Comic

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Diese Erzählform vereint das Beste beider Kunstwelten: Wort und Bild. Was man davon lesen und was man besser meiden soll, steht hier.

26. Feb. 2018
von Andreas Platthaus

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Kein Anlass für Katzenjammer, aber ein Anlass für die „Katzenjammer Kids“

Ganz hoch oben in der Republik läuft seit einer Woche eine Comic-Ausstellung. Nein, nicht in Oldenburg, das sind es gleich drei, und außerdem geht es noch viel nördlicher. Heide zum Beispiel, eine kleine Stadt in Schleswig-Holstein, genauer gesagt im Dithmarschen, von der Elbemündung ein Stück weiter an der Nordseeküste herauf. Aus der Mitte der Republik nicht leicht zu erreichen. Und deshalb werde ich wohl auch in der Restlaufzeit von noch sieben Wochen (bis zum 22. April) nicht dort hingelangen. Ein Jammer.

Aber kein Grund für Katzenjammer. Pardon, aber diese bemühte Überleitung musste sein, denn die Ausstellung widmet sich Rudolph Dirks, einem Kind der Stadt Heide, geboren 1877, aber wer weiß das schon. Was viele wissen: Dirks hat die „Katzenjammer Kids“ gezeichnet, einen Comic-Strip, der seit 1897 in amerikanische Zeitungen gedruckt wird, bis heute. Man merkt schon: Lange geblieben sein kann Dirks in Heide nicht. Aber nun holt sich die Stadt ihren großen, ja man kann sagen: größten Sohn zurück.

Nicht nur mit der Ausstellung, sondern auch mit dem dazu erarbeiteten Katalog. Und der ist der Grund, dass von Katzenjammer für die Leute, die es nicht bis zum 22. April nach Heide schaffen werden, keine Rede sein kann. Denn der Katalog ist länger zu haben, weil er im Verlagsprogramm von Christoph A. Bachmann erschienen ist, dem eifrigsten und qualitativ auch besten deutschen Verlag für Comicforschung. Da passt der großformatige, farbig gedruckte du 136 Seiten starke Katalog glänzend hin, denn es wird profund darin geschrieben. Mit Alexander Braun hat man den größten Expe4rten für alte Zeitungscomics gewonnen (übrigens auch als Leihgeber etlicher Originale und gedruckten Seiten, die bis ins späte neunzehnte Jahrhundert zurückgehen. Dazu kommen Texte des jungen Kurators der Ausstellung, Benedikt Brebeck, deren Qualität zu den schönsten Hoffnungen Anlass gibt. Und auch die übrigen Beiträge, die sich nicht zuletzt auch der Lokalgeschichte der Auswanderung widmen, sind alle lesenswert. Der Band ist einfach sorgfältig gemacht.

Alles, was die Ausstellung zeigt, hat auch den Weg ins Buch gefunden. Wobei selbst dessen Bilderbuchformat nicht der Anmutung alter Zeitungsseiten ger4echt wird, und die Dirksschen Originale (ganz alte tauchen seltsamerweise nie auf, nicht auf Auktionen, anderen Ausstellungen oder in Sammlungen die meisten bekannten stammen aus den dreißiger und vierziger Jahren) sind auch sehr groß. Also dürfte der Weg auf die Museumsinsel Lüttenheid in Heide, wo die Schau zu sehen ist, allemal lohnen. Schade, dass die ursprüngliche Planung, das Ganze im Hannoveraner Busch-Museum für Karikatur und Zeichenkunst zu zeigen, nicht einmal mehr zu einem späteren Gastspiel dort führen wird.

Die Ausstellung summiert mehr als anderthalb Jahrzehnte Forschung, die in Gang kam, als Dirks Geburtsort identifiziert wurde (zuvor war er fälschlich als „Heinde“ überliefert worden) und Abgesandte der Stadt den damals noch lebenden Sohn John Dirks in Connecticut besuchten, der später den noch vorhandenen Familiennachlass nach Schleswig-Holstein – so erklärt sich die materielle Grundlage der Ausstellung. John Dirks war seinem Vater in den fünfziger Jahren als Zeichner der „Katzenjammer Kids“ gefolgt (die aus rechtlichen Gründen damals „The Captain and the Kids“ hießen, denn gleichzeitig gab es eine Serie unter dem alten Namen, die von jenem Pressekonzern vertrieben wurde, bei dem Dirks 1897 angefangen und den er 1912 verlassen hatte. Die Figuren durfte er mitnehmen, den Namen der Serie nicht. So gab es den eimaligen Fall, dass zwei beinahe gleiche Comic-Strips für Jahrzehnte parallel liefen. Doch „The Captain and the Kids“ hatte den Vorzug, den Erfinder und dann dessen Sohn als Urheber zu haben.

Ausstellung und Katalog dokumentieren aber auch die andere Serie, die „Katzenjammer Kids“ nach 1912, die lange Jahre in den Händen von Harold H. Knerr lagen, der pikanterweise zuvor schon einige Plagiate von Dirks‘ Stil angefertigt hatte. Die Zeitungen kämpften im frühen zwanzigsten Jahrhundert untereinander mit harten Bandagen, und die Rechtslage war alles andere als klar. Der Streit um die Rechte an den „Katzenjammer Kids“ endete in einem Musterprozess, der dann einiges festschrieb, was seitdem in den Vereinigten Staaten urheberrechtlich gilt.

Noch interessanter als diese Aspekte ist allerdings der Blick, den das Dirks-Forschungsprojekt auf einen weiteren Mann dieses Namens wirft: auf Gustav Dirks, den um vier Jahren jüngeren Bruder von Rudolph, der in Amerika auch als Comiczeichner reüssierte und drauf und dran war, den längst etablierten Älteren in der Gunst des Publikums zu überholen – mit seinem Comic-Strip „Bugville“ –, als er sich 1902 im Alter von nur 21 Jahren umbrachte. Warum, ist unklar, auch die jüngste Forschung hat da keine letzte Erklärung parat: Gus Dirks (wie er sich in Amerika nannte) war aller Wahrscheinlichkeit nach depressiv, und es gibt auch Gerüchte, die von Liebeskummer über eine Frau sprechen, die sich für den Bruder entschieden habe. Aber das klingt eine Idee zu spektakulär, als dass ich es glauben mag.

Von Gus Dirks hat sich allein seiner kurzen Schaffenszeit wegen nur wenig erhalten, aber hier wurden für Heide Entdeckungen gemacht. Etwa, dass er den Bruder bei einigen Folgen der jeweils sonntags erscheinenden „Katzenjammer Kids“ im Jahr 1898 als Zeichner vertrat – der Katalog mutmaßt, Rudolph habe sich als Freiwilliger im Spanisch-amerikanischen Krieg gemeldet, während das für den noch minderjährigen Gus nicht in Frage kam. Außerdem hat Alexander Braun einen Cartoon des legendären Zeichners Frederick Burr Opper aus dem Jahr 1899 gefunden, der auf einer Idee von Gus Dirks beruht (was unter Oppers Signatur akribisch vermerkt wurde). Der junge Mann war also schon mitten drin im Comic-Geschäft und arbeitete mit den großen Pionieren zusammen.

Wem das jetzt alles viel zu historiographisch ist, der erfreue ich einfach an den grandiosen Zeichnungen, die – dafür sind die „Katzenjammer Kids“ ja berühmt – von Wilhelm Buschs Vorbild ausgehend die Prinzipien des Comics beinahe im Alleingang entwickeln. Oder besser gesagt: im Passgang, denn offenbar haben sich die Dirks-Brüder gegenseitig in ihren Ideen befeuert. Um diese These zu stützen, bräuchte man indes noch mehr Material von Gus. Aber viel inspirierender als das Heider Projekt kann eine Comic-Ausstellung kaum sein. Der Katalog kostet den Spottpreis von 19,99 Euro und kann hier bestellt werden: http://www.christian-bachmann.de/b_dirkskat.html (eine Leseprobe gibt es nicht, aber hier findet man noch Näheres zur Ausstellung: http://www.heide.de/bildung-kultur/museumsinsel/veranstaltungen.html). Natürlich gibt es den Katalog auch im Buchhandel, aber warum soll man dem engagierten Ein-Mann-Verlag nicht das ganze Geld gönnen?

26. Feb. 2018
von Andreas Platthaus

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20. Feb. 2018
von Andreas Platthaus
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Fabelhafte Fake News

Was wissen Sie über Singapur? Klar: Stadtstaat, größte Sauberkeit (wegen rigider Strafen), Wirtschaftsmetropole, brutale Eroberung durch die Japaner im Zweiten Weltkrieg, fabelhafte Fluglinie. So viel wissen wir alle. Aber über die politischen Zustände dort, die jüngere Geschichte, die knapp zweijährige Zugehörigkeit zu Malaysia? Oder gar über Comics aus Singapur?

Über all das und noch viel mehr erfährt man in „The Art of Charlie Chan Hock Chye“, einer – man kann es nicht anders sagen – grandiosen Comicbiographie eines 1938 geborenen Zeichners aus Singapur. Erschienen ist der mehr als dreihundert Seiten starke Band schon vor drei Jahren, aber bis mir ein Freund aus Djakarta davon erzählte, war es schon 2017. Und nachdem der Band eingetroffen war, schob ich die Lektüre monatelang vor mir her. Bis jetzt. Und nach dieser Lektüre sieht meine Comicwelt anders aus.

Sie ist größer geworden, denn nun kenne ich einen fulminanten Zeichner aus Singapur. Und zwar nicht Charlie Chan Hock Chye, denn den gibt es gar nicht wirklich. Ausgedacht hat sich diesen Künstler der 1974 in Malaysia geborene, aber seit langem in Singapur lebende und zeichnende Sonny Liew. Die ganze Biographie Chans ist also fiktiv, die Begleitumstände seines Lebens aber sind es nicht. Es umfasst die ganze Nachkriegsgeschichte Singapurs, also die Befreiung von japanischer Besetzung, den Widerstand gegen die wiederhergestellte englische Herrschaft, die Unabhängigkeit 1959, den erwähnten kurzfristigen Zusammenschluss mit Malaysia und das Aufblühen als Wirtschaftsmacht danach. Aber betrachtet wird das alles aus der Perspektive des Werks von Charlie Chan Hock Chye. Denn Liew dichtet seinem Protagonisten ein politisch engagiertes Schaffen an. Und LIew hat diese Geschichten dann auch eigens gezeichnet.

Und hier wird es spektakulär. Der heute Dreiundvierzigjährige simuliert die Zeichenstile der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts, als wäre er bei den großen Meistern in die Schule gegangen. Sein Charlie Chan ist es nämlich zumindest als Leser: Der junge Mann, so erzählt die ihm gewidmete Geschichte, hat Comics von Osamu Tezuka gelesen und deshalb Singapur-Comics im Manga-Stil gezeichnet. Aber auch amerikanische Pulp-Comics, Zeitungsstrips und Disney-Comics, und jeweils nahm er die entsprechenden Gestaltungselemente ins eigene Zeichen auf. Oder Superhelden-Comics. Oder Gekiga (also Manga mit erwachsenen Themen).

In „The Art of Charlie Chan Hock Chye“ finden sich auch Seiten, die von Walt Kelly gezeichnet sein könnten, von Will Eisner, von Harvey Kurtzman, Frank Miller oder sogar Carl Barks. So gut soll dieser Chan gewesen sein. Und so gut ist tatsächlich dieser Sonny Liew (auf der Homepage zum Comic kann man sich das ansehen: http://artofcharliechan.com/). Das unterscheidet ihn etwa von dem kanadischen Zeichner Seth, der in „It‘s a Good Life if You Don’t Weaken“ ebenfalls eine imaginäre Zeichnerexistenz samt deren angeblichen Werken geschaffen hatte. Aber da handelte es sich um einen einzigen Stil. Liews Chan dagegen wandelt den seinen im Laufe seiner sechzigjährigen Karriere immer wieder. Was für ein Geniestreich! Was für ein Geniestrich!

In den Vereinigten Staaten, dem Land, wo die meisten der Vorbilder des imaginäre Meisterzeichners stammen, hat man das natürlich rasch gemerkt. „The Art of Charlie Chan Hock Chye“ erschien dort bei Pantheon, also der besten Verlagsadresse für anspruchsvolle Comics in Amerika („Maus“, „Jimmy Corrigan“, „Asterios Polyp“ und viele mehr). Letztes Jahre haben es dann auch die Franzosen gemerkt; dort griff mit Urban Comics ein allerdings noch nicht sehr bekanntes Haus zu. Aber immerhin wurde der Band dort gedruckt, während sich noch kein deutscher Verlag darum gekümmert hat. Um einen der besten Comics der letzten zwanzig Jahre.

