Filmfestival

© Biennale di Venezia/dpaRoman Polanskis neues Werk wird im Wettbewerb von Venedig Premiere feiern: Szene aus „J’accuse (An Officer and a Spy)“.

Zumindest die Filmauswahl der diesjährigen Festspiele von Venedig verspricht alles, was ein spannendes Festival auszeichnet: hochkarätige Filme, viel Starglamour und mehr als eine Kontroverse. Denn bereits im Vorfeld wurden hitzige Diskussionen ausgelöst. Schließlich ist die Anzahl der Regisseurinnen im Wettbewerb dieser 76. Ausgabe aufs Neue verschwindend gering, und Streamingdienste wie Netflix sind prominent vertreten. Für besonderen Wirbel sorgte außerdem bereits, dass Roman Polanskis neuer Film zu sehen sein wird.

Unser Filmkritiker Dietmar Dath wird auch in diesem Blog vom Festival berichten.

Los geht es am Mittwoch, dem 28. August, mit dem Familiendrama „The Truth“. Der Japaner Kore-eda Hirokazu, der im vergangenen Jahr in Cannes die Goldene Palme für „Shoplifters“ gewann, drehte dafür erstmals außerhalb seiner Heimat und vereint nun Catherine Deneuve, Juliette Binoche und Ethan Hawke auf der Leinwand. Auch in den Tagen darauf werden zahlreiche Stars über den roten Teppich der Lagunenstadt laufen: Erwartet werden Meryl Streep, Brad Pitt, Johnny Depp, Scarlett Johansson und Robert Pattinson. Für den Abschlussfilm könnte am 7. September schließlich noch Mick Jagger vorbeischauen.

Das unterstreicht auch, wie wichtig das Filmfest für Hollywood geworden ist. Immerhin konnte sich Venedig als erste große Bühne für mögliche Oscarkandidaten etablieren – viele Filme, die in Vorjahren auf dem Lido Weltpremiere feierten, gewannen später Oscars, darunter „Roma“, „La La Land“ und „Shape of Water“.

Zu den Hollywood-Schwergewichten zählen in diesem Jahr gleich mehrere Filme: In „Joker“ spielt Joaquin Phoenix den legendären Schurken und Batmans Erzfeind, „Ad Astra“ hingegen ist ein Science-Fiction-Thriller, der mit Brad Pitt, Tommy Lee Jones, Ruth Negga, Liv Tyler und Donald Sutherland äußerst starträchtig besetzt ist. „Waiting for the Barbarians“ mit Johnny Depp und Robert Pattinson wiederum basiert auf einer Buchvorlage des Südafrikaners J. M. Coetzee und handelt von Immigration und Rassismus.

Für Gesprächsstoff dürften auch die Produktionen von Streamingdiensten sorgen. Während das Festival Cannes im Streit um Vertriebsrechte Werke von Streamingdiensten rigoros aus dem Wettbewerb ausschloss, ist Venedig in dieser Hinsicht offener. So haben es Steven Soderberghs Drama „The Laundromat“ mit Meryl Streep und Gary Oldman über die Panama-Papiere sowie Noah Baumbachs Scheidungsdrama „Marriage Story“ mit Scarlett Johansson und Adam Driver in das Rennen um den Goldenen Löwen geschafft.

Noch kontroverser wurde allerdings die Ankündigung aufgenommen, dass von den 21 Beiträgen im Wettbewerb gerade einmal zwei von Frauen stammen – die Quote ist damit weiterhin gering. Immerhin wird die Jury in diesem Jahr von der argentinischen Regisseurin Lucrecia Martel geführt, die damit die erst siebte Frau in dieser Position ist. Außerdem ist einer der Filme zugleich ein kleiner Erfolg für Deutschland: „The Perfect Candidate“ der Regisseurin Haifaa Al Mansour aus Saudi-Arabien ist eine deutsche Koproduktion.

Wahrscheinlich wird aber ein Mann all diese Debatten in den Hintergrund drängen: Roman Polanski. „J’accuse (An Officer and a Spy)“ ist das neue Werk des 86 Jahre alten Regisseurs, das im Wettbewerb Premiere feiern wird. Die Oscarakademie hatte ihn 2018 im Zuge der #MeToo-Bewegung ausgeschlossen; in seinem Fall geht es um sexuellen Missbrauch eines 13 Jahre alten Mädchens im Jahr 1977. Ob Polanski nun selbst nach Venedig kommt? Das ist noch unklar. Allein mit der Einladung löste Festivaldirektor Alberto Barbera eine Kontroverse aus, die während des Filmfests sicher noch einmal aufflammen wird. (dpa)

Einer der drei überragenden Filme des Festivals musste der Gewinner werden, und es wurde Bong Joon Ho. Sein „Parasite“ war ein Höhepunkt in den letzten Tagen des Festivals. Bong hat schon einige Filme in Cannes gezeigt, und sein Drama mit komischen Momenten über die Infiltrierung eines superreichen Haushalts durch eine superarme, aber auch superclevere Familie ist ein hochverdienter Gewinner dieses Festivals.

