Das Wort „Kulku“ stammt aus dem Finnischen und bezeichnet eine Fahrt oder Reise, aber die Verortung des Geschehens ist nicht eindeutig, denn welche Finnen hießen schon Stig oder Tilde? Das klingt eher schwedisch wie auch der Name „Tysla“ für die angesteuerte Insel.

Dort kommen Stig und Tilde jedoch nicht an, denn sie erleiden auf der Überfahrt mit ihrem kleinen Motorboot Schiffbruch und müssen sich auf eine andere Insel retten. Es beginnt eine kleine Robinsonade, denn aus dem gesunkenen Wrack können sie noch Teile ihrer Ausrüstung retten und sich einigermaßen in der nun unfreiwilligen Isolation einrichten. So einsam, wie sie glauben, sind sie indes nicht – auch das kennt man aus „Robinson Crusoe“. Tilde macht die Bekanntschaft des auf der Insel lebenden Arne. Recht schnell stellt sich heraus, dass es sich bei Arne um den Geist eines gleichfalls wegen seines Kulkus 1946 hierhergekommenen Jungen handelt, der damals von einem Mädchen erstochen worden ist.

Zwischen Tilde und Arne entwickelt sich eine Faszination, und wie Max de Radriguès das erzählt, erscheint es ganz natürlich, zumal es ihm gelingt, ohne große dramatische Szenen eine gewisse Spannung zwischen Tilde und ihrem Zwillingsbruder zu suggerieren, so dass Arne eine willkommene Ablenkung für das Mädchen darstellt. Aber die Grundunheimlichkeit, die den Comic von Beginn des Inselaufenthalts an prägt, bestätigt sich, als man erfährt, wie die genauen Umstände von Arnes Tod waren, und am Schluss gibt es eine geradezu mitreißende Verfolgungsjagd, die mit Horror-Elementen spielt, ohne sie aber je explizit werden zu lassen. Trotzdem dürfte das an die Grenze dessen gehen, was ein Kindercomic darstellen kann. Aber ich als Erwachsener hatte daran meine Freude. Und an der abermaligen positiven Überraschung durch Lektüre einer Geschichte, deren erster graphischer Eindruck mich eher skeptisch gemacht hatte.

 

05. Jul. 2020
von andreasplatthaus
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01. Jul. 2020
von andreasplatthaus
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Verloren in Verluststimmung

Wunderschön sieht dieser Comic aus, nämlich so: https://www.sammlerecke.de/neuheiten-shop/comics/comic-verlage-a-z/edition-moderne/a-z-einzelbaende/250441/daemmerung. Wer es richtig genießen will, klickt das Cover von „Dämmerung“ an, um es ganz allein auf dem Bildschirm zu haben. Wie schön diese deutschsprachige Ausgabe geraten ist, zeigt der Vergleich mit dem 2017 erschienenen Original „Crépuscule“: https://www.actuabd.com/Au-Festival-Pulp-a-la-Ferme-du-Buisson-Druillet-en-majeste-et-Jeremy-Perrodeau. Auch nicht schlecht, aber die  Ausgabe der Edition Moderne ist eleganter und erzählt mehr über den Comic.

Was gibt es über diesen Comic zu erzählen? Das seine Seiten jeweils in unterschiedlichen monochromen Zusatzfarben gehalten sind. Es geht los mit Gelb – Wüstenplanet-Stimmung. Und wenn ich sage: Es geht los, dann ist das ein Start wie in keinen anderen Comic, nämlich ohne jede Verzögerung durch Vorsatz oder Titelei, man blättert auf und ist sofort im Geschehen. Das beginnt wie eine Evolutionsgeschichte: wortlos, mit einer Art Befruchtung eines unbelebten Planeten. Und wenn wir nach Feuer, Wasser und Pflanzen beim tierischen Leben angekommen sind, ist die stumme Exposition vorbei, und  es kommt nach acht Seiten doch noch eine nachtschwarze Titelseite mit dem weißen Schriftzug „Dämmerung“. Danach geht es mit einem langen rot eingefärbten Kapitel weiter, ehe wir wieder kurz zum Gelb zurückkommen, dann nochmal Rot, wieder Gelb, ein blasseres Rot, des mitten drin in Hellblau umschlägt, und noch zweimal gelbe Unterbrechungen, bis alles nach 125 Seiten in Blau ausläuft, das sich in einem fünfseitigen, abermals stummen Epilog ins Nachtschwarz verliert. Ganz zum Schluss ist da nur noch Sternenhimmel.

Ist damit etwas über diesen Comic erzählt? Nur formal, kaum inhaltlich. Deshalb dazu ganz kurz: Die Besatzung einer zur Beobachtung jenes Planeten eingesetzten Raumstation ist auf mysteriöse Weise verschwunden, also schickt die Zentrale ein Raumschiff zur Klärung der Situation hinterher, und dessen Insassen erkennen bald, dass ihre vermissten Kollegen auf der Planetenoberfläche verschollen sein müssen. Sie folgen ihnen dorthin und erleben eine seltsame sich ständig verändernde Welt.

So weit, so absehbar. Die Motive, die der junge französische Autor und Zeichner Jéremy Perrodeau hier verwendet, gehören zu den vertrautesten des Science-Fiction-Genres. Wer bei der Lektüre seines Comics nicht an Filme wie „Solaris“ von Tarkowski oder „2001 – Odyssee im Weltraum“ von Kubrick denkt, der hat sich mutmaßlich noch nie für Science-Fiction interessiert, und wer ein bisschen tiefer ins Genre, zumindest in dessen Comic-Aspekte, eingedrungen ist, dem wird die „Edena“-Serie von Moebius einfallen. Das sind sämtlich Meilensteine ihrer Art, und wer sich mit ihnen messen will, der wagt viel.

Das sieht man aber Perrodeaus Comic nicht sofort an, er bezirzt erst einmal durch seine graphische Gestaltung. Wobei ich zugeben muss, dass ich nach der ersten Begeisterung dachte: Nicht schon wieder Nouvelle Ligne Claire! Wir haben doch von Leuten wie Daniel Torres, Yves Chaland, Serge Clerc, Helge Reumann oder Chris Ware schon genug Futuristisch-Grandioses in diesem Stil gelesen. Ein 1988 geborener Zeichner müsste doch einen weniger etablierten Stil finden können, um zu signalisieren, dass er etwas Neues machen will. Aber Perrodeau macht eben nichts Neues. Die Leseprobe der Edition Moderne zeigt das ganz deutlich: https://www.editionmoderne.ch/de/80/leseprobe/347/daemmerung.html.

Und weil das so ist, kann Perrodeau sich bei der Geschichte darauf verlassen, dass sein Publikum in der richtigen Stimmung sein wird, so dass narrative Stringenz gar nicht nötig ist. Wir werden von diesem Buch in einen Flow versetzt, von dem wir uns durchs Geschehen treiben lassen können. Ob er uns mitreißt oder eher nur dümpeln lässt, entscheidet sich wohl daran, wie viel Liebe zur Science Fiction man besitzt.