Dieses Prädikat hat der Band verdient, weil er einerseits so unglaublich gut gezeichnet ist und weil er andererseits ein Erzählgeschick besitzt, das seinesgleichen sucht. Denn über die angeblich aus früheren Jahrzehnten stammenden Chan-Comics werden in dieser fiktiven Biographie Gespräche geführt, Materialien zusammengetragen und vor allem wiederum Geschichten erzählt, die Politik und Gesellschaft im Singapur seit 1945 anschaulich machen. Fußnoten liefern weitere Informationen zu den realen Hintergründen, und Sonny Liew wiederum tritt selbst als handelnde und kommentierende Figur auf, so dass der Schleier der Illusion immer leicht angehoben bleibt. So gewitzt du vieldeutig ist im Comic wohl noch nie erzählt worden.

Und so herrlich lustvoll gefälscht wohl auch noch nicht. Das Buch quillt über vor Faksimiles von alten Comic-Heften oder Originalseiten, die Chan gezeichnet haben soll, akkurat auf alt getrimmt bis hin zu vergilbtem Papier und Resten von Klebestreifen. Ganze Serien von Probeseiten für nie verwirklichte Projekte werden vorgestellt, und aus der Absage diverser Verlage wird ein neues Comic-Kapitel, das ein Stück Pressegeschichte des Fernen Ostens erzählt. Bis zu vier Erzählebenen finden sich auf einer Seite von Liews Buch, doch deren Trennung wird immer deutlich gemacht durch die graphische Gestaltung: Dem imaginären Chan gehören dabei alle anspruchsvollen Arbeiten, dem echten Liew dagegen die cartonartigen.

Das alles mag komplizierte klingen, als es ist, auch weniger amüsant, als es ist, hermetischer, als es ist. Man braucht Zeit für dieses Buch, viel Zeit sogar, denn es gibt unglaublich viel Text, und fast alles, was erzählt wird, dürfe deutschen Lesern neue sein. Aber wie bei den besten Geschichten von Alan Moore ist der Aufwand, den die Lektüre erfordert, ein reines Vergnügen, weil man Panel für Panel und Fußnote für Fußnote immer klüger wird und auch das Buch selbst immer besser versteht, so dass man am Schluss „The Art of Charlie Chan Hock Chye“ doch fast so schnell lesen kann wie einen vertrauten westlichen Comic. Das ist die Kunst von Sonny Liew, einem Zeichner, der mit diesem Band zu den ganz Großen seiner Zunft gerechnet werden muss.

20. Feb. 2018
von Andreas Platthaus
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13. Feb. 2018
von Andreas Platthaus
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Bildergeschichte eines Bilderstreits

Im Osten der Innenstadt von Leipzig, auf dem Weg durch die Straße des 18.Oktober zur Nationalbibliothek, stehen plötzlich links vor den herausgeputzten Plattenbauten einige Schautafeln auf den Rasenflächen. Sie erinnern an eine berühmte Leipzigerin, deren Namen kaum jemand kennt: Gerda Taro.

Aber einige ihre Bilder kennt man: Fotografien aus dem Spanischen Bürgerkrieg, wo die Mittzwanzigerin als mutmaßlich erste Kriegsfotografin der Welt agierte. Allerdings tragen diese Aufnahmen meist nicht ihren Namen, der bereits ein Pseudonym war (eigentlich hieß sie Gerta Pohorylle), sondern den von Robert Capa, dem zweifellos berühmtesten Fotoreporter der Welt. Mit dem Amerikaner war Gerda Taro liiert. Und auch wiederum nicht, denn zusammenleben tat sie mit dem Ungarn Endre Friedman – in Paris, wo beide seit Mitte der dreißiger Jahre lebten; Taro als Jüdin auf der Flucht vor den Nazis, Friedman als Sohn einer armen jüdischen Familie auf der Suche nach einer Karriere. Beide fotografierten, und gemeinsam dachten sie sich 1936 für die gemeinsame Arbeit die fiktive Existenz von Robert Capa aus, der fortan als Urheber der Fotos von Taro und Friedman galt. Und da sich die Bild- und Presseagenturen der damaligen Zeit nur Männer als Fotoreporter vorstellen konnten, spielte Friedman diesen ausgedachten Amerikaner. Und bleib es dann zeit seines restlichen Lebens auch.

Gerda Taro war begreiflicherweise nicht glücklich über die Perfektion, mit der ihr gemeinsamer Plan aufging. Denn dadurch musste sie ihre Urheberschaft an manchen Capa-Aufnahmen der Jahre 1936 und 1937 verleugnen. Ob es auf die Dauer gut gegangen wäre mit dem gemeinsamen Pseudonym, das aber nur einen von beiden ins Rampenlicht rückte, darüber kann man nur spekulieren: Taro starb im Einsatz als Fotografin an der spanischen Front im Juli 1937; sie wurde von einem Panzer der Republikaner überrollt, für deren Seite sie in dem Konflikt entschieden eingetreten war, Ihr Tod kam just zu dem Zeitpunkt, als sie doch noch Aufnahmen unter eigenem Namen veröffentlicht hatte, weil Friedman wieder nach Paris zurückgekehrt war und man also den Kunden gegenüber schwer behaupten konnte, Capa fotografiere noch in Spanien.

So ausführlich erzählen die Schautafeln in Leipzig die gemeinsame Zeit von Taro und Friedman nicht; hier wird an der Einmündung der kleinen Gerda-Taro-Straße in die große Straße des 18. Oktober ans ganze Leben der Fotografin erinnert, und dabei können die letzten beiden Jahre nur kurz Thema sein. Im Sommer 2016 erregte eine mutwillige Beschädigung der Schautafeln Aufsehen; über das Motiv der Tat ist nichts Sicheres bekannt. Jetzt sind sie wieder gereinigt, und man kann das abenteuerliche Leben dieser Leipzigerin kennenlernen. Es hätte einen Comic verdient.

Und im Grunde genommen gibt es den auch, zumindest teilweise, denn Gerda Taro ist auf den ersten 25 Seiten eines kürzlich erschienenen Bandes eine der beiden Hauptpersonen. Die andere aber bleibt es dann allein auf den noch folgenden sechzig Seiten, denn der Comic erzählt von Robert Capa und deshalb ist Endre Friedman die Hauptfigur. Der Knesebeck-Verlag hat den Band ausgerechnet „Capa – Die Wahrheit ist das beste Bild“ betitelt, als hätte es die anfänglicher Schwindelei nie gegeben. Im französischen Original hat der Zeichner Florent Silloray seine Bildergeschichte „Capa – L’étoile filante“ genannt.

Diese Charakterisierung als Sternschnuppe passt auf Friedman wie auf Taro und ist deshalb höchst geschickt gewählt, auch wenn alles aus der Sicht des Mannes erzählt wird. Aber der hatte ja auch den Löwenanteil an Capas Existenz, bis er im August 1954 in Indochina-Krieg auf eine Miene trat und dadurch getötet wurde. Erzählt werden die nicht einmal zwanzig Jahre von Capas Karriere weitgehend chronologisch; nur ganz am Anfang gibt es einen Rückblick auf die Anfänge und dadurch auch auf Gerda Taro. Ansonsten ist das, was Silloray hier macht, so konventionell, wie nur denkbar.

Ist es denn wenigstens dem Bildkünstler Capa adäquat? Keinesfalls. Das Gros der Bilder dieses Comics ist in Sepia gehalten (siehe die Leseprobe des Verlags: http://www.knesebeck-verlag.de/robert_capa/t-1/598), und das ist die billigste Methode, eine historische Handlung zu visualisieren. Einige wenige Male gibt es rote Einsprengsel (Titelköpfe von Zeitschriften, Entwicklerflüssigkeit in der Dunkelkammer, Capas Blut nach seiner tödlichen Verwundung), und nach zwei Dritteln der Handlung wird eine dreiseitige Sequenz eingeschoben, die im Grau klassischer Fotoabzüge gehalten ist – das sind die drei Seiten, die von Capas Dokumentation des D-Day, also der alliierten Invasion an den Stränden der Normandie im Sommer 1944, erzählen. Warum dann später noch eine Reminiszenz an die Budapester Kindheit sechs graue Einzelpanels bekommt, ist unerfindlich. Die Farbgebung gehorcht offensichtlich keinem schlüssigen Konzept.

Viele Bilder sind verständlicherweise berühmten Aufnahmen Capas nachempfunden, aber auch das gehorcht eher der Willkür als einem ästhetischen Plan. Es handelt sich beim „Capa“-Comic um einen weiteren der gängigen biographisch-historischen Bände, die ohne künstlerische Originalität oder erzählerisches Raffinement allein von der Prominenz ihrer Gegenstände leben. Anschaulich machen ist ja schön und gut, aber als alleiniger Daseinszweck für einen Comic doch zu wenig. Es sollte schon auch noch etwas durchdrungen werden.

Auf Seite 68 trifft Robert Capa mit den vorrückenden amerikanischen Truppen in Leipzig ein, der Heimatstadt seiner toten Geliebten. Dort wird er eines seiner berühmtesten Fotos aufnehmen: das des angeblich letzten Toten des Zweiten Weltkriegs (so der Titel beim späteren Abdruck) – eines jungen G.I., der von deutschen Heckenschütze erschossen wurde. Das Haus an der Jahn-Allee, wo sich dieses Ereignis abspielte, wurde erst vor wenigen Jahren durch private Initiative vor dem Verfall gerettet; nun steht es renoviert westlich der Innenstadt, in Leipzig als „Robert-Capa-Haus“ bekannt, und es gibt im dort ansässigen Café auch einen kleinen Gedenkraum für den Fotografen. Dort erfährt man nichts von Gerda Taro, dafür muss man drei Kilometer weiter durch die Stadt. Aber aus beiden Leipziger Erinnerungsstätten zusammen ergibt sich doch ein interessanteres Bild als im Comic von Florent Silloray.

 

13. Feb. 2018
von Andreas Platthaus
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05. Feb. 2018
von Andreas Platthaus

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Farblos geht das Buch zugrunde

Im Horst-Janssen-Museum von Oldenburg werden seit vergangenem Wochenende drei Monate lang vierzehn deutsche Comiczeichner ausgestellt: dreizehn aktuell arbeitende und mit Hans Hillmann ein leider bereits verstorbener Meister, der wohl nie auf den Gedanken gekommen wäre, sich selbst „Comiczeichner nennen“. Aber seine 1982 nach siebenjähriger Arbeit erschienene Dashiell-Hammett-Adaption „Fliegenpapier“ ist zumindest ein Meilenstein der Graphic Novel, auch wenn tatsächlich die typischen Comic-Elemente fehlen – keine Sprechblasen, dafür Text unter den Bildern, keine Seitenarchitektur, dafür jeweils ein- oder doppelseitige Illustrationen. Ich habe immer dafür plädiert, den Begriff „Graphic Novel“ zu vernachlässigen, weil doch jede ein Comic wäre, doch im Falle von „Fliegenpapier“ kann man aus den eben genannten Gründen zwar nicht von Comic sprechen, aber doch sehr wohl von „Graphic Novel“, wenn man die Übersetzung als „gezeichneter Roman“ ernst nimmt (was die Propagandisten dieses Begriffs im Regelfall nicht tun).

 

Genau die Hälfte der vierzehn in Oldenburg ausgestellten Künstler ist mit Arbeiten auf der Grundlage von Texten anderer Autoren vertreten: Neben Hillmanns „Fliegenpapier“ sind das noch Ulli Lusts Roman-Adaption „Flughunde“ nach Marcel Beyer, Jakob Hinrichs Hans-Fallada-Biographie „Der Trinker“, die auf einen autobiographischen Text des Schriftstellers zurückgeht, Isabel Kreitz‘ historischer Comic „Hamann“ nach einem Szenario des Publizisten Peer Meter, Simon Schwartz‘ „Packeis“ nach dem Leben eines Forschungsreisenden, das in einigen Sachbüchern ausgebreitet wurde, Reinhard Kleists „Nick Cave – Mercy on Me“, in dem zahlreiche Songteste des australischen Sängers in Bilder umgesetzt werden, und schließlich Barbara Yelins „Der Sommer ihres Lebens“, eine Geschichte, die von Yelin nach einer Idee des Schriftstellers Thomas von Steinaecker und in enger Zusammenarbeit mit diesem fertiggestellt wurde. Um diesen Band soll es hier gehen.