In Cannes geht es anders zu als bei den Oscars. Jeder Film darf nur einen Preis gewinnen, und so war mit der Palme für das beste Drehbuch für Céline Sciammas großartigen „Portrait de la jeune fille en feu“ klar, dass die Goldene Palme und auch der Große Preis des Festivals – eine Art zweiter Preis – nicht an die Französin für ihren ungewöhnlichen Kostümfilm gehen würde. Dasselbe galt für Pédro Almodovars „Dolor y Gloria“, als Antonio Banderas als überragender Schauspieler des Festivals den Darstellerpreis entgegen nahm, ihn Almodovar widmete und meinte: „Das Beste kommt noch.“ Das ist ein großes Versprechen. Auch Mati Diop, die mit „Atlantique“ einen meiner Lieblingsfilme in diesem Jahr gedreht hat, in dem sie die Flüchtlingsfrage einmal von der anderen Seite zeigt – von Dakar aus gesehen -, war unter den Gewinnern. Der Große Preis des Festivals wird hoffentlich für Rückenwind bei der Kinoauswertung auch jenseits von Frankreich sorgen. Ihr wunderbar poetischer Film, in dem sich verschiedene Erzähl- und Glaubenstraditionen kreuzen, sei jedem empfohlen, der meint, er müsse für Verständnis der Sorgen von wohlversorgten Menschen in Europa werben.

Es gab allerdings zwei Überraschungen, zu denen ich nun sagen kann: Ehrlich? Der Regiepreis für die Brüder Dardenne für “Le jeune Ahmed”. Die beiden haben schon zwei Goldene Palmen unter dem Gürtel und noch einige andere Preise. In diesem Jahr kamen sie wieder mit einem in seiner Machart typischen Dardenne-Film über einen muslimischen Jungen, der sich auf den Jihad vorbereitet, indoktriniert von einem Iman, und seine Lehrerin töten will. Das abrupte Ende des Films zeigt, dass das Drehbuch eine überkomplexe Situation in einer unterkomplexen Erzählung nicht bändigen konnte. Es war einer der schwächsten Dardenne-Filme seit Jahren, umso erstaunlicher, dass er hier die Regie-Palme gewann.

Dasselbe gilt für Emily Beecham in Jessica Hausners „Little Joe“. Mir hat der Film überhaupt nicht gefallen, und Emily Beecham in ihrer zombiehaften Darstellung einer Botanikerin auch nicht. Aber so geht`s. Insgesamt ein schönes Ergebnis am Ende dieses herrlichen Festivals.

Die letzten Filme sind gelaufen, und die Kritikerlisten in den täglichen Magazinen, die für die Jury gar nichts zu bedeuten haben, stehen zum großen Teil. Hier sind meine Favoriten. Meine Favoriten heißt: So würde ich die Preise vergeben. Nicht: Das sind meine Tipps für die Preisvergabe. Die habe ich nicht. Eine Jury ist ein haariges Biest. Es bilden sich Koalitinen. Deals werden gemacht. Niemand kann wissen, wohin das führt.

Obwohl längst mal wieder eine Frau dran wäre, die Goldene Palme zu gewinnen – Jane Campion ist mit dem „Piano“ immer noch die einzige, und das ist unfassbare 26 Jahre her: Dieses Jahr sollte Pédro Almodovar derjenige sein, der sie kriegt. Sein „Dolor y Gloria“ war für mich der überzeugendste Film des Wettbewerbs. Allein die Szene des ersten Begehrens, das den kleinen Jungen sicherheitshalber in eine Ohnmacht schickt, ist diesen Preis wert. Ich wäre aber auch sehr zufrieden, wenn sich die Jury für „Portrait de la jeune fille en feu“ von Céline Sciamma entscheiden würde. Und auch gegen Bong Joon Ho und seinen „Parasite“ hätte ich gar nichts einzuwenden.

Drei Kandidaten für die Goldene Palme, hinter denen ich mit ganzem Herzen stehen würde: Das gab es schon sehr lange nicht mehr (oder überhaupt noch nie?). Was für die Qualität des Festivals in diesem Jahr spricht. Wenn es fair zuginge, was bei Preisverleihungen meistens nicht der Fall ist, sollten sich die drei großen Preise (Goldene Palme, Großer Preis, Jurypreis) auf diese drei Filme verteilen. Dann wäre ich froh.

Die Ärgernisse waren geschickterweise auf die letzten zwei Tage gelegt worden, als der Hunger nach guten Filmen schon nicht mehr so groß war. Gab es also Filme, die hoffentlich nichts gewinnen werden? Oh ja. Quentin Tarantino sollte leer ausgehen. Ebenso Terrence Malick mit seinen sauberen Bauern unter katholischem Himmel. Und dass Abdellatif Kechiche mit seinen dreieinhalbstündigen ZickZack-Schnipseln von schwingenden Frauenhintern („Mektoub, My Love: Intermezzo“) nichts kriegen wird, sollte sich von selbst verstehen. Ebenso wird Justine Triet für ihren unfasslich dämlichen „Sibyl“, so vermute ich, nicht in die nähere Wahl kommen. In meine auf jeden Fall nicht.

Bei den Schauspielern ist Antonio Banderas aus dem Almdovar-Film meine erste Wahl. Möglich wäre auch Pierfrancesco Favino in der Titelrolle von Marco Bellocchios „Il Traditore“, einem Mafia-Film, den ich überflüssig fand, wenn auch sehr gut gemacht. Aber ich finde seit der „Paten“-Trilogie mehr oder weniger alle Mafia-Filme entbehrlich. Es sei denn, jemand fände mal einen anderen Ansatz. Frauen, Kinder zum Beispiel. Aber Favino war großartig, ungewöhnlich, überzeugend. Bei den Schauspielerinnen sind meine Favoritinnen das Paar Noémie Merlant und Adèle Haenel aus „Portrait de la jeune fille en feu“. Regiepreise: siehe oben. Wenn sich die Hauptpreise anders verteilen, als ich mir das wünsche, kommt jeder der oben Genannten auch für die Regie-Palme infrage. Dort wäre aber auch Mati Diop für „Atlantique“ eine Kandidatin, die von mir aus übrigens gern auch  den Großen Preis oder den Jurypreis kriegen kann. Und der brasilianische „Bacurau“ des Duos Kleber Mendonca Filho & Juliano Dornelles muss auch unter den Preisträgern sein.