Meine ist gar nicht allzu ausgeprägt, also hat mich der Anspielungsreichtum von „Dämmerung“ nicht verführen können. Was ich aber gemocht habe, ist Perrodeaus Dramaturgie – gerade, weil sie nach klassischem Verständnis ins Leere läuft. Doch die Farbwechsel akzentuieren verschiedene Ebenen der Geschichte, was einen anderen Zugang zu ihr ermöglicht als den von üblicher Handlungslogik. Man ist als Leser herausgefordert, sich „Dämmerung“ anders zu erschließen, als es bei einer geradlinigen Erzählung der Fall wäre. Perrodeaus Szenario führt uns auf Um- und Irrwege, lässt Parallelen zu, aber schließt auch Kreise. Am Ende steht in mehrfacher Hinsicht Leere, und das wird manche Leser frustrieren. Aber ohne genau beschreiben zu können, warum, fühle ich mich von „Dämmerung“ erfüllt. Oder doch ein Versuch, es zu beschreiben: weil man sich in  diesem Comic genauso verliert wie dessen raumfahrenden Protagonisten.

01. Jul. 2020
von andreasplatthaus
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26. Jun. 2020
von andreasplatthaus
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Gut ausgegangen heißt noch nicht gut erzählt

Kinder-Comics sollen kindlich sein, aber nicht kindisch. Daran haben dann auch manche Erwachsene ihre Freude. Bei dem gerade im Moritz Verlag erschienenen Band „Peter in Gefahr“ haben wir es indes mit einem Comic zu tun, der die Forderung des ersten Satzes weitgehend einlöst, ohne dass sich die Behauptung des zweiten einlöste. Zumindest ist das bei mir so.

Worum geht es in Helen Bates Geschichte? Um alles und ums Allerschlimmste: ums Leben und um den Judenmord der Nazis. Bate, 1955 in England geboren und nach langer Pause spätwiederberufene Kinderbuchautorin und -illustratorin, hat sich für ihren im Original 2016 erschienenen Comic vom wahren Leben eines 1938 in Budapest geborenen jüdischen Jungen anregen lassen, der die Schoa überlebte und heute mit seiner Familie in Österreich wohnt. Dass er mit einer Engländerin verheiratet ist, mag den Kontakt zu Helen Bate ermöglicht haben.

Nun wissen wir schon einmal etwas, das nicht selbstverständlich ist bei diesem Thema: Das Buch geht gut aus. Besser noch als gut, denn nicht nur der junge Peter überlebt, sondern auch seine Eltern und Schwester. Nur höchst verstockte Pädagogen werden darin ein Manko dieses Comics sehen, weil er aus ihrer Perspektive das Faktum kaschieren könnte, dass die Zahl der von den Deutschen ermordeten ungarischen Juden größer war als die der Überlebenden, und im ganzen Buch überhaupt niemand stirbt. Tatsächlich hat sich Helen Bate nicht zum Ziel gesetzt, eine exemplarische Mordgeschichte zu erzählen, sondern eben – der Untertitel des Comics lautet „Mut und Hoffnung im Zweiten Weltkrieg“ – eine (Über-)Lebensgeschichte. Die dennoch eine Leidensgeschichte ist, bei der man mitbangt.

Denn in ihren naiv wirkenden Bildern (die man sich hier ansehen kann: https://www.moritzverlag.de/Alle-Buecher/Peter-in-Gefahr.html, und ein Video zur Geschichte gibt’s auch noch: https://vimeo.com/407578207) steht ein notgedrungen naiver Mensch im Mittelpunkt: der zum Zeitpunkt der Handlung, 1944, gerade mal ins Grundschulalter eingetretene Peter. Bate will mit dessen Schicksal denn auch genau dessen Altersgruppe ansprechen, das heißt, hier wird für Leseanfänger erzählt. Entsprechend einfach ist die Sprache, für die der Verlag eine denkbar prominente Übersetzerin gewonnen hat: Mirjam Pressler, die vor einem Jahr gestorbene Jugendbuchautorin, deren Vermächtnis diese Übersetzung nun leider geworden ist. Ihr ist eine natürlich klingende Dialogführung zwischen den Kindern gelungen, und die allein aus Peters Perspektive formulierten gelb unterlegten Rahmentexte verraten nie den unschuldigen Blick des kleinen Jungen.

So fallen denn im Comic auch nie Wörter wie „Konzentrationslager“, „Ghetto“ oder „Deportation“, obwohl sie präsent sind über das stete Gefühl der Bedrohung, das Peter empfindet. Ein kurzes Nachwort zum Holocaust in Ungarn stellt dann den notwendigen Kontext her, aber eher für schon etwas erfahrenere Leser oder Vorleser. Ich bedauere übrigens, dass man es für nötig empfand, diese Handreichung noch beizugeben. Zumal hier die Sprache von Helen Bate ungebührlich rücksichtsvoll gerät: Versteht man noch, dass Peter niemals von den Deutschen spricht, obwohl sie doch die konkrete Bedrohung darstellen (aber das könnten ihm seine Eltern, so unwahrscheinlich das auch ist, verschwiegen haben), so ist es schon seltsam, dass im Nachwort nur vom „Deutschen Reich“ und bestenfalls noch von „Hitlers Feldzug“ die Rede ist statt von wirklichen Akteuren, also den Deutschen.

Das missfällt mir. Und Gleiches gilt für die kindliche Perspektive, die gar keine Reflexion der eigenen Lage erkennen lässt, sondern suggeriert, Peter hätte das Ganze eher als großes Abenteuerspiel betrachtet. Dabei wurde seine Familie zeitweise getrennt, sie verlor ihr Heim, die beiden Kinder entkamen der Räumung eines Judenhauses – und all das soll so simpel von einem Sechsjährigen verarbeitet worden sein, wie es hier dargestellt wird? Mag sein, dass man der Literatur nicht alles glauben soll, aber wenn man die Bücher des ebenfalls in Budapest geborenen, sogar noch etwas jüngeren Péter Nádas liest, dann erfährt man, was ein jüdisches Kind aufnahm in jenen entsetzlichen Tagen von 1944/45. Gut, Nádas schreibt für Erwachsene, und etliches von ihm Erzählte wird überformt sein durch spätere Erkenntnisse, aber wer seinen Schreckensbeobachtungen Authentizität abspricht, der hat wenig Ahnung vom kindlichen Begriffsvermögen. Es dem Peter des Comics völlig abzusprechen, ist dann doch fast schon wieder kindisch.

26. Jun. 2020
von andreasplatthaus
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23. Jun. 2020
von andreasplatthaus
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Psychoanalyse in dunkel

Nina Bunjevac ist ein neuer Name unter den Comiczeichnerinnen, aber sie wählt ganz alte Themen: Ihre Kindheit in Belgrad und Kanada in den siebziger und achtziger Jahren gab das Gerüst für die Handlung von „Vaterland“ ab, dem ersten auf Deutsch verlegten Comic der 1973 geborenen kanadischen Autorin, und für ihren neuesten Band, der den zunächst rätselhaften Titel „Bezimena“ trägt, ist  ein weniger bekannter antiker Mythos Inspiration gewesen, nämlich das Schicksal des Siproites, eines der vielen Bewunderer der Göttin Artemis, die alle kein gutes Ende nahmen. Siproites wurde von der über seine Spannerei erzürnten Göttin in eine Frau verwandelt; im Altertum, weit vor dem heutigen Genderverständnis, war das eine Strafe.