Warum? Er ist doch schon vor mehr als einem halben Jahr bei Reprodukt, Yelins Hausverlag, erschienen (Leseprobe unter http://www.reprodukt.com/produkt/graphicnovels/der-sommer-ihres-lebens/), und zuvor konnte man ihn in Fortsetzungen im Internet-Kulturjournal „Hundertvierzehn“ des S.-Fischer-Verlags (Steinaeckers Hausverlag) lesen – übrigens auch jetzt noch komplett unter https://www.hundertvierzehn.de/rubriken/der-sommer-ihres-lebens. Und so habe ich es damals auch gehalten: erst im Netz, dann als Buch. Warum haben mich jetzt rund fünfzehn Originalseiten daraus, die in Oldenburg an der Wand hängen, zu einer neuen Einschätzung dieses Comics gebracht?

Weil er mir auf „Hundertvierzehn“ und noch vermehrt dann als Buch zu düster geraten war. Nicht vom Thema her, auch wenn ich überrascht war, dass Barbara Yelin, 2016 in Erlangen als beste deutsche Comiczeichnerin prämiert, nach ihrem internationalen Erfolg „Irmina“ schon wieder die Lebensgeschichte einer Frau gezeichnet hat. Aber erst einmal ist Gerda, die Protagonistin in „Der Sommer ihres Lebens“ charakterlich ganz anders dargestellt als Irmina (deren Biographie auf Yelins eigene Großmutter zurückging), und dann erinnert sie sich an ihr Leben als Insassin eines Altenheims, also in einer passiven Haltung, während Irmina bis zum Schluss als aktive Gestalterin ihres Daseins auftrat. Steinaeckers Grundidee hat Barbara Yelin wohl auch deshalb fasziniert, weil darin eine ergänzende Erzählung zu Frauenschicksalen im zwanzigsten Jahrhundert steckte.

Aber wie gesagt, um die Düsternis der Lebenssituation der Heimbewohnerin Gerda geht es mir nicht. Was mich irritierte war die dunkle Palette der Farben, und was mich in Oldenburg begeistert hat, ist das vielfach hellere und vor allem kontrastreichere Erscheinungsbild der Yelinschen Originale. Nehmen wir nur das Beispiel eines Panels aus dem siebten Kapitel, eine Szene, die in der Wohnung eines Gitarristen spielt, in den sich Gerda verliebt. In für Yelin charakteristische, an Alex Raymond geschulte Weise vereint das Panel mehrere Erzählebenen, und in Oldenburg reicht die zur Unterstützung des Handlungsverlaufs eingesetzte Farbspektrum von einem hellen Türkis links bis zu einem lichten Grün rechts. Auf der Website wie im Buch säuft dieser subtile Verlauf ab in ein Blaugrün ohne größere Nuancen, und man hat Schwierigkeiten, im rechten Teil die Figur des Gitarristen überhaupt zu sehen, während sie im Original klar durch Farnabstufungen herausgearbeitet ist. Was mit der Reproduktion da schiefgegangen ist, möchte man sehr gerne wissen. Die Zeichenkunst von Barbara Yelin leider darunter ebenso wie ihre und Steinaeckers Erzählkunst, weil bewusst viel der Handlung über die Bilder transportiert wird – genau das wird in Oldenburg auch überdeutlich, weil hier die erst später mit dem Computer eingesetzten Sprechblasen und Texte noch fehlen.

So ist ein Musterbeispiel graphischen Erzählens in der Publikation zu einer Geschichte verkommen, die nur über den Text berührt, aber nicht durch die Bilder. Obwohl sich just die in ihrer Vielfarbigkeit und Vielfalt als das besonders Meisterhafte erweisen: man sehe sich nur den Blick auf den Schulhof in Kapitel zwei an: Die kommt im Buch als grauer Tag daher, im Original aber ist eine lichte Zeichnung, die unweigerlich Assoziationen zu Sempé weckt. Erstaunlich; was Farbe bewirken kann, erschreckend, was sie vermissen lässt, wenn sie inadäquat reproduziert wird. „Der Sommer ihres Lebens“ ist erst noch zu entdecken; man müsste ihn ganz neu publizieren. Und dabei jemanden nach Vilnius in die günstige litauische Druckerei schicken, der über die Ergebnisse wacht. Aber offensichtlich wurde ja auch schon bei den Scans für die Netzveröffentlichung gepfuscht.

 

 

 

05. Feb. 2018
von Andreas Platthaus

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26. Jan. 2018
von Andreas Platthaus

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Träumen Bücher von ihrer Umsetzung in Comics?

Zamonien ist ein literarisches Wunderwerk. In bislang sieben Romanen hat Walter Moers es ausbuchstabiert. Und es auch graphisch dazu gemacht: durch seine vielen Illustrationen, die die Bücher begleiten. Wobei das jüngste, „Prinzessin Insomnia und der alptraumfarbene Nachtmahr“, von fremder Hand mit Bildern versorgt wurde: Die begeisterte Zamonien-Leserin Lydia Kode griff zum Stift, und man darf sagen, dass diese Entdeckung von Moers ihren eigenen Reiz hat. Der Mann hat offenbar nicht nur gesegnete Hände und einen hellwachen Geist, sondern auch weit offene Augen.

So auch im Falle von Florian Biege, eines freischaffenden Illustrators aus Münster, von dem ich noch nie etwas gehört hatte, bis er sich mit Moers zusammentat. Zum ersten Mal stieß ich vor sieben Jahren auf Früchte dieser Kollaboration, in der Oberhausener Ausstellung „Die 7 ½ Leben des Walter Moers“. Dort waren ein paar Comicseiten zu sehen, die Biege nach dem Zamonien-Roman „Die Stadt der Träumenden Bücher“ gestaltet hatte, nach einem Szenario von Moers selbst. Es ist kein Geheimnis, dass die 2004 erschienene „Stadt der Träumenden Bücher“ mein Lieblingsbuch von Moers ist (was einiges heißen will), und ich habe Grund zur Annahme, dass es auch sein Lieblingsbuch ist – nie habe ich ihn als so persönlich berührt empfunden wie in diesem Text. Und Comics wiederum sind unser beider Lieblingsmedium. Was durfte man also mehr erhoffen als „Die Stadt der Träumenden Bücher“ als Comic?

Nun, zum Beispiel, dass Moers ihn selbst anfertigen würde. Er begann schließlich als Comiczeichner, und sein „Kleines Arschloch“ oder die „Adolf“-Bände waren Riesenerfolge. Er hatte doch das ganze Panoptikum Zamoniens schon parat: durch seine Illustrationen in den Büchern. Und ein Szenario für ein Comic schreiben, das heißt ja meistens auch zeichnen. Allemal für jemanden wie Walter Moers. Sein Szenario ist sogar vollständig gezeichnet: Jede einzelne Comicseite ist darin ausgeführt: in schwarzweißen Panels, die man sofort auch in dieser Form drucken könnte; Moers‘ französischer Kollege Joann Sfar hat doch mehrfach bewiesen, dass die Spontaneität der Skizze die beste Form einer Bildererzählung sein kann. Und Moers, so möchte man meinen, kann gar nicht skizzieren, dafür ist er ein viel zu akribischer Zeichner.

© KnausMit „Die Katakomben“ ist jetzt der zweite Teil der „Stadt der Träumenden Bücher“ als Comic erschienen.

Aber es kam eben Florian Biege zum Einsatz, und das ist keine übereilte Entscheidung gewesen, sondern wie alles bei Moers uuuuneeeendlich lang erwogen. Was vor sieben Jahren in Oberhausen angekündigt wurde, ist jetzt erst fertig geworden, ein erster Band im vergangenen Herbst, der zweite zur Jahreswende: „Die Stadt der Träumenden Bücher“ als Comic, zusammen fast 190 reine Comicseiten, angereichert im ersten Buch durch ein Glossar, das aus Anna Dollingers akribisch aufgeschlüsseltem Zamonien-Lexikon entnommen wurde, und im zweiten durch eine weitere Sensation, ein ausgiebiges Making-of, in dem sich auch einige Seiten aus dem Szenario von Moers finden. Ob das klug war, darf man bezweifeln. Denn dadurch sehnt man sich nach dem noch Besseren.

„Noch Besseren“, weil Bieges Arbeit sehr gut ist. Wer sie sich ansehen will, weil er den Comic noch nicht hat (der erste Teil hat sich schon mehr als 25.000 Mal verkauft; das sind Bestsellerzahlen in dieser Branche), der schaue hier in die etwas geizigen Leseproben des Verlags: https://www.randomhouse.de/Buch/Die-Stadt-der-Traeumenden-Buecher-(Comic)/Walter-Moers/Knaus/e409864.rhd und https://www.randomhouse.de/Buch/Die-Stadt-der-Traeumenden-Buecher-(Comic)/Walter-Moers/Knaus/e417138.rhd. In der Tat sehr gut, aber gewöhnungsbedürftig. Schon anhand des Vorgeschmacks in Oberhausen, von dem ja nicht klar war, ob er dem entsprechen würde, was dann schließlich herauskäme, wurde deutlich, dass Moers den Comic bewusst von seinen eigenen Illustrationen absetzen wollte. Nicht, was die Figurengestaltung angeht, da nimmt Biege genau auf, was Moers vorgezeichnet hat, aber stilistisch. Biege hat den Comic „gemalt“, was auch immer das im Computergraphikzeitalter bedeutet. Es gibt also keine Konturlinien, und die Figuren wirken plastisch. Dass alles farbig ist, sei nur nebenbei erwähnt. Das war 2011 noch ein größerer Schock, aber seitdem ist ja die kolorierte Ausgabe von „Die 13 ½ Leben des Käpt’n Blaubär“ erschienen (nicht zum Besten des Buches, wie ich anmerken möchte), und „Prinzessin Insomnia“ ist farbig illustriert.

Kurz gesagt: Biege verschafft der bislang bewusst klassisch-zweidimensional gezeichneten Zamonien-Welt eine dritte Dimension durch seine künstlerische Handschrift. Über die kann man geteilter Meinung sein; ich zum Beispiel mag gemalte Comics nicht. Und was bei Bieges Bildern sofort auffällt, ist, dass er etwa den Drachendichter Hildegunst von Mythenmetz, Hauptfigur und Ich-Erzähler der „Stadt der Träumenden Bücher“, fast immer so zeichnet, dass nur eines seiner Augen zu sehen ist, also in variierenden Profilperspektiven. Das ist ein probates Mittel, sich die Sache leicht zu machen: Der Micky-Maus-Zeichner Floyd Gottfredson hat einmal wunderbar ausgeführt, dass er Könner auf dem Feld der Funnies – und da gehören Moers‘ Akteure ungeachtet aller philosophischen oder pathetischen Grundstimmung hin – daran erkennt, dass sie ihre Figuren aus jeder Perspektive beherrschen.

Irritierend also, dass im Anhang zu Band 2 des Moers/Biege-Comics eigens angefertigte plastische Umsetzungen der wichtigsten Figuren abgebildet sind, ganz nach der Art der Maquettes im Zeichentrick, dass man aber bei Mythenmetz nichts davon merkt. Ich habe bei nochmaliger, zugegebenermaßen rascher Durchsicht im zweiten Band ein einziges Panel gefunden, auf dem man den Drachen frontal und also seine beide Augen sieht. Bemerkenswert übrigens, dass auf den Moersschen Szenario-Seiten auch keine Frontalansicht vom Ich-Erzähler zu haben ist – und auch in allen Illustrationen zum Roman nicht. Nur fällt das dort nicht auf, weil keine Illusion von Dreidimensionalität angestrebt wird.

Aber nun genug des Bekrittelns, denn obwohl ich mit negativer Stimmung an die Zeichnungen herangegangen war, bin ich in größtem Glück aus der Lektüre herausgekommen – und in größtem Bedauern, dass ich ans Ende gelangt bin. Denn Moers und Biege ist ein Kunststück geglückt, dass man gar nicht hoch genug einschätzen kann: Sie haben die gleichermaßen abenteuerliche wie melancholische wie ironische Atmosphäre der Vorlage bewahrt, vor allem durch die höchst geschickt ausgewählten Textpassagen, die überwiegend orginalgetreu sind, an einigen Stellen aber auch variiert oder gar ganz neu. Das war natürlich allein Moers‘ Werk, und wie gesagt hat er den Comic auch graphisch weitgehend selbst konzipiert, indem sein Szenario die Panelabfolge und -perspektiven vorgab. Aber Biege hat dann auch Abwandlungen vorgenommen, und von wem etwa die spektakuläre Idee des Ausklappbildes zum Abschluss des ersten Bandes stammt, das auf vierseitiger Breite die Lederne Grotte, in der die Buchlinge leben, zeigt, würde man gerne wissen. Ein Hoch dem Knaus Verlag, dass er sich diesen speziellen Effekt geleistet hat.