Meistens gibt es noch irgendeinen besonderen Preis, den die Jury aus dem Ärmel zieht. Mal sehen. Am Samstag Abend ist es soweit.

Langsam trudeln die ersten Gesamtbewertungen des Festivals ein, vor allem in den Branchenpublikationen. Die drei großen, „Variety“, „Hollywood Reporter“ und „Screen“, sind englischsprachig. Und bei ihnen steht zu lesen: Alles gut und schön in diesem Jahr, aber wo bitte bleiben die Stars? Die einzigen, die sie in dieser Kategorie gelten lassen, sind offenbar Brad Pitt und Leonardo DiCaprio. Leider können die nicht jeden Abend über den roten Teppich laufen, so wie gestern. Ah, und Elton John schon auch. Es ist ein paar Tage her, dass er hier war und draußen am Steg des Strands vom Carlton Hotel ein Lied sang.

Keine Stars. Das ist lustig. Schon am ersten Abend trotteten Bill Murray, Adam Driver, Chloë Sevigny, Selena Gomez und Tilda Swinton in den Festivalpalast, im dem Charlotte Gainsbourg und Javier Bardem kurz darauf das Ereignis für eröffnet erklärten. Antonio Banderas, Penelope Cruz, Marion Cotillard, Jean Dujardin, Isabelle Huppert, um nur einige zu nennen – Oscarpreisträger darunter -, folgten. Und am Abend der Tarantino-Premiere hätte jemand nur die Namensschilder auf den reservierten Sitzen abzuschreiben brauchen, um die Stardichte zu messen. Da saßen in einer Reihe Ruben Ostlund, Walter Salles und Timothée Chalamet und dahinter Andie MacDowell.

Am selben Tag war Song Kang ho in Cannes, der in dem großartigen Wettbewerbsfilm „Parasite“ von Bong Joon Ho eine Hauptrolle spielt. Er ist der koreanische Superstar schlechthin, und das nicht erst seit „The Host“. Zhang Ziyi, die First Lady des chinesischen Kinos, gab eine Masterclass. Alain Delon bekam die Ehren-Palme. Anouk Aimée und Jean-Louis Trintingnant, die Stars von „Ein Mann und eine Frau“ von vor sehr langer Zeit, haben mit Claude Lelouch, dem Regisseur von damals, eine Art Fortsetzung gedreht. Von dem Applaus, mit dem die Vorstellung endete, konnte Tarantino nur träumen.

Frankreich ist eine Filmnation. Die Franzosen lieben ihre Stars und die aus anderen Ländern auch. Sie brachten Hollywood und den Studiofilmen die intellektuelle Anerkennung in den späten Fünfzigern, die bis heute ihre Aufmerksamkeit für das, was sie die siebte Kunst (hier stand in einer frühen Fassung: die vierte! Ein Versehen, es war spät, Nachsicht erbeten) nennen, schärfen. Ganz egal, woher sie kommt. Anders als in den Vereinigten Staaten laufen fremdsprachige Filme in Frankreich nicht unbedingt schlechter als die eigenen.

Die Amerikaner indessen, so scheint es, können sich fremde Namen nicht so gut merken. Aber vielleicht hat es ja eine Wirkung auf die Kollegen, wenn der Oscar für den besten fremdsprachigen ab nächstem Jahr für den „besten internationalen Film“ vergeben wird. Während der Rest des Landes sich in Abkapselung übt, könnte wenigstens im Filmgeschäft gelten: Raus aus der Provinz Hollywood. Das wäre was.

Meine Bewertung des Festivals kommt in der Nacht vom Freitag auf Samstag. Mit Favoritenliste, wie jedes Jahr. Die Palmen werden Samstag Abend vergeben.

Ist es Traum oder Alptraum eines jungen Filmemachers, wenn Quentin Tarantino in seiner Premiere auftaucht? Schwer zu sagen. Midi Z aus Myanmar war offenbar vorbereitet. Er stand mit zwölf seiner Teamkollegen auf der Bühne und erklärte, sein Film sei als Film im Film strukturiert, ein Format, dass auch Tarantino mag. Deshalb sei es fast ganz natürlich, sozusagen selbstverständlich, dass er auftauche: „Hi, Quentin.“ Der winkte zurück, stand auf, hob den Arm in einer Imperatorgeste und setzte sich wieder. Tarantino, für den eine ganze Sitzreihe freigehalten worden war, die sich mit Beginn der Vorstellung aber füllte, war während des gesamten Films überaus aufmerksam. Lehnte sich vor, saß aufrecht, schlief nicht. Ich weiß das, weil ich hinter ihm saß.

Der Film hieß „Nina Wu“ und lief in der Nebenreihe Un certain regard. Die beiden Hauptdarstellerinnen waren Wu Ke-xi in der Titelrolle und Sung You-hua als ihre beste, aber auch zwielichtige Freundin. Das ist das einzige, was ich mit Sicherheit über diesen Film, der in Taiwan auf Mandarin produziert wurde, sagen kann. Mehre Erzählstränge verdrehen sich möbiusbandartig ineinander, oder ist es immer derselbe? Midi Z arbeitet mit Wiederholungen, leichten Variationen, neuen Motiven, viel Rot und viel Geschrei, und mysteriöse Dumplings haben auch ihren Auftritt.

Kino ist Kontext – und der Kontext, den die Anwesenheit von Tarantino schuf, hieß Harvey Weinstein, #MeToo, sexualisierte Gewalt beim Casting und am Set, die ganze Chose, die seit den ersten Enthüllungen über Weinsteins Nötigungen, Übergriffe, möglicherweise Vergewaltigungen aufgebrochen ist.