Bunjevac kommt als Zeichnerin aus der Tradition alter weißer Männer: Robert Crumb vor allem, aber auch der kürzlich verstorbene Howard Cruse fallen einem bei ihren schwarz- und schraffurgesättigten Bildern sofort ein (hier kann man sie sehen: https://www.avant-verlag.de/comics/bezimena/), aber auch die Unheimlichkeit der Schabkartonbilder des Schweizers Thomas Ott. Aber mit den virilen Themen dieses Herren-Trios haben ihre Geschichten nichts gemein, obwohl sie den gleichen Hang zum Unheimlichen hat wie Ott, das Interesse an der gesellschaftlichen Rolle von Sexualität mit Cruse teilt und es dem Betrachter oftmals unbequem macht wie Crumb. „Bezimena“ ist diesbezüglich noch verstörender als „Vaterland“, weil hier allen Sicherheiten der Boden unter den Füßen weggezogen wird. Wie der Priesterin in diesem Comic, die zu Beginn die weise Greisin Bezimena um Beistand bittet, von dieser aber kopfüber ins Wasser getaucht und in eine andere Existenzform in einer anderen Gesellschaft verwandelt wird: in einen neugeborenen Jungen, dessen Leben bis zum Tod wir dann in der Geschichte verfolgen. Das ist das – hier gegenüber der Vorlage aus den „Metamorphosen“ des im zweiten nachchristlichen Jahrhundert aktiven  griechischen Schriftstellers Antoninus LIberalis umgekehrte – Mythosmotiv des Siproites.

Ist „Bezimena“ das überhaupt ein Comic? Nie und nimmer, aber allemal eine Graphic Novel, nämlich ein illustrierter Roman. Jeweils rechts auf einer Doppelseite stehen wortlose Einzelzeichnungen,  links sind dann vor einem immer gleichbleibenden Sternenhimmel die Texte abgedruckt – immerhin in Sprechblasen, die aber nicht mehr signalisieren als eine Erzählerstimme, die nur anfangs Antwort auf Fragen einer zweiten Beobachterinstanz gibt, die von Bunjevac später aber komplett vergessen wird. Sequentielle Erzählen im Sinne der Comictherorie von Will Eisner oder Scott McCloud findet nur in einigen wenigen Passagen statt, wenn plötzlich mehrerer Bilder unmittelbar aufeinander folgen, also auch über beide Hälften von Doppelseiten hinweg. Erzählerisch motiviert ist dieser Rhythmusbruch allerdings kaum.

Sprechen wir also von einem Bilderbuch. In diesem Genre repräsentiert „Bezimena“ ein seltenes Phänomen: ein Bilderbuch für Erwachsene. Die expliziten Sexszenen sind dafür ein Indiz mehr noch aber die psychologische Handlungskomponente. Der Band ist wie eine Psychoanalyse inszeniert: Dir nachtschwarzen linken Seiten mit der Erzählstimme entsprechen dem Analytiker, der dem, was ihm die Bilder gegenüber zeigen, einen Sinn verleiht. Das ist ein kluger Gedanke, aber da die Symbolik von Bunjevacs Graphik doch eher schlichtes (nämlich naheliegendes) Niveau erreicht, wird das Potential verschenkt, die eine konsequent psychoanalytische Bildsprache versprochen hätte.

So bleibt am Schluss der Eindruck extremer zeichnerischer Virtuosität bei gleichzeitiger Überkonstruiertheit einer Geschlechtswandlungsgeschichte, die einen Fundamentalkritik am gewalttätigen Sexualverständnis von Männern bei gelegentlicher Komplizenschaft von skrupellosen Frauen darstellen soll. Um das zu verstehen, fürchte ich, muss man aber das ausführliche, stark autobiographische Nachwort der Autorin lesen. Dann entschlüsselt sich auch der titelgebende Name, den Bunjevac als slawisches Synonym für „Namenlosigkeit“ erklärt – wir bekommen also ein allgemeingültiges Phänomen allegorisch vorgestellt. Der Plakativität der Einzelbilder entspricht diese Erklärung, während die Geschichte selbst bei der Lektüre keinesfalls plakativ erschien – glücklicherweise. Sie hätte durch ihre Albtraumhaftigkeit aber noch weitaus mehr Eindruck hinterlassen, wenn sie nicht nachträglich entschlüsselt worden wäre.

23. Jun. 2020
von andreasplatthaus
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19. Jun. 2020
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Geschmacksrichtung bitterschwarz

In diesem Comic geht es manisch zu. Ted, ein junger Mann, ist vom ersten Panel an auf Zack in jeder Beziehung: immer in Eile, höchst penibel in seinen Vorstellungen, und nicht zuletzt auch noch zackig gezeichnet von Émilie Gleason, einer jungen mexikanischen Comic-Erzählerin, die in Straßburg ihr Metier erlernt hat und heute in Paris lebt. Zackig gezeichnet will sagen: als ein dynamisches Zerrbild der Wirklichkeit. Am ehesten fällt mir als Parallele der Stil von Don Martin aus „Mad“ ein. Ted goes Mad? Allemal, die physiognomische Verformung der Gliedmaßen ist dieselbe. Allerdings ist diese Form der Darstellung bei Don Martin Mittel zum Zweck der Komik, bei Émily Gleason ist sie Mittel zum Zweck der Tragik-

Sie bleibt als Beobachterin ganz bei Ted und nimmt dessen Perspektive auch insofern ein, als dass Menschen, denen er begegnet und die ihm nicht vertraut sind, als farblose Umrisszeichnungen dargestellt sind. Wie das aussieht? So: https://www.editionmoderne.ch/de/80/leseprobe/350/trubel-mit-ted.html. Wenn sie dann Farbe bekommen, sind sie auch in Teds Welt angekommen. Was nicht heißt, dass er sie akzeptiert.

Ted ist – ja, was eigentlich? Er leidet unter Autismus, aber ist man damit schon krank? Man ist anders als die Mehrheit der Menschen um einen herum, aber ist man damit anomal? Ted zum Beispiel sagt stets die Wahrheit, nur wollen die wenigsten Menschen permanent die Wahrheit hören. Er hat ritualisierte Abläufe, und wann immer sich ein störendes Element zeigt, gerät sein Tag aus der Bahn. Das ist denn in Form einer zeitweisen Streckenstillegung der Pariser U-Bahn auch der Ausgangspunkt für „Trubel mit Ted“, einer hundertzwanzigseitigen Tempo-Tour-de-force, die 2019 beim Comicfestival von Angoulême als bestes Nachwuchsalbum ausgezeichnet wurde. Man versteht es: Hier hat sich jemand richtig Zorn vom Leibe gezeichnet, und die Wut über die Hilflosigkeit im Umgang mit dem, was wir Autismus nennen (und was Émilie Gleasons eigener großer Bruder aufweist), hat ein kleines Wunderwerk an Dynamik und Aberwitz hervorgebracht.

Wobei es harter Tobak ist, was Ted widerfährt und auch den Menschen um ihn herum, vor allem seiner Familie aus Vater, Mutter, Schwester. Die leider genauso an der Hilflosigkeit, mit der Ted auf kleine Probleme der Welt reagiert. Entsprechend suchen sie Hilfe bei Medizinern und Pflegeeinrichtungen, die aber alles nur jeweils noch schlimmer machen. Hoffnung regt sich zwar bisweilen im Geschehen, etwa wenn Ted sich in eine ältere Frau verliebt oder doch mit einigen Marotten umzugehen lernt, aber leider kommt es am Ende immer schlimmer als zu Beginn.