Auf dieser Panoramaansicht wird ein anderer Effekt nicht eingesetzt, den Moers und Biege schätzen: das Durchwandern eines einzigen größeren Panels durch Hildegunst von Mythenmetz mittels mehrfacher Einzeichnung der Figur darin. Zum ersten Mal wird dieser Kunstgriff auf einer Doppelseite angewandt, die Mythenmetz‘ Ankunft in Buchhaim zeigt, dem Zentrum der literarischen Produktion in Zamonien, aber im Laufe des Comics verlieben sich dessen beide Macher regelrecht in diese Technik. Während einige andere graphische Experimente, etwa das Heraustreten von Mythenmetz aus den Seiten eines illustrierten Buches oder überhaupt der regelmäßige Einsatz von doppelseitigen Kompositionen auf den ersten Band beschränkt blieben. Hier wird nicht nur die Handlung, hier wird auch der Comic selbst als deren Form etabliert. Im zweiten, etwas umfangreicheren Band folgt dann die eigentliche Abenteuerhandlung, und die Atemlosigkeit des Geschehens artikuliert sich auch in den dichteren Panelsequenzen.

Hier tritt dann auch die zweite Hauptfigur auf, der Schattenkönig, und das ist natürlich die größte Herausforderung der Adaption. Im Roman hat Moers ihn nie als ganze Figur gezeichnet, lediglich einzelne Partien des aus Papier zusammengefügten Körpers werden gezeigt, während die eigentliche Vorstellung dieser im unterirdischen Höhlenlabyrinth unter Buchhaim lebenden legendären Gestalt der Phantasie des Lesers überlassen bleibt. Kein Wunder, dass Bieges Schattenkönig dann eine Enttäuschung ist – Grauen und Grusel sind ungezeigt immer stärker. Aber Moers wollte es so haben, und es gibt auch für den Schattenkönig eine plastische Vorlage, die der Puppenbauer Carsten Sommer eigens als Vorbild angefertigt hat – jener Sommer, der auch die Puppen für die „Käpt’n Blaubär“-Filme im Fernsehen geschaffen hat und der zum festen Team um Moers gehört.

Bei den zwei Bänden des Comics „Die Stadt der Träumenden Bücher“ sind sie alle wieder mit dabei: Sommer eben, aber auch Oliver Schmitt (der traditionell die Buchausstattung von Moers‘ Werken beaufsichtigt), Elvira Moers (die Gattin des Autors und unentbehrliche Lektorin) und Wolfgang Ferchl (der Verleger, dem Moers seit seinen Anfängen als Buchautor bei Eichborn treugeblieben ist). Dazu ist mit Michael Hau einer der beiden besten deutschen Letterer beteiligt (der andere ist Dirk Rehm). Was soll da noch schiefgehen? Es ist ja auch nichts schiefgegangen. Der Comic macht das Wunderwerk Zamonien noch ein kleines bisschen wundersamer.

26. Jan. 2018
von Andreas Platthaus

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22. Jan. 2018
von Andreas Platthaus

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Künstlercomic in jeder Hinsicht

Was kommt für ein Comic dabei heraus, wenn dessen Zeichner als seine Vorbilder Honoré Daumier, Rolf Escher, Horst Jansen, Gustave Doré, Ludwig Richter, William Kentridge, Tomi Ungerer, Sempé, Dan Perjovschi, FW Bernstein, Saul Steinberg, Raymond Pettibon, Paul Flora und Adolf Menzel nennt? Gewiss kein gewöhnlicher, auch keiner, bi dem man eine klassischen Comic-Ästhetik erwarten darf, sondern wohl eher eine karikaturesk oder cartoonesk inspirierte Graphik, bei der das Einzelbild eine wichtigere Rolle spielt als der Zusammenklang in dem, was man im Comic Seitenarchitektur nennt. Und genau so ist denn auch „Im Dschungel der Kunstwelt“ geworden.

Zeichner dieses in jeder Hinsicht gewichtigen Bandes (248 Comicseiten auf Kunstdruckpapier und Hardcover) ist Helmut Kesberg. Wer bitte? Der Name dürfte Comicfreunden nichts sagen; Kesberg lebt als freier Künstler in Köln und stellt vor allem Gemälde aus. Geboren 1948, wurde er nach einem Studium der Germanistik, Philosophie und Kunstgeschichte Lehrer und leitete mehr als zwanzig Jahre lang ein Gymnasium. Schon während dieser Zeit, aber vermehrt danach richtete Kesberg sein Augenmerk auf die eigene Kunstbegeisterung, betrieb Studie, belegte Kurse, richtete sich Ateliers ein und stellte seine Arbeiten aus. Und nun hat er in Eigenregie und kleiner Auflage (150 Exemplare) eine „Graphic Novel“ zusammengestellt, für die er sich des eigenen Zeichnungsfundus bediente. Die Herausforderung, daraus eine Geschichte zu konstruieren, muss reizvollgewesen sein, aber für den Band wurde dieses Konvolut noch um zahllose Bilder erweitert. Zu haben ist er für 50 Euro beim Zeichner selbst (https://www.helmut-kesberg.de/; dort kann man sich auch einen Eindruck verschaffen) oder für zwei Euro weniger (dann aber ohne Versand) bei der auf Kunstbücher spezialisierten Buchhandlung Walther König in Köln.

Der Umfang ist für ein Debüt ungewöhnlich groß, das Thema dagegen eher erwartbar: Es hat autobiographische Züge, ist durchzogen „vom Atem einer ‚großen Confessio‘“, wie es im Vorwort heißt, auch wenn der wichtigste Protagonist nicht Helmut Kesberg, sondern Georg K. heißt. Der weist aber durchaus einige Gemeinsamkeiten mit Kesberg auf (Lebensdaten, später Karrierebeginn als Künstler), steht allerdings zu Beginn der Handlung unmittelbar vor seinem internationalen Durchbruch auf dem Kunstmarkt. Leicht zu identifizierende Herrschaften (ein prominenter Kunsthändler heißt zum Beispiel Gerry Lagossian) treten da auf, die Kunstszene wird zum Defilee der Reichen und Naiven, die Bilder nur nach Ruhm des Künstlers kaufen und auf Vernissagen lieber sich selbst sehen wollen als die ausgestellten Werke. „Im Dschungel der Kunstwelt“ ist eine Philippika gegen den Kunstbetrieb.

Die Handlung deckt das ganze Leben von Georg K. ab, setzt aber erst einmal im Herbst 2010 ein, als er sich trotz einer großen Vernissage in Lagossians New Yorker Galerie absetzt und aussteigt: nach Indien. Dor verbringt K. etliche Jahre und schickt als einzige Lebenszeichen riesige Ballen von neu entstandenen Zeichnungen nach Hause, wo sein alter Weggefährte Hermann van der Plinten, der Ich-Erzähler des Buchs, diese Blätter sammelt und kommentiert – wozu ihm auch Tagebucheinträge und Briefe von Georg K. dienen, von denen nicht immer klar ist, wie sie überhaupt in seine Hände gelangt sind. Die Erzählstruktur mit Herausgeberfiktion (jener Van der Plinten) und Selbstzeugnissen (Georg K.) ist arg konfus angelegt, zumal auch noch weitere Kommentatoren aus dem Umfeld des Künstlers dazukommen. Erzählt wird mit etlichen Rückblicken bis fast in die Gegenwart, und der Schluss ist offen, denn ein zweiter Teil, der dann die Kindheitserlebnisse in den Mittelpunkt stellen soll, ist in Vorwort und auch Comic selbst schon angekündigt.

Das erkennbarste Vorbild ist Tomi Ungerer mit seinen gesellschaftskritischen Cartoonzyklen wie „The Party“ (daraus wird einmal sogar direkt zitiert), aber all die eingangs genannten Zeichner – deren Namensliste übrigens von Georg K. stammt – sind auch leicht in „Im Dschungel der Kunstwelt“ als Einflüsse wiederzuentdecken. Das führt zum Verzicht auf eine eindeutige graphische Handschrift, macht aber viel Spaß bei der Dechiffrierung der Herkünfte. Kritisch ist jedoch manchmal das Montageprinzip, wo man an abgeschnittenen Textpassagen auf den Zeichnungen erkennt, dass hier ehedem autonome Motive in neue Zusammenhänge gebracht wurden. Und wenig ansprechend ist die Wahl einer Groteskschrift als Druckfont für die gesetzten Textpassagen, während das Handlettering ganz nach Sempés oder Bernsteins Vorbild in einer schwungvollen Handschrift besteht, die jedoch bisweilen schwierig zu entziffern ist.

Formen gibt es also reichlich in diesem Band, Farben nur selten; das Gros des Bandes ist in Grauschwarz gehalten, auch wenn es manchmal bunte Montageelemente gibt, für die sich Kesberg bei seiner Malerei bediente. Und ein Kesberg-Bild wie „Beauty Salon“, das auf der Website der Kölner Kunstschule art factory zu finden ist, spielt sogar eine wichtige Rolle in der Handlung: als das zentrale Werk von Georg K., das im Comic allerdings als „Mann mit den Lockenwicklern“ firmiert und gegen Bacons Variation auf Velázquez‘ Papstporträt von Innozenz X. ausgespielt wird. Es gibt Passagen in diesem Comic, wo nicht ein karikaturesk übersteigerter Zorn auf den Kunstbetrieb waltet, sondern eine wohl ernsthafte Distanzierung des Verfassers Helmut Kesberg. Da wird es leider zu oft bitterernst, und es hat etwas Peinliches, wenn Bacons Bild durch das von Georg K. ersetzt werden soll (dem zudem noch eine Rembrandtnähe angedichtet wird).

Zugleich aber ist diese Geschichte auch eine Art Notschrei eines Künstlers, dessen Erfahrungen jeder kennt, der zumindest Freunde in dieser Szene hat. Die Arroganz der Galeristen, der Jugendkult, die Mauscheleien, der Jargon – all das ist denn doch schön scharf beobachtet und aufgespießt.

 

 

22. Jan. 2018
von Andreas Platthaus

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15. Jan. 2018
von Andreas Platthaus

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Betagt, aber oho!

Eine der erfolgreichsten jüngeren Comicserien auf dem konkurrenzintensiven französischen Comicmarkt ist „Les vieux forneaux“, auf Deutsch „Die alten Knacker“. Darin lässt der keineswegs alte Wilfrid Lupano (Jahrgang 1971) ein betagtes Freundestrio in dessen Heimatdorf in Südfrankreich reichlich abgedrehte Abenteuer erleben. Abgedreht deshalb, weil sich die drei Senioren im Stil französischer Filmkomödien von keiner Autorität einschüchtern lassen und vehement eine privat begründete Fehde mit dem lokalen Großunternehmen Baran-Servier ausfechten – dessen Eigentümer nicht jünger ist als sie, worauf die privaten Probleme auch zurückgehen. Das bewährte David-Goliath-Thema sorgt verlässlich für Unterhaltung, und Paul Cauuet (Noch jünger: Jahrgang 1980) hat dazu lichte und leichte Bilder gezeichnet, die in der Tradition eines karikaturesk angehauchten Realismus stehen (Leseprobe hier: https://www.splitter-verlag.de/die-alten-knacker-bd-4.html). Boucq ist wohl der Zeichner, der da am ehesten als Vorbild erscheint.

Was begeistert die Franzosen (und offenbar auch das deutsche Publikum, denn alle vier Bände sind schleunigst von Tanja Krämling für den Splitter Verlag übersetzt worden) an den „Alten Knackern“? Gewiss vor allem die politische Inkorrektheit, mit der die munteren Greise durchs Leben gehen. Dann die der Geschichte inhärente Globalisierungsskepsis und schließlich der Schuss Erotik, der durch die Enkelin eines der Knacker ins Spiel kommt. Diese junge Dame betreibt ein Marionettentheater namens „Der Wolf im Slip“, das nach der Hauptfigur der Vorführung benannt ist. Und wie erfolgreich die „Alten Knacker“ sind, zeigt sich nicht nur daran, dass der 2014 erschienene Debütband der Serie, „Die übrig bleiben“, einen Preis auf dem Comicfestival von Angoulême einheimste, sondern auch an einem bereits fertigen Spin-off: einem Bilderbuch, der die Geschichte des Puppenstücks erzählt. Auch dieser Band, wieder geschrieben von Lupano (Nomen est omen beim Thema Wolf), aber statt von Cauuet von der bilderbucherfahrenen Mayana Itoiz gezeichnet (wobei Cauuet dann doch noch bei einem zweiseitigen Appendix in Comicform zum Zuge kam), ist gerade bei Splitter erschienen.