Tarantino, der Harvey Weinstein seine Karriere verdankt und mit seinem neuen Film zum ersten Mal ohne diesen genialen Strippenzieher auskommen muss (eine Position, aus der heraus er seine Schweinereien begangen hat), hat sich schnell von ihm distanziert. Gegenüber Uma Thurman, die ihm respektloses Verhalten am Set vorwarf, hat er sofort um Vergebung gebeten.

Es geht nicht um ihm, wenn „Nina Wu“ den Eindruck hinterlässt, der Film sei ein Re-enactment vieler Erzählungen billigsten Missbrauchsverhalten in der Filmindustrie. Es soll auch eine poetischere Ebene geben, die ich nicht verstanden habe. Was ich gesehen habe, war dies: wie ein Produzent verschiedene Frauen zum Casting kommen lässt, Sexszenen zum Vorsprechen aussucht, und Darstellungsmöglichkeiten prüft, indem er die Frauen als Hunde auf dem Hotelteppichboden herumkriechen lässt. Möglicherweise galt die Aufmerksamkeit Tarantinos nicht nur diesem Werk, sondern auch dem Saal, in dem es aufgeführt wurde. Es war nämlich das Kino, in dem am Dienstag Nachmittag die erste Pressevorführung seines hier heiß erwarteten Films „Once Upon a Time in Hollywood“ stattfinden wird. Eine Projektion in 35mm. Um neunzig Minuten versetzt beginnt die Gala nebenan im großen Saal. Und am Montag schon hatte man den Eindruck, es wird sich um eine historische Stunde handeln.

Der Aufmarsch auf dem roten Teppich wird jedenfalls eindrucksvoll sein. Und historisch insofern, als Tarantino auf den Tag genau vor 25 Jahren am selben Ort „Pulp Fiction“ vorstellte. Der Film wurde damals gemischt aufgenommen. Er war der letzte Film des Festivals, und manche haben ihn gehasst, manche als einen Weg in die Zukunft gefeiert, weil er etwas Neues ins Kino brachte, eine neue Coolness, die eine alte ablöste. Tarantino gewann die Goldene Palme. Und auch damit wurde Harvey Weinstein für mehr als zwanzig Jahre der König von Cannes. Der alle Parties beherrschte. Jeden Raum. Der die Puppen tanzen ließ, wie es damals hieß. Erst seit kurzem wissen wir, was das eigentlich bedeutete.

Die meisten Stars, bei allem, was man so über sie hört, möchte ich nicht in meiner entfernten Verwandtschaft haben. Die meisten haben keine Manieren, sind eitel, anmaßend, selbstmitleidig und sicher noch eine ganze Menge anderer Dinge, die mir nicht gefallen. Rechts oder auch rechtsradikal sind einige, misogyn eine ganze Menge, und nicht alle engagieren sich für den Klimaschutz. Also? Keine Preise mehr für sie?

Das war die Frage, als das Festival sich entschloss, einem der größten Stars des französischen Nachkriegskinos die Ehrenpalme für sein Lebenswerk zu geben: Alain Delon, inzwischen dreiundachtzig. Fraglos ein Schauspieler, der in fast all seinen Rollen den Kinoraum füllte mit einer Präsenz, einer Technik auch, die umwerfend waren. Und sehr gut über die Zeit gekommen sind, wie eine Wiederaufführung von Joseph Loseys „Mr. Klein“ aus dem Jahr 1976 vor Augen führte. Der Film war eine interessante Wahl für diesen Abend der Preisverleihung. Denn es geht um einen französischen Kunsthändler im Paris des Jahres 1942, der die Notlage vieler Juden ausnutzt, die ihre Kunst verkaufen müssen. Einer rächt sich. Und Mr. Klein / Alain Delon wird einer von ihnen. Deportiert. Rechtlos. Jüdisch. Interessant war die Wahl, weil Joseph Losey (mit dem Delon eine ganze Reihe von Filmen drehte) Kommunist war und Alain Delon mit den Le Pens befreundet ist. Auch das wurde ihm und dem Festival im Vorfeld als Ausschlusskriterium für diesen Preis vorgeworfen. Doch das Festival blieb bei seinem Standpunkt. Es zeichne Künstler aus. Keine Meinungen. Nicht einmal Haltungen. Es gab eine Petition gegen Delon, mit angeblich mehr 20.000 Unterschriften. Aber am Abend selbst machte niemand Krawall. Im Gegenteil. Alain Delon wurde gefeiert.

Und das war richtig so. Niemand war aufgerufen, etwas anderem zu applaudieren als seiner Lebensleistung im Kino. Er selber sagte das in seiner kurzen Dankesrede auch noch einmal. Und er sagte noch etwas: Nicht ein Regisseur macht einen Star. Nicht ein Film macht einen Star. Es ist das Publikum. Und hatte damit alle auf seiner Seite.

Die Kameraleute der Fernsehanstalten haben eine harte Zeit an solchen Abenden. Längst haben sie immer wieder ihre Kamera über das Plakat geschwenkt, das überall im Festivalpalast hängt und von dem Alain Delon in sehr jungen Jahren umwerfend schön auf einen hinabblickt. Dann bringen sie sich eng an eng in ihren Smokings hinter der letzten Stuhlreihe im abschüssigen Kinosaal in Position, haben eigentlich die beste Sicht zur Bühne hin, aber wenn Alain Delon den Saal betritt, springen vor ihnen alle auf und halten ihre Mobiltelefone hoch, um selbst zu filmen. Und die Fernsehkameras schauen auf tausend Rücken und sonst nichts.