Wo anfangs noch das übelste Problem darin zu liegen scheint, dass Ted es nicht verträgt, wenn das Wasser in der Kloschüssel in Bewegung gerät und also lieber ins eigene Bett pinkelt, ist die Lösung, die seine neue Freundin empfiehlt, erst einmal naheliegend: nämlich die WC-Steine zu entfernen. Doch es erweist sich sehr bald, dass ein beseitigtes Problem ganz andere hervorrufen kann. Wer sensibel auf auch noch so graphisch verfremdete Darstellungen von Verdauungs- und Sexualproblemen reagiert, der ist bei „Trubel mit Ted“ definitiv falsch. Denn Émilie Gleason erzählt extrem explizit, auch wenn ihr Zeichenstil wenig unmittelbar zeigt. Man entkommt der Intensität ihrer Schilderung nicht.

Diese Comic zu übersetzen, dürfte auch eine Herausforderung gewesen sein, und Respekt deshalb für die in Zürich beheimatete Edition Moderne, die schon einen Schwerpunkt in Comics mit Krankheitsthemen ausgebildet hat, dass sie die Übersetzung gewagt hat, und noch mehr Respekt für Christoph Schuler, dass er die skurrilen Tonfälle und repetitiven Muster von Teds Diktion in den deutschen Dialogen gewahrt hat. Wie auch die Rollensprachen der Nebenfiguren, deren es zahllose gibt, und so kindlich manche Darstellungen auch anmuten, so subtil hat sie Émilie Gleason doch individualisiert. Alle verzweifeln sie an Ted, nur der verzweifelt nicht, weil es diese Kategorie in seinem Leben nicht gibt. Für alte Probleme gibt es alte Lösungen, auch wenn die beim ersten Mal nicht funktioniert haben, und neue Probleme werden mit neuen Lösungen beantwortet, die dann ebenfalls keine Variation mehr gestatten.

Das lässt auch bei der Lektüre verzweifeln vor Mitleid. Und so wird dieser eigentliche kunterbunte Comic immer düsterer in seiner Aussage. Und zum Schluss ist er bitterschwarz.

 

 

19. Jun. 2020
von andreasplatthaus
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15. Jun. 2020
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Das Leben des Witzigsten war nicht witzig

Er war der Größte, obwohl man auf den Fotos von ihm sehen kann, wie klein er war: René Goscinny aber war ein Gigant des Comics, sein „Asterix“ ist eine Offenbarung an Witz und Seele, und was nach seinem Tod noch Weiteres in der Reihe kam, ließ genau das vermissen. Auch Jean-Yves Ferri, „Asterix-Szenarist seit 2013 und vorher schon bekannt als großer Comic-Humorist, hat es noch nicht vermocht, zu Goscinnys Bänden aufzuschließen. Von Ein- oder womöglich Überholen gar keine Rede.

Dass Goscinny ein faszinierendes, auch tragisches Leben hatte, auch ohne den eigenen frühen Tod mit fünfzig im Jahr 1977, war längst bekannt. Große Teile seiner jüdischen Familie, vor allem mütterlicherseits, wurde von den Nazis in der Schoa ermordet. Er selbst überlebte, weil der Vater seit den späten zwanziger Jahren in Argentinien arbeitete und seine Frau und die beiden Söhne hatte nachkommen lassen. Doch der Vater starb selbst überraschend noch mitten im Krieg, 1943, und fortan war die soziale Sicherheit der Familie weg: René Goscinny, damals erst siebzehn, musste die Schule verlassen und arbeiten gehen. Irgendwann führte ihn das in die Redaktionen von amerikanischen Humorzeitschriften, aber Erfolg hatte er keinen – bis er 1951 nach Europa zurückkehrte, und auch dort dauerte es noch ein paar Jahre. Aber nachdem er den Zeichner Albert Uderzo getroffen hatte, wusste Goscinny, was er nicht weiter tun sollte (zeichnen) und worin sein Talent bestand: Schreiben.

Über diesen Autor ist unendlich viel geschrieben worden, auch von seiner Tochter, Anne Goscinny, geboren 1968, die selbst Schriftstellerin geworden ist, und zwar eine in Frankreich durchaus erfolgreiche. In Comics aber hat Anne Goscinny nie ihre eigene Ausdrucksform gesehen, obwohl sie die Erählform liebt. Einen Comic über René Goscinny sollte es ihrer Meinung nach aber geben und deshalb traf sie sich vor einigen Jahren mit der französischen Zeichnerin Catel Muller, die ihren Vor- als Autorennamen benutzt. Die aber hatte sich in ihren vielbeachteten Comics bislang auf Frauenbiographien konzentriert, weil es in der Comicgeschichte schon genug berühmte Männer (Helden wie Künstler) hat. Sie gab Anne Goscinny dementsprechend einen Korb, doch die beiden Frauen freundeten sich an, und irgendwann war Catels Neugier darauf, ein solches Leben zu zeichnen, zu groß geworden. Ihre Bedingung, um der eigenen Überzeugung treuzubleiben: Sie würde auch über das Leben von Anne Goscinny erzählen. Und so entstand ein Band von 330 Seiten mit dem Titel „Le roman des Goscinnys“, der im Deutschen jetzt „Die Geschichte der Goscinnys“ heißt – als wäre die Kategorie „Roman“ im Titel nicht wichtig für ein solches Buch.

Überhaupt ist es mit der Übersetzung dieses Comics so eine Sache. Dass Uli Pröfrock seine Sache gewohnt gut gemacht hat, muss man bei diesem Tausendsassa des Comic-Übersetzens eigentlich nicht eigens erwähnen. Aber ein Gutteil des Buchs besteht aus faksimilierten Seiten aus Goscinnys Nachlass – Jugendskizzen und Geschichtsentwürfen -, die natürlich im Original in französischer Handschrift gehalten sind. Sie alle wurden nun ins Deutsche übersetzt und neu gelettert, was nicht nur den ursprünglichen Eindruck  verfälscht, sondern die ganze Buchgestaltung ruiniert, denn im Nebeneinander der graphischen Handschriften Catels und Goscinnys liegt eine Besonderheit dieses Bandes. Dass dazu auch noch bisweilen vergessen wurde, einzelne französische Elemente zu übersetzen, macht die Entscheidung für eine deutsche Fassung noch willkürlicher. Was hätte es geschadet, die Übersetzungen in einem Anhang beizugeben? Oder zur Not kleingedruckt am Fuß der jeweiligen Seiten? Der Carlsen Verlag opfert hier der Bequemlichkeit seine Reputation als sorgsamer Sachwalter französischer Comics.

Und diese Schwäche trifft einen Band, der ohnehin nicht gerade ein Meisterwerk genannt werden kann. So gefällig Catels graphischer Stil ist (eine Leseprobe bietet Carlsen im Gegfensatz zum französischen Originalverlag Hachette – https://www.liseuse-hachette.fr/file/129317?fullscreen=1&editeur=hachette#epubcfi(/6/28[page-11]!/4/1:0) – nicht an, hier kann man aber zumindest das deutsche, am Gauloises-Zigaretten-Emblem orientierte Cover sehen: https://www.carlsen.de/hardcover/die-geschichte-der-goscinnys-geburt-eines-galliers/112698#), so verstörend ist dessen Epigonalität. Sich bei den Figuren an Dupuy & Berberian zu orientieren, muss kein Mangel sein, wenn wenigstens noch ein Hauch Eigenständigkeit zu erkennen wäre. Aber die Form- und Farbdramaturgie des Comics sind bei Riad Sattoufs „Araber von morgen“ entlehnt. Klar, ein erfolgreicheres Vorbild ist in Frankreich kaum denkbar. Aber warum dann nicht gleich beim allererfolgreichsten, also bei „Asterix“, klauen?