Im neuen Band („Die Zauberin“ betitelt, nach einer seltenen Insektensorte, die es zu schützen gilt) wird der nie erlahmende Kampf zwischen dem Konzern und den alten Knackern fortgeschrieben, obwohl strenggenommen nur noch einer von ihnen im Dorf wohnt. Doch im Laufe der Handlung kommen die beiden Freunde aus Paris und Schottland angereist: der eine, um sich in den Kampf um ein von der Expansion des Unternehmens bedrohtes Stück Land einzumischen, der andere, um eine alte Liebe zu bezirzen. Wenn man sagt, dass nur einer reüssieren wird, dürfte die Prognose, wer es ist, nicht schwer fallen.

Allerdings sind die Rollen diesmal weniger klar verteilt als in den ersten drei Bänden, denn der ortsansässige Knacker ist durchaus willig, die Zerstörung der Landschaft durch eine neue Fabrik hinzunehmen, wenn dadurch im Gegenzug Jobs geschaffen werden, die das Ausbluten der Region verhindern. Doch nun kommt der Revoluzzer in Konflikt mit einer jüngeren ökologisch orientierten Generation, und es spricht für Lupano, dass er die Zwiespältigkeiten der politischen Gegenwart durch diese Konfrontation deutlich macht, ohne dabei ein verbissenes Szenario zu schreiben, das für eine der beiden Seiten Partei nähme. Wobei ihn diesmal ohnehin die Enkelin viel mehr interessiert, die sich in einen der angereisten Demonstranten verguckst, der sich aber schließlich als gar nicht so angereist erweist.

Der Mikrokosmos des kleinen südfranzösischen Dorfs wird also gar nicht einmal angekratzt, und natürlich liegt auch in der Reminiszenz an das andere widerständige Dorf in der französischen Comicgeschichte ein Reiz des Zyklus. Wobei der Slapstick mittlerweile doch arg die Oberhand gewinnt, worunter die Satire leidet. Aber für einen Mainstream-Comic sind „Die alten Knacker“ doch verblüffend schlau. Sowohl die Macher wie ihre Figuren.

 

15. Jan. 2018
von Andreas Platthaus

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08. Jan. 2018
von Andreas Platthaus
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Mehr Licht? Das geht gar nicht

Das ist einer der ungewöhnlichsten Comics der jüngeren Zeit, und obwohl man von Paula Bulling seit ihrem autobiographisch-dokumentarischen Debüt „Im Land der Frühaufsteher“ Überraschungen gewöhnt ist, kommt er doch ganz unerwartet. Schon deshalb, weil ich erwartete, dass die Zeichnerin weiter an ihrem schon länger laufenden Projekt arbeitet, einer großen Recherche über muslimische französische Kriegsgefangene und Widerstandkämpfer im Zweiten Weltkrieg. Aber vielleicht hing der zweimalige Aufenthalt, den Paula Bulling in Les Ateliers Sauvages, einem Künstlerhaus in der algerischen Hauptstadt Algier, absolviert hat, mit ihren diesbezüglichen Nachforschungen zusammen. Wie dem auch sei, die Stadt scheint sie fasziniert zu haben, denn nun hat sie einen Comic über ihre Eindrücke gezeichnet. „Lichtpause“ heißt er. Beim wunderbaren Rotopol-Verlag aus Kassel ist er erschienen

Der Titel ist zunächst erst einmal ein Verweis auf eines der wichtigsten Arbeitsmittel in der Architektur, und Paula Bullings Comic ist vor allem das: Architektur. Gar nicht einmal im Sinne der Seitenarchitektur allein (die allerdings von grandioser Vielfalt ist), sondern mehr noch, weil es tatsächlich die Stadt selbst ist, die auf den 36 großformatigen Seiten die Hauptrolle spielt. Einmal etwa zeichnet Paula Bulling eine ganze Doppelseite lang nur Straßenpflaster – mit alle den verschiedenen Mustern, die eine traditionelle Pflasterung hervorbringt. Diese Sequenz wirkt wie eine Sequenz von Paul Klee. Aber auch die Materialexperimente des späten Willi Baumeister fallen einem ein; das liegt aber vor allem an den Farben, die die sonnig-sandige Welt Nordafrikas heraufbeschwören. Hier kann man es sich ansehen: http://www.rotopolpress.de/produkte/lichtpause.

Kunst also kommt in den Sinn, denn das, was Paula Bulling hier macht, ist in der Tat Kunst, ein großes Experiment in visueller Assoziation. Und trotzdem ist es auch ein Comic, der vom Leben als Ausländerin in Algier erzählt, an einem einzigen Tag, der vom Morgen bis zum Abend begleitet wird, formuliert als Ansprache an einen Freund, dem von Begegnungen berichtet wird, von wechselseitigem Beobachten, auch von Enttäuschungen. Und natürlich von Begeisterung, nicht zuletzt für das Licht in dieser Stadt.

Das ist „Lichtpause“ nämlich vor allem: ein gezeichneter Essay über das Licht im Tagesverlauf, komplett mit farbigen Bleistiften angefertigt. Gelb, Blau und Orange sind dabei die vorherrschenden Töne. Und selbst die Randlinien der Panels sind hier farbig und das auch noch von Seite zu Seite meist unterschiedlich gehalten. Diese simple Idee macht großen Effekt, genauso wie die über die Seiten gestreute Erzählstimme, die aus der Perspektive Paula Bullings berichtet. Aber immer wieder verstummt sie über ganze Bilderfolgen hinweg, als müsse sie Atem schöpfen, etwas überdenken, käme vor flirrender Hitze oder unter der Fülle der Eindrücke gar nicht zur Beendigung eines Satzes.

So liest sich „Lichtpause“ blitzschnell, aber fertig ist man damit nicht so rasch, denn eie abermalige Lektüre fördert neue Details (und neues Verständnis) zutage, und das wird beim dritten oder verten Mal kaum anders sein. Man mag sich an Lorenzo Mattotii erinnert fühlen, was die Freiheit des Farbgebraucht angeht, an David Mazzucchelli bei den architektonisch anmutenden Linienführungen und an Avril oder Nicolas de Crécy, wenn es um Stadtporträts geht. Aber keiner dieser vier Meister hat Paula Bullings geradezu traumartige Erzählstruktur, mit er sie sich – und wir als Leser mit ihr – durch die Straßen und Zimmer treiben lässt. Und dann dieser Blick für Details auf den Bürgersteigen, diese Kompromisslosigkeit beim Auflösen eines Eindrucks in Liniengespinste, ja Liniengewirre, die beinahe abstrakt anmuten. Und schon ist man wieder bei der modernen Kunst. Bei Kandinsky, für den es vor allem der Rhythmus war, was ein Bild ausmachte. Und Rhythmus ist eine im Comic immer noch unterschätzte Kategorie, in der nun wieder Paula Bulling sich mehr und mehr als große Meisterin erweist.

08. Jan. 2018
von Andreas Platthaus
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02. Jan. 2018
von Andreas Platthaus

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Ihre beste Rolle

Der Comic „Das Hochhaus“ von Katharina Greve ist kein Buch im klassischen Sinne, obwohl man ihn auch als solches bekommt, beim Avant Verlag. Da ist der Comic schon seltsam genug, denn man muss den Band querlegen, um ihn zu lesen, also um 90 Grad drehen. Dann baut sich Stockwerk für Stockwerk das titelgebende Hochhaus auf, vom Kellergeschoss bis in die hundertste Etage. So hat Katharina Greve, die selbst fünfzehn Semester Architektur studiert hatte, aber dann doch Cartoonistin wurde, ihn publiziert: im Internet unter http://www.das-hochhaus.de/. Hundertzwei Wochen lang türmte sie ein Geschoss auf das andere, bekam dafür zwischendurch den Max-und-Moritz-Preis der Stadt Erlangen für den besten Comic-Strip, und nachdem alles fertig war, wurde das komplette Hochhaus auch noch als Buch publiziert. Und eben als etwas, das kein Buch im klassischen Sinne ist. Darum soll es hier gehen.

 

Denn „Das Hochhaus“ ist auch als Buchrolle erschienen. Was das ist? Eine aufgerollter langer Papierstreifen, auf dem das gesamte Hochhaus gedruckt ist, so dass man, wenn man will, die ganze Geschichte als einzige Zeichnung von rund sieben Meter Länge bekommen und vor sich ausbreiten kann. Wer nur eine kleine Wohnung hat, muss aber keine Sorge haben: Lesen lässt sich das Ganze auch ohne komplettes Ausrollen, denn man kann ganz nach antikem Vorbild mit der linken Hand den Anfang der abgerollten Buchrolle nach der Lektüre eines Abschnitts wieder neu aufrollen und so immer weiter machen, so dass man am Schluss eine neue Rolle bekommt, die allerdings zum Wiederlesen erst einmal wieder zurückgespult werden muss – „wie früher eine Kassette“, scheiben die Macher vom Berliner Verlag Round Not Square in der mit eingerollten Bedienungsanleitung.

Ist das ein Gag? Natürlich, aber im Falle von Katharina Greves Comic-Strip auch genau die richtige Form und mit 27 Euro nur sieben Euro teurer als die Buchausgabe von Avant (will man eine von der Zeichnerin signierte Ausgabe, kostet das 35 Euro). Aussehen tut das so: http://round-not-square.com/de/portfolio/das-hochhaus/, und anfühlen tut es sich dank sehr schönen Papiers hervorragend. Etwas gewöhnungsbedürftig ist nur das Zurückrollen statt des Zurückblätterns, wenn man etwas bereits Gelesenes noch einmal überprüfen will. Und dazu besteht oft Anlass.

Denn Katharina Greve hat nicht nur einfach 102 Etagen als wöchentliche Einzelepisoden gestaltet, sondern auch vielfach Bezüge zwischen den Stockwerken hergestellt – der größte Abstand besteht dabei zwischen Keller und Dachgeschoss, also über fast zwei Jahre Publikationsdauer hinweg, weil der Aufenthalt der Bewohner des Letzteren im Ersteren einem anderen Mieter des Hochhauses eine günstige Gelegenheit zur Ausübung seines Broterwerbs verschafft. Dessen Folgen sind übrigens mehrfach Thema des Geschehens im Hochhaus, wie auch andere Kapitel (also Stockwerke) inhaltlich miteinander verknüpft sind. Doch alle Episoden können auch für sich gelesen werden, denn in den immer gleichen zwei Räumen (Küche und Wohnzimmer samt Balkon) der Etagenwohnungen, die wir im Querschnitt sehen, spielen sich mehr oder minder burleske Szenen und Dialoge ab, deren Witz sich Katharina Greves Erfahrung als Cartoonistin verdankt – also als Gestalterin humoristischer Einzelbilder.

Aber erst die minutiösen Details machen diesen Comic so reizvoll. Details wie zum Beispiel die Aufschrift auf einer Fensterscheibe im 98. Stockwerk: „Bitte keine Werbung einwerfen“. Überhaupt ist dieses Fenster der jeweiligen Nachbarwohnung eine Quelle nie versiegenden Vergnügens: Es ist das einzige, was man von diesem kleinen Einzimmerappartement sieht (bei der Behausung im Querschnitt handelt es sich dagegen jeweils um eine Dreizimmerwohnung plus Küche und Bad, wie man einem von der Zeichnerin angefertigten Etagengrundriss entnehmen kann), und trotzdem werden auch damit kleine Geschichten ganz ohne Worte erzählt. So steht einmal ein brennender Chanukka-Leuchter auf dem Fensterbrett, und in einem anderen Stockwerk hängt dort ein Adventskranz. Diese jahreszeitliche Parallele verweist darauf, dass wir über den ganzen Comic hinweg einen identischen Moment dokumentiert haben. Es ist wichtig, das im Auge zu behalten, wenn man „Das Hochhaus“ liest.

Katharina Greve bietet uns einen Querschnitt nicht nur durch ihr Wohnhochhaus, sondern auch durch die Gesellschaft. Junge und alte Bewohner sind vertreten, hetero- und homosexuelle, Repräsentanten verschiedener Kulturen, Berufsgruppen und Geisteszustände. Wir treffen Zeugen Jehovas, die sich nicht aus dem Haus trauen und deshalb die Mitarbeiter von Lieferservices bekehren wollen. Da ist eine Domina, deren Küche in ihrer Lieblichkeit das Komplementärphänomen zur Folterkammer im Wohnzimmer ist (und ihr Kunde ist ein Hausbewohner, dessen Lebensumstände noch in zwei anderen Etagen eine wichtige Rolle spielen). Oder eine Wahrsagerin, deren Mann ihr vorausgesagt hatte, dass sie erfolglos bleiben werde – und sich damit als der bessere Prognostiker erwies. Man muss dieses Panoptikum der Mühseligen und Beladenen einfach lieben.