Alain Delon hatte seine Tochter dabei, die für ihren Vater sprach und nicht versuchte zu verbergen, wie bewegt sie war. Tränen auf allen Seiten gehören zu solchen Abenden sowieso dazu. Natürlich bedankte sich Delon auch noch selbst, nachdem er den Kasten mit der Goldenen Ehrenpalme in der Hand hielt und die Menschen so lange applaudiert hatten, bis auch er tränenüberströmt dastand. Er sagte, das Schwerste sei der Abschied. Dieser Preis werde ihm postum zu Lebzeiten verliehen. Nun bereite er sich darauf vor zu gehen. Und das wolle nicht tun, ohne sich zu bedanken. Beim Publikum.

Viele seiner Meinungen sind indiskutabel. Aber wie Alain Delon diesen Tag hinter sich brachte, das hatte Klasse weit über die Rührung hinaus.

Gerade veröffentlichte ein englisches Branchenmagazin die Preise für Eintrittskarten zu den beliebtesten Vorführungen und Parties. Schwarzmarktpreise, versteht sich. Kein Ticket wird hier offiziell verkauft. Wer für die Eröffnung mit Jim Jarmuschs „The Dead Don’t Die“ 5500 Dollar bezahlt hat, um im Orchester zu sitzen, werden wir nicht erfahren. Auf dem Balkon war das schon für 2800 Dollar zu haben, die Party danach musste einem weitere 2500 Dollar wert gewesen sein. Doch an den meisten anderen Tagen kosten die Eintrittskarten fürs Kino nur zwischen 1000 und 2000 Dollar, allerdings ist für „Rocketman“, Tarantino und „Rambo“ zum Abschluss unter 2300 Dollar nichts zu machen gewesen: Die Preise für diese Filme gehen hoch auf 4500Dollar.     

Kino ist ein Volksvergnügen, deshalb sind die Partys danach teurer. So stand es in “Screen Daily” zu lesen: 6000 Dollar für die Elton-John-Party, 8000 für die von Chopard, 11.000 bei Vanity Fair, alles Feste mit strikter Einladungspolitik und penibel kontrollierten Namenslisten.  Aber irgendwie kommen die Leute, die soviel Geld bezahlt haben, offenbar doch überall rein, mit falschen Identitäten vermutlich? Die hat hier sowieso fast jeder. Am teuersten ist der Eintritt, so will ich es mal nennen, für die „AMFAR Night Before – Leonardo DiCaprio Villa Dinner Party mit Tarantino“. Er kostet 13.500 Dollar. Termin ist der 22. Mai. Vielleicht ist die eine oder andere Restkarte noch da. Vielleicht aber ist das Ganze auch ein großes Betrugsgeschäft, und es gibt gar keine Tickets, selbst nicht für soviel Geld?

Es traf sich gut, dass ich bei einem Mittagessen am selben Tag (auf Einladung) einen Kollegen von der „Bunten“ traf, der vermutlich der berühmteste Gesellschaftsreporter Deutschlands ist und gern Auskunft gab, wie er das macht – überall eingeladen zu sein, auf allen Listen zu stehen, von einer Party zur nächsten zu hüpfen, und das schon seit vielen vielen Jahren und natürlich ohne zu bezahlen. Von Elton John zu Chopard, vom Hotel Eden Rock in Antibes zur exklusiven Starvilla in den Bergen hinter Cannes. Die verblüffende Auskunft des Kollegen: Er telefoniert herum. Ich hatte gedacht, er sortiert zu Hause in München schon seit Anfang Mai die Einladungen, sagt zu oder ab, wählt aus. Weit gefehlt. Er überlegt,wo er hinwill, und dann hängt er sich ans Telefon. Meistens ist es mit einem Mal nicht getan. Alles, was im privaten Umgang absolut verboten, unangemessen, peinlich ist, ist im Business offenbar Geschäftsgrundlage. Sich selbst einladen! So kommt man zum Ziel. Sollte die Party das Ziel sein.

Ob es für Maradona eine Party geben wird, habe ich den Fachmann vergessen zu fragen. Der Fußballer, der größte aller Zeiten nach oder mit Pelé, wie viele meinen, wird für den Dokumentarfilm von Asif Kapadia erwartet. Nach „Senna“ und „Amy“ ist „Diego Maradona“ die dritte übermächtige Persönlichkeit, der Kapadia sich gewidmet hat, mit dem Unterschied, dass dies kein Nachruf ist.

Ich gehe, vor allem in Cannes, lieber ins Kino als auf Parties. Und das schon seit zwölf oder dreizehn Jahren. Bei Pédro Almodovars „Dolor y Gloria“ stellte sich plötzlich und unerwartet, wie es immer heißt, das Gefühl ein, nicht Almodovars Leben finde dort auf der Leinwand statt, fiktionalisiert, stilisiert und so weiter, sondern stilisiert und auf verdrehte Weise auch meines, meines als Kritikerin, so viele Filme habe ich von ihm in Cannes schon gesehen, an so viele erinnerte mich dieser. Vielleicht laden die Verantwortlichen genau für dieses melancholische Gefühl immer wieder dieselben Leute ein: um nicht allein alt zu werden. Sondern gemeinsam mit diesen großen Künstlern.

Wie viele Arten des Prominentenkults es gibt? Mindestens drei, mit Untergruppen. Die erste ist klar: Hingehen, wo die Berühmtheit ist, Handy draufhalten, posten. Die zweite ist eine Ableitung: Hingehen, wo ein Monitor steht, auf dem übertragen wird, was die Berühmtheit gerade macht, Handy draufhalten, posten. Die dritte ist eine weitere Ableitung: Sich erzählen lassen, wo eine Berühmtheit war, mitschreiben, weitererzählen.