Zudem erzählt Catel René Goscinnys Leben gerade einmal bis zur Geburt von „Asterix“. Mag ja sein, dass danach alles bekannt ist, wobei es schon interessant gewesen wäre, etwas über die Zusammenarbeit mit Jean Tabary an „Isnogud“ zu erfahren oder auch über die „Asterix“-Trickfilme, die Goscinnys größter (oft auch fehlgeleiteter) Ehrgeiz in seinen letzten Jahren waren. Vom berüchtigten Aufstand der „Pilote“-Redaktion im Jahr 1968 gegen ihren Chefredakteur Goscinny kein Wort, obwohl der den sensiblen Mann so schwer traf wie kein anderes Ereignis nach dem Tod seines Vaters. Stattdessen immer wieder female bonding zwischen Anne Goscinny und Catel bis hin zu einem unsagbar peinlichen Beisammensein am Swimmingpool, das einem den Verdacht eingibt, dieser Comic wäre nichts anderes als eine Sektlaune der beiden Frauen gewesen. Sie sind jedenfalls von allen guten Geistern verlassen worden, als sie ihn konzipiert haben. Vor allem vom großen Geist der Comicszenaristen, der René Goscinny gewesen ist.

 

15. Jun. 2020
von andreasplatthaus
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04. Jun. 2020
von andreasplatthaus
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Putin-Versteher, hier ist euer Manga

Man würde gerne wissen, wie die englische Bezeichnung für Prussland ist. Prussia? Aber diese geographische Bezeichnung ist ja schon vergeben, wenn auch seit 1947 nicht mehr existent. Nein, die englische Übersetzung verfiel auf einen ganz ähnlichen Trick wie die deutsche und gab jenem fiktiven Land „in einem Winkel von Zentralasien“ die Bezeichnung Pursia – zwei Namen von nicht eben gut beleumundeten realen Staaten ergeben also jeweils den fiktiven. Und wie nennt der Zeichner Yasushi Baba selbst seine eigene Erfindung auf Japanisch, wo doch Russland dort „roshia“ ausgesprochen wird, Preußen „puroisen“ und Persien „perusha“? Ich tippe auf Peroshia, aber ich habe es nicht herausbekommen.

Dass ich hier erst einmal über die Übersetzungen eines der Handlungsorte von „Ride-on King“ schreibe, belegt eine gewisse Ratlosigkeit meinerseits, wie mit diesem Manga umzugehen ist, dessen erster deutscher Band jetzt beim Hamburger Verlag Altraverse erschienen ist. Wenn man sich auch nur ein Bild daraus ansieht (die Leseprobe ist hier einzusehen: https://altraverse.de/manga/ride-on-king-der-ewige-reiter/), merkt man sofort: Die Hauptfigur ist Wladimir Putin. Oder genauer gesagt: Sie sieht aus wie Wladimir Putin, heißt aber Alexander Prutinov (im Englischen Plutinov). Dieser muskulöse Herr regiert die Republik Prussland mit eiserner Hand. Oder wieder etwas genauer gesagt: mit eisernen Schenkeln, denn sein größtes Glück ist das Reiten. Deshalb der Titel „Ride-on King“: Was auch immer Prutinov sieht, wird darauf geprüft, ob und wie man es reiten kann. Tiere, Panzer, Flugzeuge – alles will gezähmt und gesteuert, also beherrscht sein. Nur bei Menschen ist der Präsident offenbar zurückhaltend: „Wenn etwas so nah am Menschen ist, macht es keinen Spaß, es zu reiten“, sagt er einmal auf dem Rücken eines Orks.

Orks? Die stammen doch aus Tolkiens „Herrn der Ringe“, was tun sie in einer japanischen Politsatire? Nun ja, „Ride-on King“ ist keine Politsatire. Der Manga des 1973 geborenen Baba nimmt Putin ziemlich ernst. Er übernimmt nämlich dessen Selbstinszenierungen als eine Art Supermann. Wir kennen ja alle die Bilder des russischen Präsidenten mit von ihm besiegten wilden Tieren oder Fotostrecken, die ihn als mit entblößtem Oberkörper auf Pferderücken zeigen. Das alles kennt natürlich auch Baba, und er hat aus diesem Propagandamaterial die Anregungen für seinen Manga gewonnen. Kaum hat Prutinov seinen zentralasiatischen Kleinstaat unfreiwillig verlassen und in einer Fantasy-Welt neue Herausforderungen und vor allem ein erstes Reittier gefunden, reißt er sich Jackett und Hemd vom Leib und bestreitet sein Abenteuer fortan barbrüstig.

Das ist Camp, keine Satire. Und mit solcher Art Camp hatte Baba auch schon seine bisherigen Erfolge erzielt, namentlich die Kampfsport-Serien „Karate Shoukoushi“ und „Colosseum“, die ebenfalls höchst virile Helden mit spektakulär definierten Oberkörpern boten. Zweifellos Lesestoff für Freunde des Shonen-Ai-Genres, aber auch für Liebhaber von Martial Arts. Beide Gruppen kommen cum grano salis nun auch bei „Ride-on King“ auf ihre Kosten.

Und Putin-Versteher. Denn die Manga-Parodie, wenn wir uns einmal auf diesen Begriff einigen wollen, ist viel mehr Hommage als humoristisch. Die Fantasy-Welt, in die es Prutinov verschlägt, braucht dringend einen starken Mann wie ihn, denn dort werden Rassen unterdrückt und Familien zerstört. Nicht mit Prutinov! Seine Körperkräfte und sein Reitgeschick lassen ihn zum Retter der Entrechteten werden.

Das von Baba gewählte Erzählschema ist vertraut, seit Mark Twain 1889 seinen Yankee an den Hof von König Artus schickte: Ein kleines Unglück in der Gegenwart mit der Folge leichten Dachschadens, und schon ist der Held in einer anderen, archaischeren Welt, wo er mit seinen Fähigkeiten und Kenntnissen Furore macht. Auch Prutinov bekommt einen mächtigen Schlag auf den Schädel, und als er aufwacht, kann er erst einmal zwei halbwüchsige Märchenmädchen im Kampf mit einem feuerspeienden Untier unterstützen.

Im Folgenden ist man dann zu dritt unterwegs, wobei es die beiden Begleiterinnen faustdick hinter den Ohren haben, während Prutinov als staunender Tor gezeichnet wird, der sich aber aus jedem Schlamassel herauskämpfen kann. Ein wie auch immer gearteter Spott über Putin ist in Babas Manga nicht zu bemerken, ernsthafte Kritik genauso wenig, die Figur des Prutinov ist reine Affirmation des Selbstbildes, das der russische Präsident von sich verbreiten lässt.

Interessant deshalb, dass es noch keine französische Übersetzung von „Ride-on King“ gibt, obwohl die Manga-Szene dort größer ist als hierzulande oder in Amerika und entsprechend noch mehr übersetzt und verlegt wird. Womöglich gibt es aber in Frankreich einfach zu wenige Fans des russischen Präsidenten, als dass man eine solche Extravaganz ins Verlagsprogramm nehmen wollte. In Spanien sind dagegen bereits zwei Bände zu „Ride-on King“ erschienen. Dort heißt Prutinovs Privatstaat übrigens höchst banal Persia – wie Persien auf Spanisch.