Wenn man ans Ende der Geschichte gerollt ist, geht es noch etwas weiter als ursprünglich im Netz bei der Erstpublikation: in den Himmel hinauf, so wie es zu Beginn auch etwas tiefer losgeht als im Keller, mit der Kanalisation nämlich. Katharina Greve hat diese kleinen Extras ergänzt, die ihr Hochhausdasein abrunden. Höher hinaus kommt man im deutschen Comic derzeit nicht. Und die Edition von Round Not Square spielt dabei die beste Rolle.

 

02. Jan. 2018
von Andreas Platthaus

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18. Dez. 2017
von Andreas Platthaus
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Stille Nacht, wilde Nacht

© Ralf König - Santa Claus JuniorNoch ahnt die Festgemeinschaft nicht, welch bittere Wahrheit ihr sogleich eröffnet wird: Szene aus Ralf Königs „Santa Claus Junior“

Es ist noch gar nicht so lange her, da flatterte pünktlich jedes Jahr zur Weihnachtszeit ein Rowohlt-Buch ins Haus. „Engel & anderes Geflügel“ hieß es, und in jedem neuen Jahr war ein neuer Illustrator damit befasst, dieses als Adventskalender konzipierte Werk (man konnte die Seiten, wenn man wollte, täglich auftrennen) zu gestalten. Daran beteiligt waren, um nur einige zu nennen: Wolf Erlbruch, Binette Schröder, Axel Scheffler, Jutta Bauer, Bernd Pfarr, Sabine Wilharm – kurz gesagt: die Creme der deutschen Bilderbuchszene.

Warum diese wunderbare Reihe eingestellt wurde, weiß ich nicht. Kandidaten für eine Fortführung hätte es genug gegeben, zum Beispiel Comic-Zeichner. Und einer davon, kein Geringerer nämlich als das Rowohlt-Urgestein Ralf König, hat jetzt in seinem Stammverlag ein kleines Buch publiziert, das genau dem Konzept von „Engl & anderes Geflügel“ entspricht, auch wenn es kein Adventskalender mehr ist. Da wird es dem die Reihe entbehrenden Leser warm ums Herz.

Das war ehedem auch ihr Sinn und Zweck. Und deshalb wäre König als Erzähler wohl nicht die erste Wahl dafür gewesen. Seinen internationalen Ruhm hat er sich mit Comics erworben, die zwar durchaus warmherzig sind, aber auch – sagen wir – großschwänzig. Und bitterböse im Blick auf unsere Gesellschaft und ihren Umgang mit Schwulen. Und durchaus auch im Blick auf den Umgang der Schwulen untereinander. So zu sehen und zu lesen erst im vor einem halben Jahr erschienenen Band „Herbst in der Hose“, der die Alterspanik unter Schwulen zum Gegenstand eines ebenso witzigen wie nachdenklichen graphischen Romans gemacht hat.

Nun also in sehr knappem Abstand schon der nächste König: „Santa Claus Junior“ (und schon der Umfang der Leseprobe des Verlags ist ein Geschenk: https://www.rowohlt.de/download/file2/row_upload/3610913/LP_978-3-499-29082-4.pdf). Es geht, schnell zusammengefasst, darum, dass die einsame Ute Hinzmann (Ehe schon länger gescheitert, neue Beziehung vor einem Jahr auch) allen Weihnachtstrubel ablehnt und am 24. Dezember allein zu Hause in der ungeschmückten Wohnung sitzt. In Köln! Jenem hillije Kölle, wo es zum guten Ton gehört, das Heim festlich herauszuputzen und ungeachtet aller religiösen Überzeugung gutchristlich zu jubilieren – sei es auch nur mittels Schallplatte. Das kann nicht gutgehen mit Ute Hinzmanns Vorhaben, und so sitzt denn auch alsbald das Christkind höchstpersönlich auf dem Sofa neben ihr und kündigt den Besuch des frischgebackenen neuen Weihnachtsmanns an. Ach was, „kündigt ihn an“ – es preist ihn an wie eine Partnerschaftsvermittlungsagentur, und tatsächlich erweist sich der Herr, als er mit seinem Rentierschlitten auf dem Balkon des Mehrfamilienhauses im Belgischen Viertel landet, als höchst attraktiv. Und es kommt, wie es unter den Geschlechtern kommen muss.

Wobei man nicht behaupten kann, dass das bei Ralf König die Regel wäre. Bei ihm kommt es sonst eher, wie es unter einem Geschlecht kommen muss. Hier aber einmal nicht. Hier ist alles so wunderbar harmonisch heterosexuell, dass es eine Art hat. Selbst vor dem emotionalen Höhepunkt (und man möchte vermuten, auch dem körperlichen), blendet die Geschichte ab. Und doch vermisst man nichts. Denn König erweist sich in „Santa Claus Junior“ als das, was ihn als Comiczeichner mindestens so selten und bedeutend macht wie seine Rolle als Chronist schwulen Lebens in Deutschland: urkomisch.

Er spielt einfach mit dem eigenen Klischeehaushalt, ist nie böse, aber auch nie harmlos. Man könnte sich als gläubiger Mensch verspottet fühlen, aber dann wäre man ein verbissener Christ, der den Fundamentalisten anderer Religionen wenig voraus hätte. König bietet eine kleine Geschichte, die in eng begrenzter Zeit (Heiligabend) und eng begrenztem Raum (Utes Etagenwohnung) nicht weniger verhandelt als die Conditio Humana. Glaubensmäßig, aber auch psychologisch und sexuell natürlich sowieso. Auch wenn es nichts zu sehen gibt, was unter die Gürtellinie ginge.

Hundert Seiten ist die Geschichte lang (und am Ende, man glaubt es kaum, liefert König noch Ausschnittbögen für Christbaumfiguren nach seiner Manier), sie liest sich in einer halben Stunde, aber man wird sie künftig häufig lesen, so häufig vielleicht wie Eilert/Gernhardt/Knorrs „Erna, der Baum nadelt“. Schön, dass die deutsche Weihnachtskomik nun ein zweites kleines Meisterwerk zu bieten hat. Ach ja, das noch: König wird immer besser beim Reimen der Texte seiner Erzählerstimme. „Nun kann man, grad des Kitsches wegen, / die Weihnachtstage durchaus mögen! / Bei Leuten, denen Glockenläuten / und Christbaumschmuck noch was bedeuten.“ Doch just bei der letzten Silbe unterbricht Ute rigoros die Erzählstimme und schmäht ihre Worte als „schlechte Weihnachtsgedichte“. Mit Verlaub, sie hat Unrecht, das Knüttelgereimte passt zur heimeligen Stimmung wie die Gans in den Ofen. Und wie die Weihnachtswichtel und pudelnackten Putten, die auch alle ihren Auftritt in „Santa Claus Junior“ haben – Engel & anderes Geflügel eben.

18. Dez. 2017
von Andreas Platthaus
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11. Dez. 2017
von Andreas Platthaus

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Der Mann, den Johnny Hallyday verdross

Vergangene Woche starb Johnny Hallyday, ein Musiker, von dessen Bedeutung für die französische Kultur man sich in Deutschland gar keine rechte Vorstellung machen kann, weil wir nichts Vergleichbares hatten. Peter Kraus oder Ted Herold werden gerne genannt – lächerlich, denn Hallyday war ein Star über ein halbes Jahrhundert hinweg. Und natürlich hat er auch seinen Weg in die französischen Comics gefunden. 1992 erschien ein Band namens „Johnny Hallyday – Les années soixante“. Darin erwiesen prominente Comiczeichner dem Sänger mit Kurzgeschichten ihre Reverenz, und zwar, wie am Titel erkennbar, dem jungen Johnny Hallyday. Unter den Beteiligten war einer meiner Lieblingszeichner: Hervé Barulea, der seine Comics unter dem Künstlernamen Baru publiziert.

Wie es der Zufall will, ist vor wenigen Tagen nach langer Pause wieder mal ein Baru-Band ins Deutsche übersetzt worden: „Ici et là“, im Original 2012 erschienen, nun „Hier und dort“, eine Sammlung von zuvor verstreut veröffentlichen Kurz- und Kürzesterzählungen, und darin findet sich auch „Eine Fete bei John“, der genau vor einem Vierteljahrhundert gezeichnete Beitrag zu „Johnny Hallyday“. Baru nennt den Sänger in seiner kurzen Einführung (jede der fünfzehn in „Hier und dort“ enthaltenen Geschichten hat eine eigene) „unser Nationaldenkmal“, lässt aber ansonsten Distanz erkennen: „Glücklicherweise hat man mich nur zu den ersten Schritten des ‚Künstlers‘ herangezogen …“

Wie jeder weiß, der Baru liebt, liebt der Zeichner den Rock’n’Roll, aber den authentischen, nicht den adaptierten von Johnny Hallyday. Doch die rebellische Begeisterung, die der junge Sänger unter der französischen Jugend in den frühen Sechzigern auslöste, ist genau Barus Fall. Also erzählt er auf sieben Seiten die Geschichte eines Fünfzehnjährigen, der von seinen Eltern zu einem Raymond-Devos-Auftritt mitgenommen wird. Mehr muss man einem einigermaßen musikkundigen Franzosen nicht sagen: Es geht um jenen berühmt-berüchtigten Abend im Pariser „Alhambra“ vom 20. September 1960, als ein Teil der älteren Zuschauer den im Vorprogramm auftretenden Johnny Halliday und dessen Fans wüst beschimpfte. Es kam zu Ausschreitungen im Publikum, bis Raymond Devos, ein damals höchst beliebter Komiker, sein eigenes Publikum zurechtwies: „Wenn ihr den Kleinen rauswerft, höre ich auf!“ Johnny Hallyday war durch diesen Skandal und den Einsatz von Devos mit einem Schlag berühmt.

Wie meistens in seinen Comics erzählt Baru auch diese Episode als Emanzipationsgeschichte eines Jugendlichen. Der Zeichner selbst wurde 1947 als Arbeiterkind in Lothringen geboren, hat die rebellischen Jahre, um die es hier geht, als Heranwachsender also miterlebt, allerdings in der Provinz, dafür aber intensiv mit Musik. Davon erzählt er in „Quéquette Blues“, seinem meisterlichen Erstlingswerk, das in drei Bänden von 1984 bis 1987 erschien. In Stil und Tonfall knüpft „Eine Fete bei John“ daran noch an, doch der Bildaufbau weist Parallelen zu „Der Champion“ auf, Barus kurz zuvor erschienene Boxergeschichte aus dem Algerienkrieg, die ihn erstmals als politischen Künstler mit zeitgeschichtlichem Interesse auswies und ein Erzählen in seinem Werk etablierte, das mit „Autoroute du Soleil“, „Die Sputnik-Jahre“ und „Wut im Bauch“ die Höhepunkte fand.

Aber obwohl Baru einer der größten Comic-Autoren unserer Zeit ist, hat er in Deutschland keinen großen Erfolg. Umso bemerkenswerter, dass der ehrgeizige Kleinverlag Edition 52 aus Wuppertal es immer wieder aufs Neue wagt, ihn zu übersetzen, nachdem Carlsen, die Edition Moderne und Reprodukt es leider nicht mehr tun. Bedauerlich nur, dass die deutsche Ausgabe von „Ici et là“ gegenüber der französischen etwas verkleinert wurde – zwar wenig nur, doch leider gerade im Falle der Texte um einen deutlich bemerkbaren Faktor, denn die Sprechblasen sind nun häufig geradezu gestopft voll. Da hätte sich der Übersetzer Uwe Löhmann bisweilen vom Original lösen, es verknappen müssen, denn so kommt das Verhältnis von Detailreichtum der Zeichnungen und relativer Textknappheit im Baruschen Original durcheinander. Und etwas zu dunkel gedruckt wurde der deutsche Band auch; vor allem den in späteren Arbeiten von Baru bevorzugten Aquarellfarben fehlt die Leuchtkraft. Eine Leseprobe macht das deutlich: http://edition52.de/wp-content/uploads/PDF.js-viewer.pdf. Wer noch eine umfangreichere haben will, wird hier fündig, allerdings nur auf Französisch: https://issuu.com/soopachachameow/docs/issu_pl_baru_ici-la. Leider hört dieser lange Auszug gerade vor „Eine Fete bei John“ auf.