Was Sie hier lesen, ist eine Mischung aus allen dreien. Elton John war da. Wegen des Films „Rocketman“, der seine Geschichte erzählt, der seine volle Unterstützung hatte, in dem er aber nicht mitspielt. Ob er zur Premiere an die Croisette kommen würde, schien eine Weile unklar. Doch er kam, als Teil seiner Abschiedstour. Verbreitete schon von weitem Menschenwärme. Zum Fotocall trug er einen herrlichen türkisfarbenen Anzug mit passender Brille, flirtete und schien sich auf den Abend zu freuen. Auf die Premiere. Vielleicht auch auf den Auftritt auf dem roten Teppich in Gesellschaft seines Mannes und des Filmteams und neben den Darstellern seiner jüngeren Ichs. Es sind zwei.

Das war morgens, und wer es verpasst hatte, konnte den ganzen Tag im Festivalpalast von Monitor zu Monitor laufen und es sich ansehen. Draußen an der Strandpromenade liefen dieselben Bilder auf riesiger Projektion, aber die Sonne störte. Am Abend kam Elton John wieder. Er hatte sich umgezogen, natürlich, dunkel, mit dem Filmtitel graffitiartig auf den Rücken des Smokingjacketts gesprüht. Statt der türkisfarbenen hatte er seine herzförmige, brillantengerahmte rote Brille auf und eine Rakete am Revers und verbreitete wieder Menschenwärme. Und wurde vor der Premiere und danach in einer Weise beklatscht, die selbst ihn rührte, der sehr viel Applaus in seinem Leben schon bekommen hat.

Wie fühlt es sich an, wenn es das erste Mal ist? Am selben Ort einige Stunden früher erlebte das Mati Diop. Ihr Langfilmdebüt „Atlantique“ zog mehr Afrikaner in festlichen Roben an als Elton John, auch die Botschaft von Senegal war vertreten. Die Erwartungen an Mati Diops Film waren riesig und positiv, trotzdem hatte sie als Debütantin, als junge, als erste farbige Frau im Wettbewerb, nichts, was in der Filmindustrie zählt, worauf sie sich stützen konnte. Keinen Ruhm vorab, noch keine große Karriere, keinen unerschütterlichen Ruf. Nur ihren Film. Das galt auch für ihr Team.

Die Spannung war immens. Entlud sich erst einmal im Applaus für jeden Vorspanntitel, jeden Namen, jede Firma, die dort genannt wurden. Doch als es losgeht, als die ersten Bilder einer Großbaustelle in Dakar auf der Leinwand stehen, als die Arbeiter vergeblich ihren Lohn einfordern und dann auf der Ladefläche eines Kleinlasters in die Stadt zurückfahren, ihre T-Shirts vom Wind gebläht, und sich erst nach einer Weile der Blick zum Meer hin öffnet, das ihre Sehnsucht ist und ihr Grab werden wird, da ist klar: Dies wird einer der Filme des Festivals, der unvergessen bleibt. Der Applaus hinterher übermannte die Regisseurin wie ihr Team. Er dauerte lange, Tränen flossen. Vielleicht gewöhnen sie sich daran. Andererseits – auch Elton John hat geweint. Immer noch.

Nur eine der Großen des Kinos, wie Cannes es feiert, fehlte am Eröffnungsabend. Das war Agnès Varda. Sie ist vor einigen Wochen gestorben. Auf der Bühne stand ein Regiestuhl mit ihrem Namen. Und das Plakat in diesem Jahr, das überall im Ort in den Geschäften hängt und riesig groß am Festivalpalast, zeigt ein herrliches Foto von ihr. Da steht sie auf den Schultern eines Assistenten und schaut durch eine Kastenkamera auf einem Stativ, das wiederum auf einem hohen Holzgestell steht. Das Bild hat eine eigene Dynamik. Agnès Varda sieht aus, als setzte sie zum Sprung an, und der Assistent lacht und ich würde mich nicht wundern, wenn sie einfach abheben und aus dem Foto fliegen würden. Als Agnès Varda starb, starb mit ihr diese Lust am Sehen, am Zeigen, am Inszenieren von Geschichten, die vor Leben so sprühten wie diese Frau. Im vergangenen Jahr war sie noch hier und demonstrierte neben Cate Blanchett, die ungefähr doppelt so groß ist wie sie es war.

Was dem Rest der Kinowelt bleibt, ist die Beschwörung des Kinos. Das taten alle zum Auftakt. Schwärmten von der gemeinsamen Erfahrung. Dem öffentlichen Raum. Der gesellschaftlichen Bedeutung. Der Kraft des gemeinschaftlichen Guckens. Warum hört sie niemand? Warum sind die Kinos leer? In Frankreich nicht so leer wie bei uns, aber leerer als in den letzten Jahren auch hier.

Am Abend der Eröffung des Festivals sollte das anders sein. Und zwar mit Hilfe des Festivals. Es übertrug nämlich die Veranstaltung in sage und schreibe 600 Kinos im ganzen Land. Dort konnten die Zuschauer miterleben, wie Edouard Baer (in der Rolle von Anke Engelke bei der Berlinale) die Internationale Jury vorstellte. Wie auch Alejandro González I ñárritu die Kinoerfahrung beschwor. Wie schließlich, endlich Charlotte Gainsbourg und Javier Bardem das Festival für eröffnet erklärten. Die festen Regeln des Festivals sorgten dafür, dass das Ganze äußert glamourös aussah.

Ganz anders Laurie Anderson. Sie ist zu Gast bei der Quinzaine des Réalisateurs. Das ist die Nebenreihe mit eigenen Regeln (ohne Smoking, dafür mit Netflix), die einst als Gegenfestival zum etablierten gegründet wurde und bis heute nicht Teil des offiziellen Programms ist, sondern friedlich koexistiert. Laurie Anderson hat mit ihrem künstlerischen Partner Hsin-Chien Huang („das Gehirn dieser Operation“, sagte sie) eine Installation aus drei Virtual Realities mitgebracht. Titel: „Go Where You Look!“ Der Ort: das ehemalige Leichenschauhaus von Cannes. Die Sache fand bei strahlendem Sonnenschein am Nachmittag statt, Laurie Anderson trug einen kleinen Hut und verwandelte sich, während sie sprach, in ein junges Mädchen, wie es immer geschieht, wenn sie über ihre Kunst redet.