04. Jun. 2020
von andreasplatthaus
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30. Mai. 2020
von andreasplatthaus
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Cartier-Bressons Fotografie schlägt sein gezeichnetes Leben

Was die Fotoagentur Magnum, als Abkassiersyndikat so verlässlich wie sonst im Kulturleben wohl nur die Fondation Hergé, daran gereizt hat, dem belgischen Verlag Dupuis die Genehmigung zur Publikation einer Comicbuchreihe namens „Magnum Photos“ zu geben, ist leicht zu begreifen: einmal die Verwertung des agentureigenen Bilderschatzes jenseits klassischer fotografischer Reproduktionen und dann die Kombination von Foto und Comic, wie sie das Prinzip dieser 2014 begonnenen Serie ist. Dem eigentliche Comic folgt nämlich jeweils eine Suite von darin angesprochenen und bisweilen auch gezeichneten Fotos. Die Vor-Bilder werden also sichtbar

Der zweite Grund ist tatsächlich ästhetisch reizvoll, denn als gezeichnete Szenen können die Fotovorlagen verändert werden – einmal prinzipiell durch den Stil des Zeichners und dann durch veränderte Perspektiven, so dass die Leser im Wortsinn einen anderen Blick auf das jeweilige Motiv bekommen. Nur verstößt dieses Prozedere gegen das puristische Prinzip von Magnum, das Manipulationen des Ursprungsfotos, etwa durch Beschnitt, ablehnt. Und noch mehr gegen das Selbstverständnis des Magnum-Mitgründers Henri Cartier-Bresson, der nicht einmal sich selbst das Recht zusprach, am einmal aufgenommenen Motiv etwas zu ändern. Die in seinem Berufsfeld übliche Wahl eines Ausschnitts bei der Entwicklung von Fotos lehnte er ab. Seine Bilder entstanden in der Kamera, und so wie sie aufs Negativ gebannt wurden, mussten sie dann auch abgezogen werden. (Mag sein, dass ihm dieser Entschluss leichter fiel, nachdem er die ganze Laborarbeit auf Helfer ausgelagert hatte, während viele seiner Kollegen eigenhändig entwickeln und abziehen).

Cartier-Bresson steht im Mittelpunkt des zweiten Bandes der bislang drei Ausgaben umfassenden „Magnum Photos“-Comics – die womöglich schon abgeschlossen sind, denn seit 2016, als „McCurry, NY 11 Septembre 2001“ erschien (also ein Album über Steve McCurrys Aufnahmen in New York am Tag der Attentate des 11. September), ist kein weiterer Band mehr herausgekommen. Den Auftakt hatte zwei Jahre zuvor „Omaha Beach, 6 Juin 1944“ gemacht, bei dem der Name jenes Magnum-Fotografen, der damals am D-Day die alliierte Invasion an der Normandie-Küste miterlebt und dokumentiert hatte, im Titel gar nicht erschien. Mag sein, dass ohnehin jeder weiß, dass es Robert Capa war, aber beim ersten Band setzte man dessen Name in identischer Typographie neben die der beiden Comic-Autoren, die die Geschichte dazu geschrieben und gezeichnet hatten: Jean-David Morvan und Dominique Bertail. So standen zwei eher mittelklassige Comicschaffende plötzlich auf einer Stufe mit einem Superstar der Fotografie.

Diese Anmaßung beseitigte Dupuis dann vom zweiten Band an und nahm sowohl Cartier-Bresson als auch McCurry in den Titel auf, setzte sie also von den Comicschaffenden ab. Aber das ist nicht der Grund dafür, dass als erste Übersetzung ins Deutsche nun mit gehörigem Abstand zur Originalpublikation der Cartier-Bresson-Band erschienen ist. Vielmehr wollte es das Pech, dass 2017 ein anderer französischer Comic über Robert Capa, Florent Sillorays biographischer „Capa – Die Wahrheit ist das beste Bild“ (Knesebeck Verlag), auf Deutsch herausgekommen war. An diesem Band konnte man einiges aussetzen, und das tat ich damals auch: https://blogs.faz.net/comic/2018/02/13/bildergeschichte-eines-bilderstreits-1170/. Aber damit war im hiesigen Comicbuchhandel kein weiterer Platz mehr für eine Capa-Geschichte frei. Da ist man im französischsprachigen Raum einfach weiter; dort verträgt der Markt auch zwei thematisch miteinander konkurrierende Alben.

Der Wiener Verlag Bahoe Books, der als einziges erkennbares verbindendendes Element seines mittlerweile beachtlichen Comicprogramms das politische Engagement hat, entschied sich für „Cartier-Bresson, Allemagne 1945“ – was zudem den Vorzug mit sich bringt, ein explizit deutsches Thema fürs deutschsprachige Publikum zu bieten. Wer assoziiert hierzulande schon mit „Omaha Beach“ sofort die Nazis? Cartier-Bresson war wie Capa als Fotograf mit der amerikanischen Armee in Europa unterwegs, allerdings in etwas weniger brisanter Zeit, 1945, als der Krieg schon so gut wie gewonnen war und nach der Kapitulation. Vor allem in Dessau machte Cartier-Bresson unglaublich eindrucksvolle Bilder in einem Kriegsgefangenenlager. Weltberühmt wurde seine Aufnahme einer ehemaligen französischen Gefangenen in dem Augenblick, als sie triumphierend eine jetzige Gefangene als Gestapo-Spitzel identifiziert, von der sie einmal denunziert worden war. Dieses Motiv, das auch das Titelblatt des Comics schmückt (zu sehen hier: http://www.bahoebooks.net/start_de.php?action=201&id=107, angeblich bald auch ergänzt um eine Leseprobe), bleibt eine Meisterleistung der Fotografie in Sachen Ambivalenz: Man fühlt wider Willen eher mit der NS-Schergin als mit der Frau, die sie entlarvt hat.

Auf dieses Bild steuert die ganze Comic-Geschichte zu, allerdings in sehr umständlichen Zeitsprüngen, die den Titel „Cartier-Bresson, Deutschland 1945“ zum Witz machen, denn viel mehr Platz als der Einsatz des Fotografen im letzten Kriegsjahr nimmt etwa dessen Zeit als Kriegsgefangener in einem deutschen Stalag ein oder seine Abreise in die Vereinigten Staaten 1946. Morvan hat auch zu diesem Band das Szenario geschrieben, gemeinsam mit Séverine Tréfouel, aber diesmal hat Sylvain Savoia die Geschichte gezeichnet – mehr schlecht als recht: statisch, schwarzweiß in jeder Beziehung. Das Nachwort des Hamburger Publizisten Thomas Tode, das aus dem französische Band übernommen wurde, ist unendlich vielschichtiger und informativer.

So wird der Comic „Cartier-Bresson, Deutschland 1945“ bizarrerweise interessant durch die abgedruckten Aufnahmen und den biographischen Begleittext. Weil man plötzlich sieht, was dieser Arbeit alles fehlt: Bildkraft und Stilgefühl. Die Fotoagentur Magnum erweist ihrem eigenen Erbe mit dessen Verramschung zu solchen Zwecken einen Bärendienst. Und Bahoe Books hätten besser einen schönen Cartier-Bresson-Auswahlband mit Todes Text gemacht. Das hätte auch ästhetisches Engagement bewiesen.