Wer einen der intelligentesten Gegenwartskommentatoren Frankreichs kennenlernen oder endlich einmal wiederlesen will, der liegt mit „Hier und dort“ richtig. Und mit einer anderen Hommage darin, diesmal an Albert Uderzo, gezeichnet 2007, liefert Baru eine der besten Aktualisierungen eines klassischen Comics ab, hinter denen sich sogar Blutchs gerade erschienener Prachtband „Souvenirs“ verstecken muss (der lautes Pastiches auf berühmte Comic-Szenen bietet). „Abdelix und Kaderix langweilen sich“ heißt Barus nur dreiseitiges Juwell, eine geradezu akribisch nacherzählte Passage aus einem Asterix-Abenteuer, doch verlegt in die Pariser Banlieu von heute, in der zwei streitlustige junge Araber die Polizei provozieren und nach Strich und Faden verprügeln. Sehenswert, lesenswert, bedenkenswert. Baru eben.

11. Dez. 2017
von Andreas Platthaus

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05. Dez. 2017
von Andreas Platthaus

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Das ist und das macht sprachlos (vor Freude)

Luftschacht ist ein Wiener literarischer Verlag, der seit einigen Jahren zuverlässig ungewöhnliche österreichische Comics im Programm hat. Mit Nicolas Mahler gibt es einen Star. Mit Michaela Konrad, Thomas Kriebaum und Gerald Hartwig hochinteressante und hochunterschiedliche Autoren, sowie mit Leopold Maurer einen Wanderer zwischen Erzählwelten, wie man im deutschsprachigen Comic nur wenige findet. Und nun gibt es auch noch Albert Mitringer.

Über ihn verliert die Verlagshomepage kein Wort. Das passt, denn auch Mitringers Buch ist (und macht) sprachlos. „Lila“ heißt es, und wie man der Homepage des Autors entnehmen kann, entstand es als Diplomarbeit in Wien. Wir dürfen uns Albert Mitringer also als jungen Mann vorstellen, und damit ist durchaus in Einklang zu bringen, dass sein Stil gewisse Manga-Einflüsse verrät, vor allem in den Actionsequenzen. Doch die wichtigste Inspiration dürften Storyboard-Zeichnungen gewesen sein, also jene skizzenartigen wortlosen Sequenzen, mit denen im Filmgeschäft vor der eigentlichen Dreharbeiten die Handlungsverläufe geplant und den Mitwirkenden veranschaulicht werden (eine Leseprobe findet sich unter https://www.behance.net/gallery/4868683/LILA, einer Website, die kreative Talente vorstellt, und dort wird Mitringers Arbeit unter „Zeichentrick“ subsumiert).

Lila, so würde ich einmal vermuten, ist der Name der Hauptfigur des Comics, eines kleinen Mädchens, das in einer tristen Umgebung aufwächst, die deshalb auf den ersten drei Seiten auch streng schwarzweiß gezeichnet wird: aufstehen in der Frühe, unerfreulicher Schulalltag, Heimkehr zu einem trinkenden und offenbar gewaltsamen Vater – um das klar zu machen, braucht Albert Mitringer nicht einmal die ganze erste Seite. Die weiteren beiden der Auftaktsequenz erzählen dann von der Begegnung mit einem auf dem außeririschen Wesen, das sich in seiner Knuffigkeit an der schlichten Gestaltung des weiblichen Roboters Eve aus dem Pixar-Film „Wall.E“ orientiert, aber erzählerisch auch an „Astroboy“. Jedenfalls handelt es sich um eine uneingeschränkt positive Begegnung, und so fliegen Lila und er denn auch am Ende der dritten Seite schon hinaus ins All, und fortan wird es bunt.

Wieso Lila plötzlich fliegen, interessiert im Buch nicht, und so hat das Geschehen von Beginn an (die Begegnung findet nachts statt) den Charakter eines Traums. Aber ein Erwachen gibt es auf den nun noch folgenden neunzig Seiten nicht mehr. Dafür ein gigantisch inszeniertes Abenteuer, das Lila zunächst in den Kampf mit einem riesigen Roboter verwickelt, der als zigarrerauchender Unsympath gezeichnet wird und eine technologisch weit fortgeschrittene Zivilisation bedroht. Dieser Gegner stellt aber noch gar keine echte Herausforderung für das schlaue Duo aus Erdenmädchen und Alien-Begleiter dar, doch anspruchsvoller werden die Herausforderungen, als sich mit einem kleinen Jungen die dritten Hauptperson dazugesellt, dessen Perspektive fortan zur dominierenden wird.

Er hat seinen ersten Auftritt im Comic als einsamer Gefangener in einem Käfig über einer kalten Welt, in der Krieg herrscht – Krieg zwischen Truppen, die Mitringer als Armeen aus Playmobil- und Lego-Männchen zeichnet. das ist großartig, weil es konsequent die kindlich Perspektive ins Spiel bringt, die dann auch die Rechtfertigung für die zügellose Phantasie bietet, mit der weitererzählt wird. Mitten im Schlachtgetümmel treffen sich Lila und der Junge (und natürlich auch der Außerirdische, der jedoch eher ein ständiges Hilfsmittel ist als ein vollwertiger Akteur), freunden sich an und stellen alsbald fest, dass es einen großen Superschurken gibt, der von einem Zirkus aus agiert. Auch hier wieder die Kinderperspektive, die aus vertrauten Räumen unheimliche Bedrohungen entstehen lässt.

Bald sind beide Kinder in der Gewalt des Schurken, und Mitringer unterwirft Lila einem bösartigen Verhör, während der Junge sich in Haft Erinnerungen an eine frühere glückliche Zeit hingibt. Wie gesagt, alles ohne Worte, nur sehr vereinzelt gibt es – dann allerdings völlig überflüssig – einzelne Schriftelemente wie „Applaus, Applaus“ im Zirkus oder die Kennzeichnung einer gezeichneten Gedankensequenz als „Masterplan“. Da hat man tatsächlich den Eindruck, dass Mitringer die ganze Geschichte als Storyboard angelegt und einfach zum Comic umgewidmet hat, ohne sie noch zu überarbeiten. Aber dagegen spricht der dramaturgische Einsatz der Seitenarchitektur, die für ein Storyboard sinnlos und somit undenkbar wäre.

Das Abenteuer steuert selbstverständlich auf ein großes Finale zu – wieder extrem filmisch inszeniert. Die zuvor einmal angedeutete amouröse Faszination des Jungen für Lila bekommt neue Hoffnung, wird aber nie zu mehr als einem subtil mit den Genregesetzen einer Space Opera spielenden vertrauten Handlungselement. Oder zu einer Paraphrase auf Hayao Miyazakis Trickfilme, deren Charakteristika man immer stärker auch in „Lila“ findet. Und das sind ja die schönsten Einflüsse, die man sich wünschen kann.

Trotzdem darf man nicht erwarten, dass sich erzählerisch alles schon glatt fügt. „Lila“ ist auch ein Erstlingswerk mit gewissen narrativen Schwächen, über die man aber angesichts des graphischen Einfallsreichtums lässig hinweglesen kann. Dass der Comic aufgemacht ist wie ein Bilderbuch, könnte im Handel zu Irritationen führen, wobei ein Blick hinein jedes Missverständnis ausschließt. Aber dieser Comic braucht auch selbst ein abenteuerlustiges Publikum, dem es nicht ganz an Lese- und Seherfahrung fehlen sollte, um Mitringers Leistung würdigen zu können. Kinderkram ist das jedenfalls nicht. Sondern eine Kindergeschichte für Leser jeden Alters mit Lust am Aufbruch in nie auszulotende Phantasiewelten.

05. Dez. 2017
von Andreas Platthaus

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28. Nov. 2017
von Andreas Platthaus
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Viermal ja zu Jaja

Wenn man den ungewöhnlichsten deutschen Comicverlag benennen sollte, dann wählte ich derzeit Jaja. Das in Berlin angesiedelte Haus, strenggenommen ein Häuschen, wenn nicht gar nur ein Stübchen, ist als Verlagsadresse doch „Musenstube“ (eine Ateliergemeinschaft, also auch nur der Bruchteil einer Stube) angegeben, besteht seit sechs Jahren und vor allem aus Annette Köhn. In dieser kurzen Zeit hat sie Jaja zum Forum für deutschen (oder in Deutschland lebenden) Comiczeichnernachwuchs gemacht, wobei der Nachwuchs auch gerne einmal älter sein kann wie etwa Michael Beyer alias Mic, dessen Serie „Papa Dictator“ wohl das bekannteste Produkt des Verlags ist.

Anlass dieses Textes ist denn auch meine Freude über den mittlerweile fünften Band, „Papa Dictator kriegt Besuch“. Wieder ein kleines quadratisches Schwarzweißheftchen – Ausnahme dabei war der Pracht-Hardcoverband „Weltherrschaft“ – mit farbigem Umschlag, das für vier Euro sehr viel boshaften Lesespaß bietet, hat Mic doch diesmal einen anderen skrupellosen Staatschef ins Reich des politisch völlig unkorrekten Papa Dictator geschickt; die blonde Haartolle und die seltsamen Augen verraten, wer gemeint ist – und nein: Der junge Reporter Tim ist es trotz dieser Attribute nicht.

Ein „Papa Dictator“-Album zu beschreiben, ist, wie einen Witz zu erklären: kontraproduktiv. Man sehe es sich an auf der Jaja-Website an, die weniger Lese- als Erlebensproben der Bücher bietet, hier etwa https://www.jajaverlag.com/papa-dictator-kriegt-besuch/. Erwähnt sei dann nur noch, dass es wenig niedlichere Figuren im deutschen Comic gibt als diese schwarze Bestie, die vor nichts zurückschreckt. Es sei aber hier noch auf andere Jaja-Publikationen verwiesen, denn das Verlagsprogramm ist ein Gesamtkunstwerk, ein Festival der Formate, Stile und Ideen, deren jeweilige Unvergleichlichkeit die Gemeinsamkeit ausmacht. Wie etwa Valentin Krayls „Weltenbummler“, erschienen schon im Februar, ein kleines Album (wenn auch viel größer als „Papa Dictator“), das die vielfältigen Ausflüge eines Ich-Erzählers beschreibt, die nach Belgien führen können, aber auch ins schamanistisch eröffnete geistige Reich des eigenen „Krafttiers“. In „Weltenbummler“ wird gereist und erkundet, aber stets über den Rand des Phantastischen hinaus, und die dabei verwendeten Stilformen (Leseprobe unter https://www.jajaverlag.com/weltenbummler/) weisen das Heft als ein Langzeitprojekt aus, an dem man auch die Entwicklung des Zeichners Valentin Krayl verfolgen kann.

Bei Hanna Gressnich ist das ganz anders. Ihr zauberhaftes Buch „Nichts ist doch schon etwas“ (Leseprobe unter https://www.jajaverlag.com/nichts-ist-doch-schon-etwas/)begegnete mir erst ein Jahr nach der Publikation, weil Jaja so viele kleine Comics herausbringt, dass man kaum hinterher kommt. Eine junge Frau namens Karo und ein altkluger Vogel, der Pik gerufen wird, treten als Protagonisten auf und gehen gemeinsam durch den Alltag, der durchaus auch im Flugzeug seinen Handlungsort findet – eine wunderbar skurrile Situation, die besonderer Reiz gewinnt aus der Begegnung eines Menschen mit einem comictypisch anthropomorphen Tier, dem man aber qua Aussehen immer noch besondere Kompetenz, was das Fliegen angeht, zuspricht. Hanna Gressnich arbeitet dabei mit einer klaren Cartoonlinie, die Blau-, Rot- und Gelbstifte benutzt, und in den Sprechblasen stehen Texte, die wie mit einem Computerfont gesetzt erschienen, sich aber bei genauerem Betrachten als Handlettering erweisen.

Die zahlreichen kleinen Panels, aus denen sich die Seitenarchitektur zusammensetzt, evoziert Kindercomics, aber Dramaturgie und bewusste Reduktion der Mittel sind höchst erwachsen; ein Beispiel seltener Perfektion im Programm des Jaja-Verlags, der ansonsten eher ein Herz fürs spontan wirkende Zeichnen hat. Oder zur ganz einfachen Graphik, wie sie Tanja Esch in ihrem Band „Du kannst natürlich heute noch hier schlafen“ einsetzt, einem in heftigen Farbkontrasten erzählten Liebesreigen einer jungen Frau, die von einer gescheiterten Affäre in die nächste stolpert (Leseprobe unter https://www.jajaverlag.com/du-kannst-natürlich-heute-noch-hier-schlafen/). Im Gegensatz zum Titel des Buchs, der ähnlich wie bei Gressnichs Comic der seit Mawils „Wir können ja Freunde bleiben“ nie wieder abgeflauten Welle von Phrasentiteln zuzurechnen ist, überzeugt die Originalität, mit der Esch durch die bewusst schlicht gehaltenen Figuren einen subtilen Kontrast zum hochkomplizierten Beziehungsleben der Protagonistin schafft. Der stete Wechsel zwischen ganzseitigen Panels und kleinteiligen sonstigen Seitenarchitekturen mag dagegen Anna Haifisch abgeschaut sein. Die Lakonie des Erzählens verbindet die beiden jungen Zeichnerinnen ohnehin.