„Dies ist eine neue Art von Kino“, sagte sie. „Wohin damit? Es findet keinen Platz in einer Box, wie es das Kino ist. Es ist eine Kunst, in die wir hineingehen werden. Wie auch in die Musik.“ Während im Festivalpalast kurz darauf alle von lebendiger Anwesenheit an einem Ort sprachen, sagte Laurie Anderson: „Jeder erlebt in diesem neuen Kino etwas anderes allein.“ „Falling Off Snow Mountain“ heißt die Installation, die eine ganz andere Art von Zukunft fürs Kino verspricht als wir es kennen. Laurie Anderson will fliegen, wie in ihren Träumen. Wie Angès Varda. Ich werde mehr von diesen VR-Stücken erzählen, morgen und immer, wenn das alte Kino dafür Platz und Zeit läßt.

Mit Pedro Almodóvar, Xavier Dolan, Ken Loach, den Dardenne-Brüdern und Terrence Malick gehen 2019 einige prominente Namen in das Rennen um die Goldene Palme von Cannes, das stand lange fest. Anfang Mai kam noch ein großer dazu: Auch der amerikanische Regisseur Quentin Tarantino („Pulp Fiction“) will seinen neuen Film „Once Upon a Time in Hollywood“ (Es war einmal in Hollywood) im Wettbewerb des Filmfestivals präsentieren. Das Drama mit Leonardo DiCaprio, Margot Robbie und Brad Pittsoll im Los Angeles der späten sechziger Jahre zwischen Hippie-Bewegung und den Morden der Sekte um Charles Manson spielen.

Das Festival wird am 14. Mai eröffnet werden. Präsident der Jury der 72. Internationalen Filmfestspiele ist der mexikanische Regisseur Alejandro González Iñárritu. Er übernimmt den Vorsitz von Cate Blanchett, die das Festival 2018 geleitet hatte. Der französische Schauspieler Alain Delon, der mit Filmen wie „Der eiskalte Engel“ und „Der Leopard“ Weltruhm erlangte, erhält die goldene Ehrenpalme. Die Festspiele dauern bis zum 25. Mai. In diesem Blog wird Verena Lueken aus Cannes berichten.

„Long live the struggle of the Sudanese people!” Der Kampfruf von Suhaib Gasmelbari verlieh der Preisverleihung bei der Berlinale am Samstagabend eine unvermutete politische Dimension. 1700 Gäste waren gekommen, es wäre spannend gewesen, hätte man eine kleine Umfrage abhalten können: Haben Sie in den letzten Wochen vom Kampf des sudanesischen Volkes Notiz genommen? Es gab durchaus Berichte in den Zeitungen, aber so richtig Schlagzeilen machen Demonstrationen für eine bessere Regierung in einem afrikanischen Land nicht. Der Film, für den Suhaib Gasmelbari mit dem Glashütte-Dokumentarfilmpreis ausgezeichnet wurde, heißt “Talking About Trees”, er erzählt von vier Veteranen des Kulturbetriebs im Sudan, und von der Tatsache, dass man von einem Kulturbetrieb nicht wirklich sprechen kann. Das hat historische und politische Gründe, die Protagonisten sind alle alt genug, um viele von diesen Gründen quasi am eigenen Leib erfahren zu haben.

Die Berlinale ging als Fest der Freundschaft zu Ende. Früher sprach man von Völkerfreundschaft, und zwei Systeme versuchten, einander wechselseitig die Völker abspenstig zu machen. Heute kommen bei einem kulturellen Großereignis im Westen alle Völker zusammen: Suhaib Gasmelbari hat eine französische Produzentin, Angela Schanelec hat einen serbischen Kameramann, der Argentinier Manuel Abramovich (Silberner Bär der Kurzfilmjury für “Blue Boy”) hat einen rumänischen Creative Producer, und der israelische Regisseur Nadav Lapid hat einen tunesisch-französischen und einen Schweizer Produzenten, und er hat seinen Film “Synonymes” in Paris gedreht.

Am Ende des Abends gab es für “Synonymes” den Goldenen Bären für den besten Film. Das war dann zu diesem Zeitpunkt schon keine Überraschung mehr. Die Verleihung der Bären folgt einem Protokoll, sie soll spannend sein, aber ein bisschen Planung muss auch sein. So kann man im Grunde schon beim Vorlauf am roten Teppich erkennen, die sich der Abend entwickeln könnte. Der goldene Handschuh war zum Beispiel schon draußen vor der Tür nicht eben stark repräsentiert, Fatih Akin wurde nicht gesichtet, Jonas Dassler immerhin kam. Die beiden deutschen Vertreterinnen im Wettbewerb waren beide mit Entourage erschienen: Nora Fingscheidt und Angela Schanelec. Beide erhielten einen wichtigen Preis, Schanelec für die beste Regie (Silberner Bär für “Ich war zuhause, aber”), Fingscheidt den Alfred-Bauer-Award für einen Film, der künstlerische Perspektiven eröffnet (“Systemsprenger”).

In dem Moment, in dem diese beiden Preise durch waren, muss Nadav Lapid gewusst haben, dass er nun Favorit auf den Hauptpreis war, und als Francois Ozon für den Großen Preis der Jury (Silberner Bär für “Grace à Dieu”) auf die Bühne gerufen wurde, konnte Lapid innerlich jubeln. Denn nun war nur noch sein Film übrig.