30. Mai. 2020
von andreasplatthaus
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26. Mai. 2020
von andreasplatthaus
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Die ersten Runden muss man überstehen

Ich bin nicht ganz sicher, aber über wenige Comiczeichner dürfte ich ähnlich oft in diesem Blog geschrieben haben wie über Jiro Taniguchi. Davon auch noch einige Male nach seinem Tod im Jahr 2017, aber was ein erfolgreicher Mangaka ist, der hat auch ein Werk vorzuweisen, hinter dessen Umfang das der meisten westlichen Kollegen weit zurückbleibt. Und da Taniguchi erst mit der Jahrtausendwende in den Fokus der europäischen Leser kam (wenn man mal vom Kollegen Moebius absah, mit dem Taniguchi eine wechselseitige Faszination verband) und es bis zur ersten deutschen Publikation sogar noch ein paar Jahre länger dauerte, ist nach wie vor unglaublich viel aufzuholen.

 Immerhin kümmern sich in Deutschland gleich zwei Verlage darum: Carlsen mit dem Spät- und Schreiber & Leser mit dem Frühwerk. Letzteres ist ungleich größer, denn Taniguchi erwarb auch im eigenen Land erst relativ spät den Nimbus eines Großmeisters, und erst dann dünnte er die eigene zuvor immense Produktivität etwas aus. Bis dahin hatte er vor allem auf der Grundlage von fremden Szenarien so viel gezeichnet, wie ihm (und den üblichen Assistenten eines Mangaka) nur möglich war. So zum Beispiel nach Geschichten von Caribu Marley: Gleich dreimal arbeiteten die beiden Comicschaffenden Anfang der achtziger Jahre zusammen. Eines der Resultate war 1982 der Manga „Ao no senshi“, der jetzt als „Blue Fighter“ bei Schreiber & Leser erscheint.

Es ist ein One-shot, ein Einzelband von „nur“ knapp mehr als dreihundert Seiten, also in Manga-Kategorien eine Art Kurzerzählung. In neun Fortsetzungen wurde sie ursprünglich publiziert. Es ist ein typischer Genre-Comic, wie Taniguchi sie liebte, bevor er sich sein eigenes Genre schuf: das der poetischen Alltagsbeobachtung. Hier dagegen ist nichts poetisch und auch nichts Alltag. Titelheld ist ein exzessiv lebender japanischer Boxer im Leichtgewicht, der den Kampfnamen „Reggae“ trägt, weil er Bob Marley bewundert (was sein Szenarist wohl auch tut, denn warum hätte dieser Garon Tsuchiya sich sonst Caribu Marley nennen sollen?). Reggae ist aber kein Star, sondern ein Phänomen. Seine Kampfstatistik weist mehr Niederlagen als Siege auf (alle Kämpfe endeten mit K.O.), aber das Publikum liebt seine ungestümen Stil, der ihn entweder bis zur vierten Runde gewinnen lässt oder ihm in einer der acht Runden danach sichere Niederschläge beschert. Und eines Tages taucht ein amerikanischer Boxpromoter am Rand des Rings in Japan auf.

Dieser Dangelo will Reggae ganz groß herausbringen, denn er erkennt in ihm eine ungezügelte Naturgewalt, die es nur zu kanalisieren gilt, um sie unschlagbar zu machen. Das Schema dieser Geschichte ist altbekannt, und es kann kein Zufall sein, dass kurz vorm Erscheinen von „Blue Fighter“ sowohl „Rocky“ als auch „Raging Bull“ Massen in die Kinos zogen und Fimpreise abräumten. Wobei Caribu Marley seine Handlung geradezu zeitaktuell konzipierte, denn Dangelo ist dezidiert auf der Suche nach charismatischen Boxern aus unteren Gewichtsklassen, weil er das Ende vom Mythos des Schwergewichtsboxen absieht: Muhammad Ali steht bereits jenseits seines Zenits, vergleichbare Stars in der bisherigen Königskategorie sind nicht in Sicht. Genau so war es Ende der Siebziger, Anfang der Achtziger. Und dann kamen wirklich die kleineren Drahtigen ins Spiel: Sugar Ray Leonard etwa, Marvellous Marvin Hagler und wie sie alle hießen.

Solch ein Star wird der von Dangelo als „Blue Fighter“ vermarktete Reggae nie. Aber er wird um die Weltmeisterschaft kämpfen, und wie er das schafft, das beschreiben Taniguchi und Caribu Marley denkbar sensationalistisch. Korruption, Sex, Drogen, illegale Absprachen – alles, was das Klischee zur moralischen Verkommenheit des Berufsboxsports bereithält, wird hier benutzt. Taniguchi war zweifellos Boxfan, denn wäre er es nicht gewesen, könnten die Kampfszenen nicht eine derartige Intensität erreichen und vor allem hätte er in seiner Karriere nicht mehrere Box-Manga gezeichnet. Echte Liebe zum Thema aber, wie sie etwa seine zahlreichen Comics übers Bergsteigen in jedem Einzelbild vermitteln, spürt man hier nicht.

Dafür kann man in „Blue Fighter“  früher als sonstwo Taniguchis Inspiration durch Moebius sehen: Sein Reggae verdankt sich in der Figurendarstellung dem Westernhelden Blueberry, den Moebius unter seinem bürgerlichen Namen Jean Giraud gezeichnet hat. Wenn man will, kann man auch in den Titeln „Blueberry“ und „Blue Fighter“ dieses Parallele sehen. Wobei sich das europäische Element in Taniguchis Bildern hier noch auf die Hauptfigur beschränkt; der Rest ist ganz Old-school-Manga, wie man der Leseprobe entnehmen kann: https://www.schreiberundleser.de/index.php?main_page=popup_img&pID=678&imgType=lese1.

Entsprechend rasch liest sich das Ganze, wobei es erstaunlich wenig wortlose (Kampf-)Sequenzen gibt. Melodramatik ist Trumpf, und einmal mehr feiert Taniguchi in seinem Manga das Einzelgängertum. Caribu Marley hat ersichtlich verstanden, was man diesem Zeichner bieten musste. Braucht man aber als Leser diese Vorgeschichte zur Erfolgsgeschichte des Jiro Taniguchi? Nun, allein schon die jeweils seitenfüllenden Close-ups an den meisten Kapitelanfängen lohnen die Anschaffung. Und das sportsoziologischen Porträt eines Boxsports leicht unterhalb der Weltwahrnehmung ist auch interessant. Aber wer Taniguchi über den „Spazierenden Mann“ kennengelernt hat oder über „Vertraute Fremde“, der wird staunen, wie ungeschlacht dieser große graphische Stilist hier noch zeichnete. Man könnte thematisch passend sagen: Er kämpfte mit sich selbst. Und ich bin geneigt zu sagen: Er verlor damals durch K.O. Nur ist die Bilanz von Taniguchi nicht am numerischen Verhältnis von Siegen und Niederlagen zu bestimmen, sondern an der Qualität seiner Siege. Das waren alles Schwergewichte; fürs Leichtgewichtige à la Reggae war sein Talent verschwendet. Worauf es ankam, war, diese ersten Runden zu überstehen.