Mehr als fünfzig Autoren sind beim Jaja-Verlag mittlerweile vertreten, wobei nur die Wenigsten mehrere Titel zu bieten haben. Das mag an der steten Neugier von Annette Köhn liegen, womöglich aber auch daran, dass nur Einzelne es geschafft haben, ein größeres Publikum für ihre Comics zu begeistern. Die Bücher des Jaja-Verlag zu entdecken, ist das eigentliche Problem, denn die Darstellung im Netz wird trotz der ungewöhnlichen Präsentation dem Einfallsreichtum an jeweiliger Gestaltung nicht gerecht, und außer dem Berliner Haus Neurotitan kenne ich keine Verkaufsstelle, die eine größere Palette der Verlagserzeugnisse ausliegen hätte. Mehr Mut muss man Annette Köhn nicht wünschen, wohl aber dem Comicfach- oder auch gewöhnlichen Buchhandel bei der Präsentation von Jaja-Heften. Köhn dagegen wäre Unmut anzuraten, wenn ihre Autoren sich nach einem schönen Debüt wieder vom Comic abwenden. Zur Autorenpflege gehört auch verlegerisches Drängeln und Einfordern. Bei Esch, Gressnich und Krayl würde es sich wohl allemal lohnen. Bei Mic ist es erfreulicherweise nicht nötig.

28. Nov. 2017
von Andreas Platthaus
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21. Nov. 2017
von Andreas Platthaus

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Panik unter Wasser

Der Rostocker Hinstoff-Verlag, der an dieser Stelle schon mehrfach vorkam, hat ein klares Programm, was Comics angeht: Maritim müssen sie sein. Für Kristina Gerhmanns „Im Eisland“, der in drei Bänden über die Expedition von Sir John Franklin in die Arktis erzählte, gab es prompt den Deutschen Jugendliteraturpreis – das können noch nicht viele Comics von sich behaupten. Dann kam ein Störtebeker-Comic, also wieder etwas Maritim-Historisches, und nun erscheint ein Band, der in der Gegenwart spielt du reine Fiktion ist: „Der Unterwassserschweißer“.

 

Geschrieben und gezeichnet hat ihn mit Jeff Lemire ein hochgehandelter kanadischer Autor, der mit „Essex County“ einen lupenreinen Independent-Autorencomic vorgelegt, aber auch schon für den Marvel-Verlag im Superheldengeschäft gearbeitet hat. Wenn man einen graphischen wie geschäftstrategischen Vorläufer nennen wollte, dann müsste es der Amerikaner Ted McKeever sein, der in den frühen neunziger Jahren mit „Metroland“ einen phantastischen Heftzyklus publiziert hat du dann auch für die großen Comicverlagshäuser arbeitete. Wie McKeever ist Lemire ein grandioser Schwarzweißstimmungskünstler. Sein „Unterwasserschweißer“ erschien im Original schon 2012 und war die bislang letzte Arbeit Lemires für den ambitionierten Topshelf-Verlag, eine Leseprobe findet sich hier: https://www.ppm-vertrieb.de/Comics/Hinstorff/Der-Unterwasser-Schweisser::310202.html.

Der Umfang ist stolz: 215 Seiten. Das ist viel für eine eigentlich ganz simple Erzählung, in der ein professioneller Taucher namens Jack in einem kleinen nordamerikanischen Fischerdorf an der fiktiven Tigg’s Bay mit Dämonen seiner Vergangenheit konfrontiert wird. Die kommen zur falschen Zeit, weil gerade besonders konzentrierte Arbeit nötig ist: Nicht nur ist die Tätigkeit als Unterwasserschweißer anspruchsvoll und gefährlich; Jacks Frau erwartet zudem Nachwuchs, und auch diese absehbare Änderung der Lebensumstände trägt nicht zur Beruhigung des Tauchers bei. Sind doch die Schatten der Vergangenheit eng verbunden mit dem eigenen Vater, und nun wird es selbst bald ein Kind haben.

Mehr zu erzählen würde den Reiz der Geschichte zerstören, die bewusst mit dem Übersinnlichen spielt, sanfte Horrorelemente und am besten wohl als Psychothriller charakterisiert wäre, wenn Lemires Stil nicht etwas zu harmlos dafür wäre, ohne jene Exzentriken, die Ted McKeevers Zeichnungen abgründig machten. Aber dafür versteht sich Lemire auf Spannungsaufbau und höchst abwechslungsreiche Seitenarchitektur. Und wie er die Unterwasserszenen und vor allem dabei die zwischen Rausch und Panik angelegten Visionen Jacks anlegt, das ist eindrucksvoll.

Der Stoff ist bereits für eine Kinoadaption verkauft worden, allerdings haben die Dreharbeiten noch nicht begonnen; man darf gespannt sein, ob die subtile Graphik als Vorlage für eine Realverfilmung taugt. Wenn sie aber in ein paar Jahren kommen sollte, dann hat Hinstorff womöglich einen vielversprechenden Schläfer im Programm. Wer zur Avantgarde zählen will, lese aber besser jetzt. Fünf Jahre Verspätung gegenüber der englischen Fassung sind ja genug.

21. Nov. 2017
von Andreas Platthaus

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13. Nov. 2017
von Andreas Platthaus

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Der Krimi zweier Legenden

Zunächst einmal das: Zeigen kann ich hier nur eine Seite aus dem Comic (http://kultur-online.net/files/exhibition/04_3747.jpg). Denn die Berliner Akademie der Künste als Auftraggeber und Steffen Thiemann als Zeichner (oder besser Holzschneider) dieses Comics haben selbst keine Bilder daraus ins Netz gestellt. Und die beiden Szenaristen konnten es nicht tun; sie sind schon lange tot. Trotzdem ist es interessant, im Netz nach „Mord im Fahrstuhlschacht“ zu suchen, denn dabei stößt man vor allem auf ein Verbrechen, das 2016 in Leipzig vor Gericht verhandelt wurde. Es gibt nichts Neues unter der Sonne, oder anders gesagt: Brecht und Benjamin waren einmal mehr ihrer Zeit voraus, 83 Jahre diesmal.

Ihr „Mord im Fahrstuhlschacht“ stammt von 1933, als beide sich im Pariser Exil trafen und eine gemeinsame Leidenschaft fruchtbar machten: die für Kriminalromane. Allerdings ging das Projekt nicht über fünf mit „Tatsachenreihe“ betitelte Brechtsche Typoskriptseiten hinaus (die, wie bei ihm üblich, eine seiner Geliebten schrieb, weshalb man Margarete Steffin wohl als dritte Autorin bei „Mord im Fahrstuhlschacht“ nennen sollte) beziehungsweise über eine handschriftliche Szenenfolge, die Benjamin notiere und in einem Briefumschlag mit der Aufschrift „Kriminalroman“ hinterließ, in dem sich noch ein paar Bemerkungen dazu fanden. Die beiden Entwürfe  wurden unabhängig voneinander 1989 in den jeweiligen Werksuasgaben publiziert. Dass sie etwas miteinander zu tun hatten, merkte erst mein hochgeschätzter Kollege Lorenz Jäger, der diese Entdeckung 1993 im „Brecht-Jahrbuch“ vorstellte und ihm den Titel gab, der nun auch auf dem Comic steht: eben „Mord im Fahrstuhlfach“. Also gibt es – Ehre, wem Ehre gebührt – mit ihm auch noch einen vierten Verfasser.

Aber nun endlich zur Sache selbst, Thiemanns Comic. Angefertigt wurde er anlässlich des aktuell in der Akademie laufenden Aussstellung „Benjamin und Brecht – Denken in Extremen“, und es gibt ihn in zwei Versionen: einmal im sehr schönen bei Suhrkamp erschienenen Katalog und dann als Separatpublikation der Akademie. Ich empfehle Letztere, nicht nur, weil sie mit 7,50 Euro deutlich billiger ist, sondern vor allem, weil sie mehr als doppelt so groß ist, und das bekommt den Holzschnitten von Thiemann exzellent. Dazu gibt es im reinen Comic noch ein Nachwort des Literaturwissenschaftlers Erdmut Wizisla, das genaue Auskunft über die Geschichte der seltsamen Geschichte gibt. Und ein alternatives Titelblatt, das wesentlich dramatischer ist als das im Katalog, das allerdings wiederum im Heft fehlt. Also sollten Liebhaber kurzerhand beide Publikationen kaufen.

25 Seiten umfasst der Comic, nicht schlecht für das denkbar spärliche Ausgangsmaterial. Zumal sich Thiemann sklavisch an Brechts Text hält und ihn  Wort für Wort in Holz geschnitten hat. Da die getippte Projektskizze keine Dialoge hält, sondern nur die Handlung beschreibt, gibt es auch im Comic kaum wörtliche Rede, obwohl die ersten Sätze als Sprechblasen angelegt sind, die Brecht seiner Geliebten Steffin beim Rasieren diktiert. Und auch Benjamin kommt zu Wort und Bild: mit „Fußnoten“, die seine hinterlassenen Bemerkungen zum Gemeinschaftsprojekt wiedergeben – eine wunderbare Lösung, die so erstmals beide Überlieferungen literarisch zusammenführt.

Thiemann, Jahrgang 1966, versteht sich als Theater- und Hörspielautor aufs Montieren von Szenen und Texten. Aber er ist auch ein guter Holzschneider, der sich hier biographisch passend auf den expressionistischen Stil der zwanziger Jahre bezieht, auf Masereel, Kirchner, Heckel, auch Grosz. Es gibt wohl kaum eine andere Ästhetik, sie sosehr Berlin in seiner (kulturell) goldenen Phase heraufbeschwört, und so muss man gar keinen weiteren Gedanken daran verschwenden, wo „Mord im Fahrstuhlschacht“ spielt – obwohl der Handlungsort mit „M…“ bezeichnet wird.

Erzählt wird die Geschichte von Karl Seifert, der angeblich als Handlungsreisender unterwegs ist, aber tatsächlich Aktiengesellschaften erpresst, indem er ein häufiges Versäumnis bei deren Publizitätspflichten ausnutzt. Es ist bemerkenswert, wie Brecht und Benjamin hier ein reales Phänomen zur Grundlage einer Geschäftsidee ihres erpresserischen Protagonisten machen, die erst einmal gar nichts Kriminelles hat. Seifert nutzt gnadenlos die rechtslage aus: Sein Drohpotential ist eine Anzeige, die eine empfindliche Geldstrafe nach sich zöge. Ihn auszuzahlen, kommt billiger.

Auf diese Tricks wird mehr zeit verwandt als auf den titelgebenden Mord im Fahrstuhlschacht (der aber ja eh nicht Brechts und Benjamins Titel war). Der ereignet sich als eine höhere Gerechtigkeit, und es ist einigermaßen kompliziert, wie es dazu kommt. Denn man merkt auch Brecht den Theaterkenner (und polygamen Liebhaber) an, der ein munteres Wechsel- und Verwechselspiel zwischen Ehefrau und Liebschaften von Herrn Seifert in Gang setzt, die ein böses Ende nehmen. Ein Whodunnit ist diese Geschichte nicht, eher ein Moralstück. Es hätte aber ohnehin nur Auftakt sein sollen für eine Serie (deshalb der Typoskripttitel „Tatsachenreihe“) um eine stehende Figur, den pensionierten Richter Lexer (nomen est omen), der jedoch hier erst am Rande auftritt – und hätte Benjamin nicht zwei seiner „Fußnoten“ zu ihm hinterlassen, würde man Lexers detektivischen Blick gar nicht bemerken.

Thiemann hat erkennbar Spaß an seiner Adaption, sie quillt über von kleinen Details, und Brecht und Benjamin selbst sind wichtige Zaungäste des Geschehens. So wird die gemeinsame Arbeit an „Mord im Fahrstuhlschacht“ gespiegelt im Comic, der darüber hinaus kluge Bildübergänge und -allegorien zu bieten hat. Für 25 Seiten ist das eine beeindruckende Ausbeute. Nur, dass die Klimax vier ganzseitige Bilder gewidmet bekommt, ist ein wenig übertrieben, so schön jedes einzelne davon geraten ist. Aber „Mord im Fahrstuhlschacht“ ist eine echte Entdeckung, und das also schon zum zweiten Mal.

13. Nov. 2017
von Andreas Platthaus

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