Die Entscheidung für “Synonymes” ist auch Ausdruck einer Jury-Zusammensetzung, die intellektueller und cinephiler (und sinnvollerweise auch kleiner) war als der übliche Mix aus Funktionen und Regionen: unter dem Vorsitz von Juliette Binoche wurde der Wettbewerb der 69. Berlinale mit plausiblen Entscheidungen abgeschlossen.

Den leidenschaftlichsten Moment gab es allerdings bei einer Entscheidung, die noch im Vorfeld der Bären lag: Der GWFF-Preis für den besten Erstlingsfilm ging an “Oray” von Mehmet Akif Büyükatalay, eine Auseinandersetzung mit dem Buchstaben islamischer Regeln und dem Geist der freien Zuneigung. Der junge Regisseur dankte seinen zwei Familien (der richtigen in Hagen in NRW, und der Kunstfamilie in Köln an der KHM), und bekannte sich dann zu der Religion, der am Samstagabend gehuldigt wurde: er rief dazu auf, „an das Kino zu glauben“, und brachte sehr unmittelbar zum Ausdruck, wieviel es ihm bedeutete, in diesem „Tempel“ gewürdigt zu werden. „Tempel aber müssen zerstört und neu aufgebaut werden.“

Zu den wichtigsten Errungenschaften der Religion des Kinos zählt der Umstand, dann man damit Tempel einreißen kann, ohne auch nur einem Ziegelstein etwas zuleide zu tun. Das mit dem Aufbauen ist wieder eine andere Sache. Dafür sind im kommenden Jahr bei der Berlinale einige neue Menschen zuständig. Lang lebe in jedem Fall der Kampf des sudanesischen Volkes.

1994 war ich zum ersten Mal bei einer Berlinale. Als Filmkritiker war ich ein Anfänger, als Berlin-Besucher auch. Das Festival fand damals noch im Westen statt, in einem Kudammkino, das es heute nicht mehr gibt, liefen in der Retro die Filme von Erich von Stroheim. Zu den Pressevorführungen des Wettbewerbs musste man in die Akademie der Künste am Hanseatenweg. Das Forum fand im Delphi statt, das ist bis heute so, allerdings war das Arsenal, zu dem das Forum gewissermaßen gehörte, noch unweit des KaDeWes und nicht, wie heute, in den Quartieren am Potsdamer Platz.

Im Delphi fand 1994 der Höhepunkt meiner Initiation in die Welt der großen Filmfestivals statt. Die Vorführung von „Sátántangó“ begann schon am Nachmittag. Siebeneinhalb Stunden mit einem ungarischen Film in Schwarzweiß, der jeden Unterschied zwischen kommunistischer und postkommunistischer Apokalyptik belanglos werden ließ. Ein Film in Zeitlupe über das Ende der Geschichte.

Ich war von der ersten Szene an, in der eigentlich nur Pferde unruhig herumlaufen, gebannt, musste aber irgendwann raus. Ein Interview mit dem australischen Regisseur Peter Weir stand auf dem Programm, das war der andere Höhepunkt in diesem Jahr, einen Begegnung mit dem Mann, der “Picknick am Valentinstag” gemacht hatte, und nun mit “Fearless” bei der Berlinale zu Gast war. Jeff Bridges spielte einen Mann, der einen Flugzeugabsturz überlebt, danach aber nicht mehr derselbe ist. Peter Weir erwies sich als höflicher, kluger Mann, das Interview lief gut.

Danach eilte ich ins Delphi zurück. Ich erinnere mich nicht, wie „Sátántangó“ ausging, um ehrlich zu sein, könnte ich nicht einmal mehr mit Sicherheit sagen, dass ich danach bis zum Schluss geblieben bin. Die zwei Stunden, die mir zwischendurch fehlten, ließen sich an diesem Tag sowieso nicht mehr aufholen.

Vielleicht fünfzehn Jahre später wollte ich mit „Sátántangó“ noch einmal Ernst machen. Und zwar dieses Mal wirklich. Ich las das Buch von László Krasznahorkai, besorgte mir die DVD – inzwischen war das Zeitalter der Beamer angebrochen – und machte mich voller Erwartung an die Arbeit. Über ein Wochenende verteilt wollte ich die 450 Minuten Schwarzweißaufnahmen aus einem verregneten ungarischen Provinzkaff endlich vollständig schauen.

Aber es ist wie verhext: ich kann mich beim besten Willen nicht erinnern, ob ich das damals geschafft habe. In dem Buch steckt ein Lesezeichen eher in der Mitte, danach sind keine Unterstreichungen mehr. Jetzt weiß ich nicht, ob ich die abgebrochene Lektüre auf den Film projiziere, oder die Ereignislosigkeit des Films auf meine Erlebnisse damit, oder vielleicht passiert ja sogar eine Menge, und ich habe es vergessen – oder doch nie gesehen. Dass es sich bei „Sátántangó“ um einen Höhepunkt der Filmgeschichte handelt, kann ich, glaube ich, in jedem Fall, vertreten.

Heute Nachmittag lief eine digital restaurierte Fassung. Eigentlich hätte ich da unbedingt hin gemusst. Allerdings möchte ich um halb sieben zum Fußball. Jetzt bin ich unschlüssig: vielleicht heute nur den halben Film anschauen? Wenn ich um neun aus dem Olympiastadion ins Delphi zurückkomme, dann könnte ich in jedem Fall den Schluss sehen. Aber dann fehlt mir wieder gerade der Teil, der damals wegen des Interviews ausfiel. Ich seh’s schon, das wird noch eine Lebensaufgabe mit „Sátántangó“. Vielleicht lese ich jetzt erst mal das Buch zu Ende. Und zwar am besten noch mal von Anfang an.