26. Mai. 2020
von andreasplatthaus
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22. Mai. 2020
von andreasplatthaus
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Alarmstufe Grün ist viel verstörender als Rot

Wer einen Comic mit dem Titel „Eine Studie in Smaragdgrün“ auf den Tisch bekommt, der denkt an ein Buch. Natürlich an „Eine Studie in Scharlachrot“, den ersten Fall von Sherlock Holmes, von Arthur Conan Doyle 1887 in der Weihnachtsausgabe einer englischen Zeitschrift vorpubliziert und im Jahr später als Buch erschienen. Ich empfehle unter mehreren Übersetzungen immer noch die von Gisbert Haefs aus der Haffmans-Komplettausgabe von 1984, ein wunderbarer deutscher Ton für Conan-Doyles spätviktorianische Sprache. Im Englischen ist der Titel allerdings knapper als im Deutschen: „A Study in Scarlet“, und auch der Comic beschränkt sich in seiner Originalausgabe aus „A Study in Emerald“. Als englischsprachiger Leser muss man eben noch ein bisschen mehr mitdenken, wenn ein Meisterdetektiv seine Fälle löst.

Auch die grüne Studie hat einen solchen als Helden, aber wenn deren Handlung so anhebt (siehe die Leseprobe unter https://www.dantes-verlag.de/gesamtprogramm/eine-studie-in-smaragdgr%C3%BCn/): „Ich denke, es ist die Unermesslichkeit. Die ungeheure Größe der Dinge da unten. Das Dunkle der Träume. ‚Träume‘ … entschuldigen Sie, ich träume am Tag. Ich bin kein Literat“, dann sind wir nicht nur meilen-, sondern gleich ozeanweit entfernt vom sachlichen Beginn der „Studie in Scharlachrot“: „Im Jahre 1878 erwarb ich den Grad eines Doktors der Medizin an der Universität London und begab mich nach Netley, um an dem Lehrgang teilzunehmen, der für Ärzte der Armee vorgeschrieben ist.“ Conan-Doyle hat für seinen Ich-Erzähler John H. Watson eine dessen naturwissenschaftlicher Ausbildung gemäße Wortwahl getroffen, und nie wäre es dem Schriftsteller eingefallen, seine Leser vom Erzähler direkt ansprechen zu lassen, wie es im Eingangszitat der des Comics tut. Solche Schauerromantik, wie sie die ersten (und nicht nur diese) Sätze der Studie in Smaragdgrün“ prägt, stammt aus dem Prosarepertoire von transatlantischen Horror-Autoren wie Poe oder Lovecraft. Auch kein schlechtes Erbe.

Aber eben ein ganz anderes. Deshalb ist die Lektüre irritierend: vertrauter Titel, auch bekanntes Personal (ein Privatdetektiv und sein aus dem Armeedienst entlassener Mitbewohner), aber nur die Geschichte bekommt ihren Conan-Doyle-Titel, die Hauptfiguren dagegen bleiben unbenannt. Allerdings tritt im Comic Inspektor Lestrade auf, den wir aus gleich dreizehn Sherlock-Holmes-Geschichten kennen, und er ist so naiv wie eh und je. Auch residiert das Comic-Ermittlerduo in der Baker Street. Kurz: Es mangelt nicht an Signalen, dass wir uns in einer tiefvertrauten Welt bewegen. Und zugleich werden wir immer wieder schwer befremdet. In Wort und Bild.

Bei so etwas ist Neil Gaiman ein Meister, wie wir seit seiner „Sandman“-Serie wissen, in der er mit hoch- und popkulturellen Verweisen spielte und verstörte, wie es sonst nur Alan Moore gelingt. Gaiman ist der Szenarist des Comics „Eine Studie in Smaragdgrün“, oder zumindest suggeriert das der Umschlag des Comics, der ihn gleichberechtigt neben dem Zeichner Rafael Albuquerque als Autor ausweist, obwohl tatsächlich Letzterer auch das Szenario geschrieben hat – nach der Vorlage einer schon 2003 erschienenen Gaiman-Kurzgeschichte gleichen Namens. Eine Übersetzung des Sherlock-Holmes-Kosmos in Prosa ist etwas anderes als eine in Bilder, denn in Prosa ist er uns bekannt, während es zwar womöglich ein paar prägende Verfilmungen gibt, aber bislang keine prägenden Holmes-Comics. Und „Eine Studie in Smaragdgrün“ wird aus vielerlei Gründen auch nicht dazu werden.

Den wichtigsten muss ich verschweigen, wenn man der Lektüre nicht ihren Reiz nehmen will. Aber ein gravierender Grund fürs Scheitern zumindest in meinen Augen ist auch, dass sich eben der Tonfall so drastisch von Conan Doyles Stil unterscheidet. Das ist nicht die Schuld von Jens R. Nielsen, der um seine Aufgabe, einen so sprachverspielten Autor wie Gaiman zu übersetzen, nicht zu beneiden ist, sondern eben Gaimans Schuld – und Albuquerques Verknappung von dessen Erzählung auf ein Comic-Szenario bringt das Ganze noch etwas weiter weg vom literarischen Ausgangspunkt, dafür noch näher zur Horrorliteratur (der ja Conan-Doyle selbst gar nicht mal abhold war, aber gerade darum wusste er, dass um Holmes herum anders zu erzählen sein musste). Ein Pastiche soll diese „Studie in Smaragdgrün“ nie sein, eher eine Variation, aber die gewinnt nicht durch Bebilderung. Und Nielsen hat durch ein paar Fußnoten und einen ausgiebigen Anmerkungsapparat noch einmal eine zusätzliche Distanzierungsebene gegenüber einer klassischen Krimi-Erzählung eingezogen. Da wäre weniger mehr gewesen.

Schweigen wir über die Graphik: Dutzendware amerikanischer Provenienz, wie der ambitionierte Mainstream-Verlag Dark Horse ihn eben gut verkaufen kann. Dass sich in Deutschland mit dem Mannheimer Dantes Verlag ein relativer Newcomer an den großen Namen Gaiman gemacht und ihn vor allem auch bekommen hat, zeigt, dass man sich hierzulande bei der Konkurrenz wohl nicht sicher war, wie das beim Publikum aufgenommen werden würde. Vom erwähnten Aufwand bei der Übersetzung, der ja auch irgendwie abgegolten werden muss, gar nicht zu reden.

Josua Dantes, Überzeugungstäter in Sachen Comics und deshalb für seinen genauso disponierten Übersetzer Nielsen der richtige Verleger, hat bisher vor allem Titel von Warren Ellis auf Deutsch herausgebracht. Angeblich liegt derzeit auch ein Comic von Alan Moore bei Nielsen auf dem Schreibtisch, der dann bei Dantes erscheinen soll. Von Moore läse man gerne noch mehr in Anlehnung an Sherlock Holmes (in der „League of Extraordinary Gentlemen“ ist Conan Doyles Kosmos natürlich schon miteingebaut). Denn Moore hätte im Gegensatz zu Gaiman das Zeug, eine Geschichte mit einem Satz auf Latein zu beenden, wie es die „Studie in Scharlachrot“ tut: „Populus me sibilat, at mihi plaudo / Ipse domi simul ac nummos contemplar in arca.“ Das sei Josua Dantes auf jeden Fall gewünscht, gerade auch nach dieser Meinung zu seiner „Studie in Smaragdgrün“.

22. Mai. 2020
von andreasplatthaus
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